藝術論述之三<文化研究> / 沈昱彤

在當今，文化研究也是重要的課題。不論是女性研究、後殖民主義、新歷史主義甚至是環境的問題都是引人關注的。多元的文化帶給我們真正的影響應該三思，例如路上隨處可見的麥當勞，這就是美國人的文化，從小到大陪伴著我們的麥當勞深植在我們心中，日本料理和泰國菜的普及，伴隨著時代的成長和科技的進步，多元文化漸漸的在不同的國家間相互的融合，產生了多而雜卻讓人喜愛的面貌。但是相對的，我們是否已經漸漸的淡忘本土文化了，我們以應不記得上一次吃稀飯配將瓜是什麼時候，文化的多元卻漸漸的變成了文化工業，這就是多元文化所帶來的負面影響，我們被不同的文化影響，無形中也被他們同化。如同阿多諾說的文化工業，我們被她國文化殖民，後殖民主義的興起，就是要反對此。

除了後殖民主義外，例如女性主義的崛起，讀過拉岡的精神分析理論、傅科的話語權力理論以及德希達的解構主義思想後，了解到過去的女性是在男人的話語與權力下建構出來的。雖然曾經出現過許多另男人聞之色變的「女性主義」的理論或創作，但吊詭的是這套女性主義亦是在男人的話語與權力下建構出的理論和社會所支撐。因此許多女性主義者試圖以站在女權立場上來消解男權中心的『女性寫作』、『女性閱讀』進而發展到『女性美學』與『女性藝術』，這些都是要減弱一種以男性的『男權中心』和『陽具中心』的解構性思想。

新歷史主義方面，傅科的話與權力理論中提到，以往的歷史都是由有權有勢的人所編織的ㄧ套直線合理的歷史觀，但是事實上，歷史是波動的、意外的，往往有許多天外飛來ㄧ筆的小插曲，所以，我們應該重新找尋這些被遺漏或是故意忽略的歷史，真正的歷史面貌應該更龐雜、更豐富。環境問題方面，地景藝術的出現，這和裝置藝術是大大的不同，地景藝術是在原本的大自然上稍加裝式，告訴我們這裡有著大自然，千萬別忘了他們。文化研究都是和我們切身的問題，這是對於過去做反省和繼承，樣貌繁雜卻非常的有趣，也顯示出在多元文化的社會中不斷引發大中思考和督促自我的功能，能對於自己生存的文化進ㄧ步的了解，就像探索自己生命的未來旅程般的刺激，所以在多元文化中，我勇於挑戰，也樂於挑戰(全文完)。

藝術論述之二<美學> / 沈昱彤

在美學方面，看了朱光潛的『談美』，有言：「藝術是情趣的表現,而情趣的根源就在人生，反之，離開藝術，也便無所謂人生，因為凡是創造和欣賞都是藝術活動。」這句話為此書濃縮之精髓，作者認為藝術其實是個人生命的展現，在生活中以小孩般純真不受拘束的遊戲心態，真實地將自己內在直覺以藝術形態表現出，不複製他人的藝術角度，誠實地流露自己內心世界的美感於生活中。

這就如同莊子的美學觀念，在莊子內七篇曾提到他的美學觀，莊子把「自然」當作人生的歸宿。莊子認為宇宙萬物的本體是「道」，「道生萬物」而又「道法自然」，他告訴我們應該心齋坐望、滌除玄鑒，只要我們內心平靜、澄澈透明，抱持著『無質』的心態，一旦什麼掛念和利益都沒有了，我們就可以沉浸在藝術中享受藝術。藝術就如同遊戲一般，可以讓人抒發壓力，並且滿足自己的理想和情趣。因為當人們在欣賞藝術的時候，內心抱持著某個目的，就會使我們離開藝術的情境中。哲學家康德在他的判斷力批判中提到審美的四契機。其中一項是：『藝術是無目的的何目的性。』這就是告訴我們當我們脫利益的去欣賞藝術，我們就可以感受到藝術的感染力，沐浴在藝術的精華中。如此我們就可以得到審美的快感，而欣賞藝術的目的在無形間就達成了。但是，相反的，若我們不是脫利益的去欣賞藝術，我們便會被旁邊的事物或雜念牽引著，例如看畫卻是看名氣、看價錢等等，使藝術落入俗套了。

藝術是讓人自由的發揮自我的理想，藝術就是『想當然耳』，我們不需要有任何功利的心情就可以沉浸在藝術中。在過去的藝術似乎都是服務於皇宮和貴族，是偉大的高藝術，這種高不可攀的感覺不襟使人對藝術產生了壓迫。到了馬諦斯，他的作畫是純色平塗，其目的就是希望簡單明瞭，馬諦斯曾說：「欣賞藝術就是直接的看他表現什麼，不需要深度的透視，也不需要明暗法，看我的畫就像躺在一張舒適的安樂椅上，是不花腦筋的。」所以，藝術在後現代，或者說第二現代的我們，隨著科技和知識的普及，我們可以隨時的體驗到藝術，只要我們『無質』、『脫利益』，就可以解放在藝術的快感中，藝術不是利，也不是為了達成目的的手段，藝術更不是偉大的形而上論述，因為人人都可以是藝術家，而且生活就是藝術。這並不像黑格爾說的藝術最終將走向消亡，而是藝術已經走入人心，藝術是普羅大眾的，只要我們以正確的態度和藝術相處，他就像朋友般的可以帶給我們快樂，並且分擔憂傷。

藝術論述之ㄧ<創作> / 沈昱彤

藝術的領域非常的廣泛，在這次的考試中涵蓋了三個部分：創作、美學和文化研究。首先創作的部分，這學期欣賞的影片『萬世千秋』，是一部關於米開朗基羅的影片，雖然片中主要在描述他繪製西斯汀大教堂頂蓬畫的經過，但是也可以看出他對於雕刻的熱愛與天份。

米開朗基羅不但是一位偉大的雕刻家、畫家和建築家，還是一位偉大的詩人。他比達文西年幼23歲，卻比達文西晚去世45年，度過了成就卓越且漫長的一生。達文西把藝術視為科學，賦予藝術理性；米開朗基羅則把藝術視為同上帝的創造一樣神聖的個人創造，賦予藝術力量和激情。他擁有過人的精力、雄心勃勃的創作、深邃的思想和無所畏懼的性格，使它成為藝術史上具有浪漫氣質的超越時代的藝術大師。在萬事千秋這部電影中，米開朗基羅ㄧ心認為他的專業在於雕刻，並認為是藝術的勁敵存心要讓他出醜，憤怒之下接受了這個委託，並在教皇的促使下激發了米開朗基羅的潛能，因為米開朗基羅傾心於陵墓的工作，所以在四年後完成了西斯汀大教堂的頂蓬畫，面積之廣大，天頂呈現拱型，上面畫著聖經的故事【創世紀】。米開朗基羅必須搭著高高的鷹架仰天而畫，常常不眠不休甚至用壞自己的眼睛，且每一個圖案都是經過打底，而溼壁畫的工程浩大，可見米開朗基羅的不凡與偉大。

米開朗基羅受到新柏拉圖主義思想的影響，認為人的精神與肉體是相對立的，軀體束縛著人的靈魂，它可望把人體和靈魂從頑固的石頭中解放出來，以滿足她精神上的追求。因此他在雕哥這種平靜的動態中，賦予人的內心緊張和騷動，這就是人的靈魂和肉體無法調和的矛盾，也使的他的雕刻存在著悲劇性。
片中開頭介紹作品中，『大衛像』就是他著名的雕刻作品，大衛像體現出古典美和英雄氣慨，這作品完成時你開朗基羅還不到30歲，已經被認為是當時最傑出的大師之ㄧ了。相對於米開朗基羅想法的雕刻家布朗庫西，他不認為石頭中靜固了人類的靈魂和軀體，而認為我們應該因材施雕，不應該不尊敬石頭。如同他著名的作品『吻』，我們可以看出時頭的質感和有的外型，他只是在石頭上稍作雕琢。在中國霍去病的墳墓外的石雕群，也是因材施雕的展現。

另外，在西斯汀大教堂頂蓬畫最富想像力的ㄧ幅是『創造亞當』，這靈感是由日出時的雲朵而得到的，在這幅畫中米開朗基羅表現了上帝用泥土塑造亞當以後又賦予它新生命的場面，在這裡她凸顯了創造的偉大和神奇，亞當躺在地上充滿了男人應有的健壯美，上帝正要伸出手來將生命灌注於亞當，我們也看到亞當正由沉睡中漸漸疏醒的模樣，這就是把靈魂傳遞給人類的動人時刻，這裡的上帝被描繪成身體壯碩和精神煥發的白髮老人，此形象便成為世世代代人們心目中的上帝。

聖化農民的田園大師─米勒 / 林俊孝

19世紀中期的社會秩序正面臨著貴與賤、富與貧的二元階級對立。以歐土上的強權─「法蘭西斯」為例：1830年屬波旁王朝的查理十世悍然解散國會及頒布了四項非常法令：取締報紙的出版自由、解散新眾議院、修改選舉法「只有繳納高額土地稅者才有被選舉權」、大選於九月進行。以此「四項非常法令」是為「七月革命」的導火線；法案頒布後群眾運動亦有擴大之勢，巴黎人民築起了街壘，同政府軍展開了激烈的戰鬥，攻占了市政廳，且升起三色革命旗幟。最後在幾團政府軍的倒戈下，戰事起了急遽的轉變，查理十世出逃英國，波旁復辟王朝為之覆滅，七月革命最終取得了勝利。但由於共和派的軟弱無力，使得大資本家竊取了政權；金融家們組織了臨時政府且擁戴了奧爾良公爵─路易腓力為國王，開始了大資本家的統治時期，史稱「七月王朝」。但共和派的稅收政策引起廣大農民的不滿，因而懷念起1793年的憲法，加上當時代贊同雅各賓派的「土地法」，農民把這些成果和拿破崙連結在一起；以為一個名叫拿破崙的人將會把一切失去的福利送還他們，因而成就了拿破崙的姪子路易‧拿破崙的崛起，一時間於1848啟動了「二月革命」，革命暴發後打碎了於維也納會議（1814-1815年）後建立的梅特涅制度（1814-1848年），戰事隨即在歐土各地發酵，但最終各地的起事終未成功。而米勒也正是此一歷史背景下的印像派畫師。

當代普遍為全球所喜愛的藝術流派，可說非「印像派」莫屬，而米勒作品中的「精神性」往往深刻影響著印象派的眾多名家，其中又以梵谷最為推崇。但米勒的影響也不止於此，甚至影響當今許多共產及社會主義國家中的藝術風格；將不起眼的社會小人物，畫的有如偉人一般，且具尊嚴及高潔的感受，無疑的受到了米勒提升農民、勞動者的深刻啟發。

米勒是一位大器晚成的畫家，早年的他極為貧困，且曾描繪過無數的肖像畫、裸女畫……以維持生計，但卻不如想像中平順，且曾遭顧客以畫像與本人相距甚遠為由，慘遭退件。直至1848年「二月革命」爆發後，米勒的畫風起了急遽的轉變，並於此時逃離戰亂的巴黎前往「巴比松」一地創作，另闢了一塊藝術創作史上獨具特色的自我天地；這些作品與當時代的作品迥然不同，其生命力、原創性獨具，一改原來以神話、歷史、文學為主的創作題材，轉以描繪日常生活中勞動者的形象，於1850年展出的《篩穀者》實為米勒風格的確立，成功的呈現出農民生活真實的一面。但不幸的，米勒的作品於當時代因政治、社會的關係，有著兩極化的評論；即使米勒曾公開澄清他，絕未在作品中加入任何的政治色彩，當時代的評論家往往據其自身「政治立場」妄下斷語；於保守派評論者的眼中，農民是搗亂社會秩序的潛在不定因素，認為米勒的畫粗俗不堪，有製造動亂的危險。另一方面左派評論者則指出，其畫作正傳達出勞動者的偉大與尊嚴。除此一般單就藝術眼光評論的大眾亦有著兩種不同的評論；以《播種者》一畫為例，有人說：「都麼富有詩情畫意的美麗作品呀！」另一派則批評：「這只是一件主題交待不清的隨興之作。」評論差距之大，以此便知一二。此處我們可體會到，藝術配以現實的態度來觀察，實為觀賞者本身的悲哀，因此喪失了一次體驗「美感」的機運。

米勒終其一生，試圖描繪著童年記憶中農村生活的人與事，無疑的正是他創作的主要意圖，可是農村生活的描繪，米勒並非第一人，為何相關於農村生活的描寫，米勒在藝術史上會佔有崇高評價呢？

正因為米勒以其個人情感，配合其堅實的繪畫技巧，使田野中不管是休憩或工作的人們，即使看不清楚他們的面部情感；因為往往是俯向土地，配合其陰影的描繪，使人難以捉摸其真實的情感。配合著他們日常生活中的勞動，卻能單憑的著他們身體的姿勢、節構，散發出一種「宗教性」的崇高。除此「人本主義」可說是他每件作品的創作元素，直到20世紀七零年代後，對於米勒才得以跳脫以往因政治而導起的兩極化評論，而受到當代大眾的全面肯定。

生活美學 / 林俊孝

現實生活是由緊張、壓力、不滿……種種元素建構而成的，面對著生活也許你我充滿絕望，亦或者無所適從。對於眼前的景物，也鮮少有時間細部地品味，但當你我汲汲營營在追求目標、業績或者課業的同時，你我錯過了多少感動？哪怕是一幅畫、一首曲子、一張照片或者一晃而過的美景。「人之所以異於動物的就是於飲食、男女之外還有更高的企求，美就是其中之一」這句截自於朱光淺《談美》中的文字，說得真好；你我急切於現實的同時，若少了「美」的體驗，又與動物有何分別呢？此刻，不如放下你手中的要務，好好地聽一首曲子，觀賞一幅畫作，或在每天必通勤的道路上，同以往不曾注意的事物好好地邂逅一番，以此種種將會使你我的心靈世界更為充實。若你仍汲汲營營於現實，你將必須體認；過往不管發生過如何轟轟烈烈的成功及失敗，但這些終將過去，僅有那人們心靈的結晶─藝術品會留下來；此刻不管現實生活上你獲得了多少，他們終將同你離別，但心靈卻是一輩子的，而美正是心靈無疑的「昇華劑」。

消遣是人暫且脫離現實繁瑣的方式，但人們往往本著「現實」的態度進行消遣，哪怕是看新聞、玩遊戲、吃頓飯……，但這些方式對於提升「心靈」是毫無助益的，以此種種僅能是「實用」的意義；實用的態度起於實用的知覺，實用的知覺起於經驗，在你眼中僅認知到飯是喫的、水是喝的，對於生活，僅有那份實用的認知，且以實用的態度來達成你所想的「快感」，而非心靈的「美感」。

「美是何物?」美相對於現實是有距離的，它是孤立且絕緣的。我們無須以現實的道德、法律、法條……來評斷眼前的事物。除此觀察藝術品時，我們無須過份的聯想；僅須以「點、線、面、形、色、質」來探究眼前的景像，以此我們可認知到「美」是何物？它並非那一瞬而來的「快感」，它起於一個可云其實的「直覺」；這直覺起於那孤立且絕緣的影像，且這影像須以「點、線、面、形、色、質」來探究，而非現實的一切附加。也正因其孤立性，使你我獨立於現實之外，以「無所為而為」的態度來探究生活中的「美」，你我也正是心靈中的主宰。

提升「美學生活」，除了就身旁的事物做起；使你我以美的觀點去探究日常周遭的事物，且享受於那永恆的感動，於此你將會感受到生活將不只是生活，且相較於他人，你將會擁有一顆相較於他人更為充實、感性的心。若你還有餘力，不妨注意周遭的表演或者展覽，以更親近的距離去體驗美的感動，近期內有一項極為重要的「美展」，也正是來自於法國─「驚艷米勒－田園之美畫展」。伴隨著現代社會的發展，都市化及工業化遍佈於周遭，再加上科層制度的極端發展，使人們的生活更為緊張且疏遠。美是有「距離」的，且人總不滿於現況，對於不同於自身生活上的一切事務，總有著一種「理想化」的好感。米勒；一位聖化農民的藝術大師，他的作品也正能滿足此刻心靈失溫的你，他的描繪主題時常是一般生活當中實不起眼的農民，但透過他純熟的藝術技法及構圖能力，總能提起你對田園生活的感動，也使你我將暫時脫離這繁囂的世界，讓心靈更為昇華。

於此筆者將透過其時代背景的分析，使你更認識這一位偉大的藝術家，且透過文字讓你探知他的生平及創作。藝術及文化，不管在世界的各個處於不同文化圈的國家總有其相融的一面，僅管政治上是分離的，文化總有其相互模仿及進化的一面。若論及藝術也正是如此，最後我們將探討米勒對於當今社會亦或者哪一位畫家又有何影響，以此種種將會是我們皆下來所要細細探索的。

藝術文化的多元版圖 / 嚴婉真

文化接觸是人類文明發展所不可避免的現象，就文化融合的正面角度來說，可以使不同地區的文化相互交流，增加對他地文化的認識和了解，彼此之間相互學習與包容，甚至相互影響，進而改變或是形塑該地原有的文化概念與特色，使本身文化更具現代性與活力，例如拜占庭文化與東方文化接觸頻繁，尤其吸收了伊斯蘭文化的特色，使用嵌磁的方式做裝飾，讓教堂在有光線透入時，呈現出崇高的神聖感。

而當然這種碰撞與協調並不只可以表現在藝術作品上，也可以是不同的藝術表現手法相互影響，或是於觀點的不同處摩擦與激發，米開朗基羅起初堅信自己是位雕刻家而非畫家，排斥勉強自己在西斯汀教堂的天花板上作畫，但若非如此，今日我們恐怕無緣得見在創世紀中人在被創造、初生時的善良與純淨，使得宗教的意涵可以再次被詮釋，繪畫風格的另一種典範也得以被確立。

但是藝術其實並不是高高在上、有所隔閡的東西，最重要的是能夠感受到精神凝聚、忘卻利害得失的「無所為而為」的狀態，由欣賞中產生與自己生活經歷的共鳴，使人不同於一般生物求溫飽的需求，發展出更多的探索與追尋，並且盡力嘗試發展與突破，以實現個人的能力與創造力，以人的靈魂為主旨，讓藝術品能夠承載生命歷程中獨特的感受和想法，因此人性的本質與拉鋸才是藝術品永遠的主題，而非徒具美麗的軀殼。

回到文化的面向來說，當政治、經濟強國挾帶著政治手腕或龐大的經濟資本強行進入他國或影響他國的文化認同，特別在今日由於各地之間的時間、空間屏障逐漸削弱，各地之間交流頻繁的情況下，美國文化與回教文化就是一個很好的例子。被進入的文化沒有意識到這種入侵的狀況，就有可能在不知不覺的當下喪失了自己本身文化的獨特性，或是因為對己的文化強烈的捍衛而使雙方產生對立和衝突，不過多元文化在現今文化異質性或文化豐富度很高的環境中，其實更能加強對固有文化的認知，理性地分析之間的差異，對自身的文化加以發揚光大或保存，也可利用文化的因素拉近與其他民族的距離，就像雖然可能不明白基督教的教義或聖經的內容，卻依然可以對米開朗基羅的藝術創作有所感受與啟發，這才是文化異質呈現與交流的目的。

美與藝術創作 / 葉玫麟

「美」其實是很主觀的。由於對與「美」的認知不同，理所當然的會影響到藝術家的創作。如同朱光潛在《談美》一書中所提到的，「美」的主觀是必須放棄「實用」的價值判斷的。易言之，我們在談論一件物品是否是具備「美」時，我們必須要忘記他的實際功用，而單單純純的從欣賞的角度去面對它，方能夠體會「美」。但即便如此，「美」仍然脫離不了主觀的價值判斷，每個人對於「美」的看法和定義其實都是不相同的，而現今我們對於「美」的標準，則其實是以大多數人可以接受的範圍作為它的判斷準則。

上述當然可以既用於一般事物也可以用於對於藝術創作的判斷。我個人認為在藝術的領域裡，其實對於「美」的判斷和要求是更高但也是更微妙的。倒底什麼是美?時至今日，藝術創作（當然也包含視覺創作）中所謂的「像不像」其實已經不是創作品中最重要的核心價值了。這麼說並不是指諸如文藝復興時代的大師們對於真實和正確描繪的追求是沒有價值的，相反的，正是因為對於「形似」的追求已然達到一個相當的高度，才能夠導致今日藝術創作價值的轉變。以今日我們對於不管是視覺創作、音樂創作等創作品中，我們所重視的是創作品能不能夠表達作者想要表達的、表現的意義和情感。要表現出如同真實物體一般的創作其實對於現今的技術而言已經太過容易，以致我們和創作者們轉而去追求更內在的事物，即作品中的精神和作者個人情感裡面的抒發，而技巧的具備則已然變成了基本條件。

每個時代所追求的「美」其實也都是不一樣的。以「巴洛克」為例，它的藝術風格可說是華麗的。相較於古典主義，「巴洛克」在表現上則是更加的繁複並且帶有誇飾的意味在，較喜愛在畫作中強調動感和光影的明暗變化。卡拉瓦喬可以說是巴洛克風格早期的代表，其作品中還留有一些文藝復興的色彩，畫面的構成也較為安祥、和平，主題也仍然以聖經的故事為主，而畫作中出現了不太強烈的動態感，他的另一個特色則是擅長運用光影，使畫面有如五台一般的戲劇效果，而非如文藝復興時期的穩定和靜態。魯本斯的畫作中則處處呈現動感，以互相纏繞的S型構圖以追求情感的抒發和表達，而這種構圖法也改變了文藝復興時期對於穩定構圖的追求。林布蘭則是延續了卡拉瓦喬對於光影的運用，他善用了光影來描繪和提點畫面的重點部份，而其為數眾多的自畫像也是他的另一特色。整體而言，我們所看到的巴洛克的風格是略為繁複和誇張的，正如「巴洛克」的原文的原意所指的是「大而不當的珍珠」，雖然一開始是有貶抑的意味在，但也是可以看出巴洛克這個風格在當時而言，是相當不同於原本以存的藝術風格，是較誇張的一種表現。此外，巴洛克在題材的選擇上已不同於中古世紀也不同於文藝復興時代，而是開始描繪一般的貴族、平民、商人，並且想要藉由描繪更巨大的場景、更加不平衡、慘烈的戰況來求藝術的表達。但是並不能說巴洛克風格就是個完全脫離過去的影響，是一個跳脫出來的風格，巴洛克時期的畫家們依然沿用了古典主義使用褐色打底的習慣，使畫面常常是呈現褐色調。但是他們卻又加上了突出的光影表現，使畫面不再是靜止的、安定的，而是如同舞台一般可以讓觀者看到故事的運行。突破了文藝復興時期過於理性的禁錮，畫家們找到了表現情感的新的方式。

所以在欣賞一件藝術品時，當然是可以「純粹的」只欣賞它，但在欣賞之中，除了要試著去體會作者想要表達的東西之外，對於時代背景、作者甚至是作畫理論的了解，其實都是有助於觀者能夠對於作品有更深一層的體會，為什麼作者要這樣做？為什麼要這樣子表現？其實了解了其他的相關背景之後，對於「美」的欣賞，其實是可以更深入的。

此外，藝術創作和藝術家的心理層面可說是息息相關的。而藝術作品的表達，則和藝術家、創作者所認定的「美」有著密不可分的關係。以《羅丹與卡蜜兒》這部電影為例，一開始卡蜜兒的精神狀態很穩定，於是可以創作出「腳」那樣子安祥、優美的作品。在和羅丹熱戀後，卡蜜兒的作品也改變了雖然在風格上和羅丹略為相近，但是卡蜜兒對於創作上的熱情也充分的反應在作品上。同樣的在卡蜜兒和羅丹的感情開始面臨了問題之後，反映在她作品上和她的情緒上是激動的、是不安定的甚至是混亂的。從這裡可以看出，其實作品是在某些程度上是等同於作者本人的。我覺得其實這個是很微妙的，不要說是畫作，其實音樂也是無論是作曲的音樂家或是演奏出來的音樂家，甚至是一般流行音樂的作詞曲人以及歌手，在他們的呈現中，都是可以感受到有著不同的情緒和不同的故事。回到正題，雖說這部片是以偏向卡蜜兒的立場拍攝的，但卻還是可以從電影中觀察創作者、創作者的心態和作品這三這者關連。上面提到了羅丹對於卡蜜兒的影響，但羅丹其實也是受到卡蜜兒的影響，影片中不斷強調卡蜜兒是羅丹的靈感，或許這視為一種創作力互相的吸引，才能是會互相吸引的。或許這種吸引力造就了卡蜜兒但是同時也是毀了她的主因，因為在她對於羅丹開始產生了不信任之後，她的作品呈現出了她內心的痛苦，她不願意接受羅丹的幫助，卻也把自己侷限在自己的世界中。

我一直認為，藝術家（或說創作者）都是在追求他們自己所認定的「美」，嘗試著用各種不同的方式去表達他們想要表達的。有人說，藝術家如果越是痛苦卻越能夠有好的作品，我想這句話其實是一些事實的表面。歷史上有太多的例子可以看到，許許多多在生活上、事業上不得志的藝術家，往往將他們對於人生的不滿、愿對、希望以及期待，再投射回他們的作品上，以致於他們的作品中有著濃烈的情感和表現，或許無法見容於當時，但是「美」卻總是不會被埋沒。每個時代所欣賞的「美」式不同的，每個人所能夠欣賞的「美」也是不同的，那是因為我們對於作品所能夠引起的共鳴和投射的情感的不同所造成的。所以在欣賞藝術創作的同時，對於那些無法在第一眼引起共鳴的作品，不妨多去試著體會一些，或許可以欣賞到不同的美感，或許可以得到更多。

唯美的火花 / 沈汶樺

在「戴珍珠耳環的少女」這部電影裡，最讓我印象深刻的部分大概是他和女僕間的互動，維梅爾從一直找不到更好題材，因而停擺了許久，到無意間發現女僕拿著抹布擦窗戶時的畫面，讓他再度作畫，他和女僕間的曖昧情愫為這部電影增添了神秘色彩，看似若有似無，但是女僕的藝術天份被他挖掘，這部分填補了他妻子對他繪畫方面的不了解和不支持，也就是說他好不容易找到了懂他的人，難怪這位藝術家對這位女僕的情感也特別也不一樣，和她在一起的快樂讓他填補了心靈上的缺陷，因此他們談了一場精神上的戀愛，他們彼此是那麼互相吸引，但因為家世背景和地位，也斷送了一段剛萌芽的愛情。

到最後，維梅爾畫了這幅帶珍珠耳環的少女，可說是他和女僕的最唯美的火花，裡頭的少女，漂亮、清秀，戴著頭巾讓她的五官被看得更清楚，她的嘴巴微微地張著，讓我感覺到增添了一股性感和神秘，我甚至也被這幅畫裡的女生給迷住了，她的眼神很單純，她似乎也很信任幫她作畫的畫家，加上他們原本就有的曖昧情愫，女孩的眼神中讓我感覺到那股看著喜歡的人的淡淡電流，她冒著被女主人發現的危險，最後還是答應了維梅爾，她大可不必犧牲這麼多，但使或許是因為發自內心的情感讓這幅畫作得以流傳。

巴洛克時的荷蘭，正因為大航海時期讓荷蘭人荷包滿滿，很多暴發戶開始注重生活品質，享受著上流社會的奢侈，電影裡，有一幕是住在維梅爾家附近的一戶人家，因為宣告破產而所有的東西被搬走，這也象徵著奢侈背後的不穩定及危險，這兩位大師自己也身經其歷或看著這大起大落的時代背景在不斷地上演。

說到林布蘭與維梅爾兩人的畫作，我本人比較喜歡後者的筆調，雖然說兩位大師都純熟地運用了光線和色彩間的變化，也都喜歡拿一片柔和的黑當背景，經常拿帶著頭巾的女生當模特兒，但是維梅爾的筆法卻比較細膩，細水長流的感覺，他所利用的暗箱作畫也是相當罕見的技術，使畫中的光線和色彩是如此的逼真，畫中的少女眼神是如此的水汪汪，嘴唇是如此紅潤！相對於林布蘭，他的畫法比較粗糙，筆法比較放蕩不羈，雖然說他的畢生的畫作數量遠遠超過了維梅爾，但是維梅爾光是一幅戴珍珠耳環的少女便令人如此沉醉、如此眷戀；或許兩個畫家互比較下，維梅爾的人物情感沒那麼濃厚，情緒也比較淡，雖然說比較誇張的手法也未必不好，但是看久了卻是前者比較吸引人，足以讓人細細品味！

美感的聖與俗 / 黃馨慧

美感是由生命的經驗所交疊累積而成，並非出自於偶然。

依此類推，藝術活動雖然和日常生活的樣貌不同，卻是由人的生活發想而來，最後漸漸推擴，才變成一門專門學科或事業，「美」也就成為人的一種進步，追求形體以外的精神力量，它的本質來自人的渴望，以及企求生活中出現賞心悅目的事物，於是漸漸形成藝術的流變。藝術的神性，是由生活中的「俗」脫胎而來，聖和俗畢竟是不可分割的一體兩面。

吃飯的藝術是由吃飯的動作而來，吃飯絕對是一件「俗」的事情，目的是求取慾望的滿足，但吃飯的藝術卻是由於慾望追求昇華和心理滿足所衍生，人人都必須吃飯，但有人要求擺盤精美、用料高級，甚至連餐具都不可以馬虎；有人隨性食用，不求時間和地點，前者看似較具藝術美感，後者看似粗野，卻各具不同情態之美，本質也都是同樣建立在「吃」上。

把自己的生活看成一件藝術品對待是正確的，因為生命必須要有精神依託，才會有美感的存在，但亦不可免俗，「俗」並非是缺乏美感的修養，而是美感的素材。但看米開朗基羅，他創造的天篷壁畫，畫的都是神，或是宗教故事，但神的具體形象，則是他日常生活中所觀察到的人，每幅畫裡都充滿了人的完美肌肉線條，線條強勁有力，帶有力道的躍動感，似乎因著力量的開展而找到了美的平衡，是人身的極限之美，具有野性和自然奔放的氣息。畫面上雖都是一些神聖的神，但卻用俗氣的人當做作畫標準，用其中人物的肌肉力量迸發賁張的旺盛生命，並且暗示生命的潛能是極高的，凝聚是可以衝破界限的，神性的崇高，是由人物表現對神的崇敬而得來的地位，米開朗基羅藝術的產生，都是由生活的俗而來。

現今的國際文化，以西方霸權凌駕了總體，滿足慾望如同追逐日月星辰，永遠不會有得到與滿足的一天，因此西方的慾念開始重視東方的美德，希望東方的美感經驗，尤其是哲學和思想可以幫助他們度過資本主義的心理危機。看看拜占庭文化的發展，融合了東西的特長，把東西方的聖與俗融合成一種藝術性的存在，使它變成全球化的理性風格，使它發光發熱，以往受到西方貶抑的東方文化，現在用來平衡西方的冷酷特質，帶來形上的和諧之美，所以只發展慾念沒有其他的精神支柱，再多也是白談，而藝術的延續，則也需要靠資金的挹注才有辦法完成，兩者缺一不可，特別貶低俗而只重視美，是短淺的眼光。

在慾望中偶然地創作出一件美的事物，是由無數生命的「俗」經驗累積而來，藝術之美是心靈層次美，俗的美是生活之美，不可以因為追求藝術而否定「俗」的幫助使藝術美好，動作的產生多數是因為慾望，但無數的慾念只是代表粗魯俗氣？那可不盡然，飲食男女亦有其美感，只是人追求了形上之美，卻遺忘那是需要形下堆積的。

不完美之美 / 林筱倩

觀賞完<羅丹與卡蜜兒>之後，也曾經尋找關於羅丹的藝術創造以及生平。羅丹由於師承的問題，直至40歲才能算是真正的成名，之後接受政府的委託創作開啟了羅丹創作的黃金時期。羅丹算是一個全新的藝術創作者，他從米開朗基羅後期的作品得到些靈感─利用作品的不完美展現作品特殊得意義，羅丹在創作中，通常是軀幹，部分精雕細琢，部分卻讓它留於石塊之中。羅丹也常會利用文學的內容和象徵的手法表達作品的意念，但這樣的表達方式其實與當時20世紀講求純粹藝術的藝術家背道而馳。卡蜜兒經由老師的介紹認識羅丹，當年卡蜜兒十九歲，羅丹四十三歲，此後的十五年卡蜜兒成為羅丹第一位的女助手、情婦和模特兒。卡蜜兒其實早在認識羅丹前以小負盛名，卡蜜兒才華洋溢，美麗且獨立。在影片當中，曾經有一片段，卡蜜兒為獲得羅丹的認同自己，曾經雕刻一座弟弟腳的作品，當羅丹同意卡蜜兒成為羅丹的女助手後，羅丹於那隻腳上課上自己的名字。在卡蜜兒的時代裡，藝術界裡似乎常有類似的狀況，學生必須為老師創作，這樣的事情後來也導致卡蜜兒的失敗。當卡蜜兒發覺自己無法羅丹為一的愛，卡蜜兒選擇離開，初期她也曾經努力創作。卡蜜兒的離開，對於卡蜜兒來說，等同離開了社交界，不僅作品沒有買主，卡蜜兒的創作也常被批評為模仿羅丹作品或者羅丹在後捉刀的評論。其實卡蜜兒在積極創作得時期，作品風格也極力的尋求改變，創作風格與羅丹已經有明顯不同。卡蜜兒的作品展現肢體的柔美，與羅丹的作品相比，卡蜜兒的風格細膩充分展現女性的巧思，而羅丹的卻是粗獷。卡蜜兒以一個女性創作者在當時的藝術界努力，電影裡的卡蜜兒處於比較悲苦的一勢，沒有經濟來源，對羅丹的愛也由愛轉恨，不願意受到羅丹的幫助，最後使得她放棄藝術，後半生在被害妄想症中度過。電影裡，當後期卡蜜兒的弟弟成功但曾經被譽為擁有豐沛天賦的卡蜜兒卻失敗了，發瘋了，弟弟在卡蜜耳的作品發表會中說著姊姊作品與那個人多麼的不同，卡蜜兒在台下的附和，多麼令人感傷的畫面。羅丹於卡蜜兒，兩個藝術天才之間的故事，一個成功了，一個失敗了，對於卡蜜兒的失敗，我感到相當得惋惜。

另外是關於<談美>這本書中談到藝術與實際生活需要「有適當的距離」，這裡我同意作者的看法。舉出老師上課曾經說過的例子：一個裝了水的寶特瓶。什麼時候我們會覺得一個裝了水的寶特瓶好美？平常口渴的時候嗎？回收的時候嗎？在飲料櫃裡的時候嗎？都不是！但今天假使一個寶特瓶裝了一些水，被擺放在藝術中心的展示台上，每一個經過展示台前的人都得驚呼：「哇~好有藝術感，好美。」搞不好恰巧那是一個空的展示台，但昨天有一個小孩調皮的放了那個寶特瓶上去，無心插柳，卻讓今日經過的人都誤以為是某位大師之作。寶特瓶在我們口渴的時候或者回收的時候，它對我們的距離有種利益的關係，太近，使你感覺不到它的美感，若擺放在看台上，給你適當的距離，讓你擺脫寶特瓶對於生活的利益關係，我們才能從中領會出美的感受。再說一則，人家常說：「看不懂的就是藝術」，這句話雖不完全正確，但卻可以領略出某些道理出來。看不懂的，為什麼會看不懂？因為距離太過遙遠，我們無法體會做這想傳達給我們的意境，因此看不懂，不懂自然就不知道美不美，不知道美不美而畫是出於大師所做，因此才有了看不懂就是藝術這樣的說法。今天，我們一般人擁有相當程度的審美觀，對於美的領略程度，自然也不會差太多，別人覺得美的你可能也能欣賞，也會同時發出讚嘆。由上面兩個例子，我認為「適當的距離」非常重要的，這關鍵了你的感官，你的知覺，我們常常因為外物的某些部分而忽略某些部分，因為這樣，造成不同的時候，我們對美的感覺不同。

至善至美的境界 / 葉姿君

若說朱利亞二世是神性、掌權者的代表，那麼米開朗基羅代表的即是率性、藝術家的身分。米開朗基羅擁有藝術家桀驁不馴的叛逆因子，當與一心榮耀上帝、重視現世俗名的朱利亞二世共事，自然痛苦；但是追求完美藝術的本心仍然帶給他充實的心靈上的快樂。記憶很深刻米開朗基羅曾對他的前女友說過一句話：「世間男女的情愛是短暫的，只有藝術的美才是永恆。」就是這樣的信念，即使歷經理念不和的朱利亞二世的刁難甚至因戰亂經費見絀而一度停工的艱難都默默承受，並強忍身體病痛，一步一步完成希斯汀教堂的曠世壁畫。這令我想到雷諾瓦大師曾說過的一句話可以和米開朗基羅的理念相呼應：「痛苦會過去，美會留下。」在這兩幅壁畫中，身處文藝復興時期的米開朗基羅在《創世紀》這幅鉅作中已不再以神為唯一指標，多了富有人性的手法，也為後世畫家另闢蹊徑。至於《最後的審判》帶給我的震撼卻遠超過《創世紀》，浩大的畫作，扭曲的人類與歪斜的空間彷彿在破壞中世紀以來嚴謹的神學畫風，昭告著巴洛克隨性恣意風格的時代已經來臨了。若是仔細觀察，可以發現米開朗基羅賜與每個人多變化的表情，而不在是見著了耶穌恭敬肅穆般的無神，既是文藝復興人文主義的抬頭，更是理性、寫實主義的興起。

就我看來，我很認同朱光潛這句：「藝術活動是無所為而為的。」前幾天在圖書館好不容易借來《談美》這本書，約略的翻了前面幾章，我發現朱光潛所談的「美」幾乎全是自小處著眼，在他心中雄偉壯麗不一定是美的全部，數大也不一定就是美。只要能與內心深處相互契合，喚起了小小的共鳴，那就是美。朱光潛更曾在前言敘到，要是讀了這本《談美》後，當你在喫茶、望月、禪坐甚至發呆之時都能讓你心有戚戚焉，讓你有所感，那麼他的心願也就達到了。沒錯，正是先有「無所為」，然後的「而為」才更有意義。汲汲營營反倒是失去了那份「有所感」，怦然的悸動往往最珍貴。生命是如此，藝術也是如此，並不是為了流傳後世或是立足當代，拋開這些枷鎖，真正放鬆的去描、去繪、去畫，只為滿足情趣，只爲純潔崇尚精神，哪怕成品有人懂否，藝術是自己的事，開心就好，甚至也不必說「藝術」這麼沉重，「塗鴉」、「即興」…這些字眼不都可以，重要的是當下那份「無所為而為」的心情哪！越是自由、坦然，生命就個別的有了意義，而不是鑽營著共同的相似品，也就昇華到了至善至美的境界而不落俗。

拜占庭不僅在政治上對於東、西歐是個重要的標記，在文化上也是個重要的分水嶺，人文主義接替著神學繼續發展，甚至以東吸收亞洲文化，以西保有希臘羅馬的特色。然而這樣的文化融合卻沒有發生任何突兀，奇蹟似般相安無事的繼續繁榮了一千多年，不僅僅是在位者能力強大，也和富有內涵的文化相關。

放在當代近世來看，多元種族就有多元的文化，不同的文化自然有其排外基本心態，但是自人類有意識以來，戰爭無論是大是小，一直存在在人類史中，「和平」已漸漸成為人們內心依歸。只是，文化總是有其值得驕傲的地方存在，不是簡單說「敞開心胸接納外來文化」，就真能那麼輕易做到。缺的是時間、教育和耐心，一代一代的灌輸人人平等的概念，自然不會有種族歧視這問題發生，白人、黃人、黑人相處久了，自然不會覺得有什麼怪異。一代一代的教育各個文化的優美，學會以愉快的心對待不同文化，暴戾之氣不在，和平自然不遠。

看到全球衝突時有，不管是落後的國家如非洲、先進的國家如美國，更別提中亞小國間的頻繁暴動了。但是我相信人心是本善的，有時候只是因為大環境的落差，使得人們心裡不平衡，或是政治、外交的策略運用，這些都是不得已…除了希望在位者能不短視近利的為國家選出正確的路，也賴教育家琢磨下一代，世界大同的和平願望自然不遠。

美的追求.使生命意義開始豐富 / 謝冠華

在萬世千秋一片，主要是對於米開朗基羅於希斯汀禮拜堂所做的天蓬壁畫「創世紀」的創造過程為主的影片。在藝術創作的部分，如以今日之鼓勵自由多元、激發創作力的一種藝術創作背景來看，當時的藝術家可說是受到多方限制的。

第一，如片中所述，藝術家是我們今日對於當時的創作家的想法，但對當時代而言，所謂藝術家不過僅是工匠而已，並不如今日我們所推崇的地位，有許多時候必須要迎合雇主，也就是貴族或中產階級等，創作有時候更形同一種壓迫或是曲意逢迎。在本片中亦可看出米氏其實對繪畫並不感興趣，但由於教宗的要求，他便必須為希斯汀禮拜堂作後來舉世聞名的創世紀壁畫。

第二，不論當代藝術亦或是文藝復興時期，藝術的創作有時需要資金作為一種基礎，但創作本身的美與資源的豐富沒有直接關聯，好比在片中教宗為了興建聖保羅大教堂而有破產之虞，這可能是他沒有支付米氏應有報酬的一種可能性，但雖如此，米氏仍然堅持於創世紀的完成，雖然從片中可看出他對此頗有微詞。

雖然以上都是在藝術創作時米氏所遇之限制，但因這些限制，反而使得創世紀這樣的作品現世。耐人尋味的是，首先教宗對於米開朗基羅的要求，究竟是一種強迫的壓制，還是一種伯樂識千里馬的心態？本來從開始之時，對於教宗，令人有種上位者對於下位者予取予求的想法，米氏自己也表示他所擅長者在於雕刻，不在繪畫。教宗雖知此點，卻仍要求他在天蓬作畫，致使之後米氏對於壁畫興趣缺缺而逃出城，教宗更下令追捕，後米氏終於尋求到靈感又返城，而後又因創作壁畫而導致身體長期疲勞，終不堪倒下。當他病臥在床時，教宗仍然要求他將壁畫完成。在這一連串的事實下來，教宗看似是為自己的私益在要求米氏，但於其後他與梅迪奇家族的小姐談話之中，才發覺其實他是明白米氏有完成此事的才能，在他的想法之中，這可說是上帝賦予給米氏的使命。

從此看出有時藝術家在創作時，在他身旁的推手其實佔有相當重要的地位，如同千里馬為千里馬，是因伯樂。對於藝術家的才能加以賞識並使其發揮，這樣的人物對於藝術創作扮演了非常重要的角色，梅迪奇家族的小姐也扮演著開導米氏的角色，這些都對創世紀的現世具有居功厥偉的地位。

再者是米氏自己對藝術創作的堅持，從一開始的反抗到後來的不眠不休、不吃不喝，令人有所感觸，藝術家之所以為藝術家是因對美的堅持，更甚或是一種純粹的執著，一種與世隔絕、排除萬難的執著，這也是整個藝術創作中我認為最重要的一環，藝術家之所以比普世之人更接近美，就是因為這份無所畏懼的執著，是這樣的美流傳千古的最大原因。

那麼何謂美呢？在談美中，朱光潛先生認為所謂的美既不是一種實用的追求，亦不是一種科學的思考，而是一種形相的直覺，與實質用途無關。與實質的利害關係牽涉時，美就不再是美，故而這裡說俗，也是指在生活中我們所追求的物質上的需求，這是受環境影響而所致，而非我們心中想如此做。環境並沒有影響我們去做，此方為對於美的一種感受。確實在很多時候，美的追求對人類的生存沒有太大意義，這是一般人皆可理解的事實。但失去對於美的追求，人的生活所存在的，僅僅亦只剩下生活這件事，而失去對於生命的尋找。我認為人自出生於世開始，自然而然就會尋找存在的目的，為生活汲汲營營是存活於世具備的事實，並無否認之虞。但是除此之外，是否有什麼是在生命終結前值得尋找的，我認為這也是一種生存的目的，這樣的一種追尋就近似於對美的追尋了。科學家追求自然的真理，文學家追求詩詞文義中情感的呈現與生活經驗交織的完美，然後再把這份尋求到的美，以各種方式保留下來，人雖然會腐朽死亡，但對於美的追求、美的保存最後成為一種對於永恆的尋求，一個未盡百年的生命因此而流傳千古，這應該也是對於原始的生存目的中人所漸漸演變出來的一種生命的意義，是我們對於生存於世，主觀上可任意由我們自己決定賦予給自己的定義。在這之中，我們找尋到了實質意義的自由，並非外在的限制或是利益的追求，只是因為想，所以有如此行為的存在，故而活動越自由，生命之意義亦隨之豐富。

美的追求，使得人類的生命意義開始豐富，文化的胎動便因此而生，不久便萌生枝椏，開枝散葉，如無數星辰在蒼穹下閃爍。在存於世上的無數文明中，拜占庭文化可說是一顆璀璨的寶石，從中映出的複數光芒，絢爛了中古世紀的黑夜。從拜占庭文化中可看到許多回教世界的色彩，例如伊斯蘭教的幾何圖形和在建築上常有的新月形以及圓拱型的造型。拜占庭由於是在歐洲中部和北部的緩衝區，吸收了伊斯蘭文化的精髓，所以處處可見伊斯蘭教的色彩。此與拜占庭帝國本身的歷史背景和地理環境自然有很大的關係。在現代這樣的國際化時代，其實隨處可見其他國家文化的融合，好比台灣因為經過荷蘭、西班牙殖民，又經過日據時期，再加上台灣多是中國漳、泉之移民，故而在台灣就可見多種文化的衝突與融合。從以上兩個例子都可以看出，國家的地理位置是否介於一個文化的過渡區，會是多種文化融合的主因，台灣因為海島位置再加上殖民期的歷史背景，故而亦造就多元之文化，日本亦是如此，其平安時期仿唐之街道、服裝，明治時期則承襲歐美文化。從以上之例以及拜占庭文化，都可以看出一個文化能夠淵遠流長是因為它能有容納其他文化的度量，如拜占庭就是很好的例子，吸收外國文化而沒有排斥任一文化，故其能存續百年以上，倘若故步自封，孤立自己的文化，文化缺乏新的刺激，最後也會老去，甚至死亡。吸收他人的文化兼容並蓄才能使一個文化成長而興久不衰，人不能獨立自己之心靈而不存與他人之交流，文化亦是如此，在不同的文化中相互交流，文化本身也因此獲得了一種新生，故能不朽而完整。

打開你的抽屜 / 張愔媃

請打開你的抽屜，並帶著二十一世紀的審美觀，乘著時間機穿過時間長廊，和十九世紀的羅丹及巴洛克風格撞擊出新的火花。

觀賞過《羅丹與卡蜜兒》後，從羅丹及卡蜜兒對藝術的態度，重新品嚐對藝術的滋味，突破以往單就雕刻品的外在形象所傳達的感官經驗，而能更進一步去體會雕刻者投注於其作品的情感和故事。

影片中有幾幕帶來深刻的印象，羅丹在設計〈地獄門〉時，因為卡蜜兒的一個小動作而靈感乍現，讓我認識到藝術家的作品何以可貴，何以流傳後事而仍能被歌頌、欣賞，因為藝術家別於常人的敏銳觀察力和感受力，所以能夠捕捉到瞬間的感動，而鑄造了永恆。還有，卡蜜兒的努力不懈，拋開女性身分的包袱，堅持自己的夢想勇往直前。我想，藝術家除了天份，也還需要一些不服輸，帶著一股我就是要創作的傻勁吧！而卡蜜兒在歷經感情的甜蜜及創傷時期，一度暫停了創作，但在迷失自我的這期間，終究回到雕刻這一條路來，在雕刻裡重拾自我。很多的挫折困難，也只有回到自己，不逃避、正視它、面對它，和自己對話後，繼續與自我和平相處。

認識羅丹，認識對美的感受，用手、用臉，用最敏感的肌膚，傳達溫度到創作裡，賦予它生命，這份視如己出的珍惜也同時傳遞到觀賞者的心裡。美是主觀的，美是視覺的，雖說美並非客觀的感受，但是美的感受必定要有心靈的交流，用心去感受。就像不同的三人來看古松，商人重視的是商業利益，植物學家重視的是根莖葉等生物現象，而畫家重視的可能是空間，松的姿態。一樣的一株古松，卻有截然不同的感受，都是取決於觀看者的心境、立場和態度。莊子：「無用之大用。」事物的本身就是最美的存在，不需要外在的定義。其實一切事物都無關美醜好壞，這些都是人的主觀意識用語言所建構而來。所以要體會美，就要先打破主觀、先入為主的成見，需要一些客觀的態度去感受別於講求現實應用社會的的美，暫時將自己抽離，再用心去碰撞和作者的頻率。距離的美感，藉由距離所形成的時空，跳脫出平時的成見去欣賞萬事萬物的美，就如同文學創作一般，古詩、現代詩的隱晦、暗喻，不在字面上說清楚講明白，而以它物觸類旁通，都是要為藝術創作帶來一些距離。在幾分客觀下，因某些相同的時空背景，與作品產生了連結與感動。所以距離是要有的，卻不能天馬行空、天外飛來一筆，畢竟藝術和現實是一體兩面，在現實生活裡，藝術幫我們找了一個出口。

十九世紀的壓軸，華麗的舞台戲劇性－巴洛克風格，巴洛克給人的印象莫過華麗、誇張和戲劇性的舞台效果。藉由畫作和雕刻品的介紹，而有更具體的感受。大衛的雕刻作品，扭動的身軀，姿態多變，都不同於早期羅馬式的創作。這個時期對於光的捕捉，運用的更加廣泛，用人造光塑造出舞台感和生動的戲劇效果，例如林布蘭〈夜巡〉，將光源聚焦在夜巡者的臉上，整幅畫作更顯深刻。另外，巴洛克亦強調律動感和華麗的裝飾，貝尼尼的雕刻更令人讚嘆，衣服的皺褶處理，彷彿風一吹又是另一種面貌，而其造型也多呈現螺旋型的設計。巴洛克時期的創作，華麗的舞台效果在視覺上的確是一大享受，卻也因此遭人詬病，其誇大有餘而內涵不足，但我想在此時代氛圍下，藝術風格的突破仍是不可抹滅的。

奇妙的旅程 / 魏兆廷

有天份的藝術雕刻家卡蜜兒，在遇到羅丹之前，作品雖然比一般雕刻家來的美，卻仍少了點深刻的情感，是比較清新、青澀的感覺，也是比較、正常一點，所謂「正常」，是以一般大眾較能接受、較為社會化的觀點去看待，此時卡蜜兒的精神狀態與生活狀況是與一般人無異，只是因為知道自己比一般人多了些天賦，使他較為驕傲些，在羅丹剛遇到她，視她為難得的璞玉，要培育她時，她的傲氣就顯露出來；在經過一段時間之後，他們相愛，卡蜜兒的內心情感釋放，也表現在她的作品之中，雕像的線條、姿態，都展現出她深刻的情感，當然在技巧的應用上也成熟許多，佛洛伊德的「性慾論」雖然有些誇張，但似乎也是可以從片中的情感表達得到一些印證，卡蜜兒不僅和羅丹有肉體上的情感宣洩，也投射在她的雕塑之中；另一項轉變，是在發現她所深愛的男人，並不如她所想的那樣愛她時，那種絕望，從天堂跌落地獄的落差，令我印象很深的畫面是她在用黏土塑形，發洩情緒的激烈，那樣的讓人痛心，她把她的心境，都表現在她的雕塑上，每一件雕塑都有她低迷、悲愴的情緒，使她的作品曲高和寡，雖是意境深遠的偉大作品，卻無法被大眾欣賞、接受，最後只能在精神病院渡過一生，也許這就是天才型藝術家的悲哀吧，太過於敏感、纖細的情感，雖使他們的作品有著濃郁的情感和生命力，卻讓他們本身很難去承受這樣強烈的情緒變化而導致崩潰，而他們太過於前衛的想法與創作，很難被當時的大眾所接受，往往是過了幾個世代之後，才被社會所推崇。

視覺是個奇妙的旅程，它讓我們看清這個世界，卻又讓我們看不清很多事情，譬如說，當我們看一支筆，看到的可能是它是藍色、它的筆管是長的、是透明的，上面有標籤、有刻字……等等，我們看的很仔細、很清楚，但那都是具像的「樣貌」，而看不清它的「美」，因為它太平常，以致於雖然常常用到它，常常看到它，卻不曾去欣賞它，這就是距離太近了，看得太「清楚」了，太了解了，所以當我們想要欣賞一件藝術品時，往往是要「看不清」，拋開它的實用性，拋開一些既定的形象，把距離拉遠一點，把眼睛睜小一點，才看得到它的美，譬如說看一幅肖像畫，如果看得很仔細，也許會看出人物奇怪的比例、不符合人體工學的姿勢等等，這樣看一幅畫，就一點都不美，更不用說看畢卡索的抽象畫了，這時我們就得拋開我們平常所看慣的角度，以另一個角度去欣賞整個畫面的美。

藝術創作的感想 / 蔡宜芳

對於藝術創作，在觀賞過＜羅丹與卡蜜兒＞後，我對他有更深入的體認。在影片中，我看見卡蜜兒對藝術的執著，無論家人的反對及當時輿論的壓力，他不顧依竊追求心目中的理想－創作出一件件感動又備具震撼力的作品，並與羅丹齊力並進，追求超越自己的最大成就。然而，這卻帶來卡蜜兒來年的不順遂。藝術家，意或是雕刻家太過執著於自己的創作，太過堅持自己的想法，幾乎不能聽見別人的意見或評論，往往造成藝術家ㄧ生的悲哀。大多藝術加總是在世時默默無名，窮途潦倒，落得無家可住，無東西可食的下場。因為他們太過沉浸在藝術的殿堂裡，不過也因為他們的執著與努力，使我們在後來能欣賞不可ㄧ世的曠世鉅作。如果卡蜜兒能夠當時接受別人的援助，或許現在的鉅作能夠多了好幾件。羅丹因為設想周到，使當時他在世時就已成名，這對藝術家來說或許是ㄧ項值得驕傲的肯定吧！每個藝術家創作的目的都不同，我們無法評判這是好是壞，只能看出這些人的執著與熱情。天份需要被挖掘，很慶幸，羅丹和卡蜜兒沒有辜負和埋沒自己的才華，可惜的是，他們無法發揮自己最大的才能來發表作品公諸於世。

我對藝術有更多不同的視野及感受。對於「距離」，對藝術來說，有存在的必要性。如果對於ㄧ件事物產生太過貼近的關係，我想，那不會產生美感。舉例來說，如果偶爾去山上運動，我們可以看見美麗的森林，濛濛的薄霧，及舒適的溫度環境，對這一切來說，都很美好。然而，對山上的居民來說，山路的難行，潮濕的霧氣，還有不便利的交通，都與他們的生活環環相扣。整天都在美麗的森林裡，久而久之，美麗也不再美麗。由此可知，在不同的距離下體會或欣賞同一件事物會產生不同的美感。再舉＜談美＞一文中為例－＂對古松的態度＂，對一個登山者，他可以欣賞古松的絕美姿態；對一個伐木業者，他無法忍受古松的年老及崎嶇。因為對不同角色，一件事物產生不同的美感及功能。由此可知，距離是一項很重要的因素來看待作品或藝術。「藝術都是主觀的，都是作者感情的流露，但是一定要經過幾分客觀化……」我贊同這個觀點，因為如果所有的人的作品都稱為曠世鉅作，那他們有什麼不同的地方？當我們看待所有的人、事、物，都是因為一時的「衝動」而認定他的美與否。如果往後再回首過去，我們對那幅作品、那項藝術不一定會有ㄧ樣的看法。所以，一件作品一項藝術的成就不僅需要作者的主觀型態，也要添入幾分其他的客觀因素。

在巴洛克時代，我覺得那是一段充滿著光與熱的珍珠和寶石的一段黃金歲月。這一類藝術風格多半用光和熱交織完成，內容多半和皇室貴族有關，這是因為和當時的歐洲帝國有關。當時的皇室貴族喜愛繁華富麗、冠冕堂皇的景象，於是藝術家便也開始朝向這種風格發展－無窮、對比。例如著名藝術家－卡拉瓦喬，以「燃燒光感」為著名，他多半描繪貴族的富麗、奢侈的生活，而且著重重點式的光感，將光原著重在ㄧ重點位置。相較於卡拉瓦喬，魯本斯著重多元光感，每位角色在畫中都發光發亮，似乎都佔據著各個重要的角色。其內容以中產階級為主斯乎在位中產階級的弱勢發聲，也呼應了巴洛克時期的誇張、透視、無窮、不安及強烈對比。巴洛克藝術造就了不可小看的豐富性和塑造性，使我更了解及驚奇巴洛克風格的成就。

發酸的酒就該潑掉 / 孫一萱

在義大利旅遊的朋友寄來了一張希斯汀教堂的天棚畫明信片，那時，正是我為《萬世千秋》撼動不已之時，蜷曲的體態、滿身的顏料、不修邊幅的臉龐，卻充滿藝術家野性的奔放和剛毅的耿直，天真所以堅持，堅持「發酸的酒就該潑掉」；堅持人物充滿〝動〞力的扭曲體態塑造成的美麗姿態；堅持人物充滿線條的肌肉和男性臉龐，即使人物本身是個女性；堅持藝術家的構想應該得到應有的尊重，於是也親眼目睹了藝術家不再只是工匠的地位提升；他的堅持創造了得以流傳萬世千秋的動與美，而他的成就，使的藝術家只是工匠的說法成了過時的笑話。

這樣一個在採石場出生成長的小夥子，我們不難想像他驕傲的揚起下巴，在破舊的皮衣下容光煥發的說：「我是雕刻家，不是畫家。」，而他的雕刻作品也毫不掩飾的向世人透露出神所賦予的才華，而在晚年，例如《卸下聖體》，作品中粗括的輪廓，更顯出藝術家精神與思想步入更成熟的人生境界。然而，在看完希斯汀大教堂的天棚後，人們當然相信他是一個雕刻家之餘，也會同時毫無疑問的接受他是一個傑出的畫家。

朱光潛在《談美》一書中曾提及:「人的實用的活動全是有所為，是受環境需要限制的；人的美感的活動全是無所為而為，是環境不需要他活動而他自己願意去活動的。在有所為而為的活動中，人是環境需要的奴隸；在無所為而為的活動中，人是自己心靈的主宰。」我認為，米開朗基羅理當是無所為而為的創作家，他是自己心靈的主宰，於是他當然可以不理睬主教要求畫十二使徒的使命，於是他在經濟拮据之際，仍舊不顧一切的完成心中所欲達成的創作。相反的，如果米開朗基羅只在乎他的未來和現實，那麼他的作品必當無法超脫世俗，而頂多只能是當時的流行品，而非在幾千幾百年的日後，仍能與觀者溝通共鳴的作品。實用相對於美感，一屬現實層面，一屬精神層面，精神層面的脫俗，在於創作者所為之藝術出自心境澄澈、沒有成見，而以當下自身的境遇、直覺、感受並創作藝術，這樣的藝術，不為時空所限，不受他人觀點所限，是最自由的作品，也可說是個人化的作品，理所當然的免俗，也才有萬世千秋的可能。

米開朗基羅所綻放的璀璨光芒，除了其本身所洋溢無邊無際的才華之外，他所處的文藝復興時代也擁有了培育優秀藝術家的絕佳條件。當然一方面指的是藝術家的自主性變高，地位變高，另一方面則是指他的時代背景中，各城市創造自己多元且獨特的藝術風格並擴及其城市外的影響力。所以，時代背景無疑可以決定藝術家的綻放與否，而時代背景理所當然的包括了文化、傳統、宗教、習俗等。

文化之間隨著人群的接觸理所當然的互相融合且從未有止息的現象，他無聲無息，潛移默化，戰爭止不住他，民族意識也無法阻止他低調的滲入，當人們發現他的時候，他已經在藝術上、宗教上、社會習慣上表現自然的如同一如往昔。雖然在融合前的戰爭偶有發生，但卻也常因此而激盪出更令人激賞的火花，例如伊斯蘭文化與拜占庭文化就是很好的ㄧ例。拜占庭文化一度明確的排斥伊斯蘭文化，但在無數的衝擊與接觸後，伊斯蘭文化毫不扭捏的表現在拜占庭文化的四方柱上、文字抽象化上、圓拱上、馬賽克瓷磚上，意即伊斯蘭文化相當程度的豐富了拜占庭文化。當拜占庭文化排除了鎖國的解放，滲透下的文化創造，反而成為本身文化的特點，獨樹一幟的在藝術史上綻放光芒，並且影響了斯拉夫民族。

文化的融合，繫於民族間的關係之上，例如，美國是個典型的文化拼盤，他將各種族民族界線分明的拼湊在一個大盤子上，彼此間仍獨立的保有自己的文化傳統個體。我認為原因在於大美國主義心態下的驕傲與文化上的過分分歧作祟，因為美國強大，使其對於尊重〝文明〞落後卻帶著充沛豐富傳統的文化成了一種障礙；而其文化上的過分分歧，在於各文化凝聚力強。然而，從拜占庭文化與伊斯蘭文化的例子，我們可以看出，多元文化的衝突也許可以將各民族導向文化的融合。但其前提是在一個各文化之間平等的狀態之下，因為衝突的點也許歧異，但卻沒有主觀上的質量差別。有一個很好的例子即是哥德時代的國際風格畫，在整個大拉丁歐洲平等的版塊上，藝術家們可以自由進入其他國家。因為沒有文化上的歧見，沒有地位上的不平等，使的文化之間可以互相交流，而有國際風格的產生。

是故，衝突固然有造成文化融合的可能，也可能創造令人感到悲壯悲苦的美。然而，在這個時代我們較所期待的應以國際風格畫派之樂觀流動為宜。當然，也以此期待美國與我們自身的包容與心靈。

畢卡索在想什麼 / 葉玫麟

首先我必須承認我對於畢卡索的作品，真的只能說是一知半解。我對於畢卡索的了解在歷史的方面是比在藝術的方面是較有把握的。有些藝術家的作品對我而言，是我比較容易找到和他的共鳴點，而有些藝術家則較不易，畢卡索對我而言顯然是後者，不過這可能也是源於我對於他的藝術理論不夠深入的了解。對於畢卡索年輕時期的作品我較容易理解，但是對於後期的作品則是讓我感到比較吃力和困惑的部分。我看著畢卡索的作品，尤其是後期他開始往「解析」的方向發展的那部份作品時，我總是不斷的問著自己，「畢卡索在想什麼？」「畢卡索想要表達些什麼？」大家較為熟知的作品多半是畢卡索後期的作品，我看著這些作品，我感覺到畫面是靜止的，但是卻也感覺到畫面是吵鬧的、是混亂的。但是我看到一些對於這類作品的評論，卻都是「穩定的」則是我較無法體會的部份。

當然，看畢卡索的作品雖然有點挫折，但是卻不可說不有趣。畢竟在沒有得到解答前，自己的答案則都是備選答案之一。不過我的樂趣還是在研究那些為什麼他要把鼻子放這裡不放那裡，為什麼要放側面不放正面之類的這些議題上面。此外，我對於畢卡索比較感到興趣的部份，則是他的心態，畢竟畢卡索的地位無庸置疑，但是他為甚麼會這樣做，為什麼想這樣做，是從哪個念頭開始了他在風格上的改變或是嘗試，都是我比較好奇的一些層面。

卡蜜兒和法蘭西絲這兩位女主角其實在某些方面是相似的，例如他們的藝術才華或者是他們對於羅丹和畢卡索在創作靈感上的啟發都有一定程度的相似，我個人認為真正決定了她們的命運的其實是她們的個性。

個性的不同造成了兩位女主角不同的結局，或許談的廣泛一點可以從他們家庭方面開始談起。卡蜜兒是被家裡所期待的，在她得到家裡支持的同時卻也是有壓力的，或許她感覺到她是「必須」成功的，她的作品是「必須」要出眾的。我認為法蘭西絲則沒有在這方面的壓力，她的家庭裡存在著正反兩方的力量，她祖母對她的支持至少在片中沒有明顯的表達出來是在創作上，反而比較像是單純支持她想要的。不過在這個方面純屬於推論的成分較多，畢竟在片中能獲得這方面的資料也較少。

卡蜜兒的個性在我看來，其實是比較激烈的、比較獨占的。這除了表現在她和羅丹的感情問題上，同時也表現在她的作品中。卡蜜兒在前期的作品，總是比較穩定安靜的、甚至有些部份而言是祥和的，但是到了後期的作品，她無法忍受羅丹對於他們之間的關係的不承認，也無法忍受作為羅丹的女人之一，她的作品開始出現了掙扎，動作的掙扎和表情的掙扎，反映出了她內心所想要表達的不滿。卡蜜兒情緒激烈，她可以激烈的和羅丹爭吵，也可以把自己的作品全部打碎，甚至是不顧一切的。其實她內心的不安是很重的。

至於法蘭西絲，在片中對於她在藝術上的著墨並不多，但是從能夠略窺中的創作上看不太到像是卡蜜兒那種激烈的情緒表現。她不問名分的和畢卡索同住，雖然在畢卡索有新歡後法蘭西絲也表達她的不滿，但是她最後的選擇不是如同卡蜜兒般激烈的爭吵，反而是離開。在片中的最後雖然她回來了但是從髮型和神情上都可以看出，法蘭西絲或許是下定決心要接受一切，或許是下定決心要放掉一切，她是平靜而甚至有點淘氣的。相較於卡蜜兒我覺得法蘭西絲在情感的控制上較為冷靜而且理性，也或許導致了她們有不同結局的原因。

卡蜜兒和法蘭西絲的相似之處則是她們在作品的風格上相似於羅丹及畢卡索，相似的原因或者是因為彼此是情侶關係，在某些程度上總是會有一定的共通點，但是卡蜜兒和法蘭西絲對於這些相似之處的態度也是不相同的。前面提過，我認為卡蜜兒個性較為激烈，於是當旁人提到她和羅丹在作品上的相似的這件事情上，在她和羅丹感情穩定時她或許是在意的，但是卻沒看出她把這種情緒發洩在別的地方而是在作品上尋求一些突破，以證明她和羅丹的不同。只是到了卡蜜兒對羅丹開始由愛生恨的情緒後，可以看到她是如何激烈的在言語行為上、作品上去強調她的不滿，使她的作品中充滿了情緒。在電影中羅丹想要盡力的把卡蜜兒推往更多人的面前，但是卡蜜兒除了不信任羅丹之外並把一切的不滿歸咎於羅丹，導致她最後陷在自己的世界中痛苦。而法蘭西絲則似乎沒有那麼大的反應，即使畢卡索也當著她的面對她說如果她離開了畢卡索則什麼都不是，感覺上法蘭西絲倒是比較像是接受了這件事情的感覺，她還是繼續她的創作而看不出有什麼比較大的改變。我相信關於風格雷同或者是像是卡蜜兒所耿耿於懷的「抄襲」這類的事情，身為藝術家不會不在意的，但是在這兩個人的身上卻有著不同的反映和結果。

至於卡蜜兒和法蘭西絲對於羅丹和畢卡索的重要性，除了兩片中都有提到同樣是靈感的來源之外，同時也扮演了伴侶的角色。但是我不知道是不是因為拍攝手法的關係，我一直覺得她們的重要性好像有點不太相同。在另外找到的資料上顯示畢卡索的作品風格的多變是因為他的境遇和身旁的人的不同而造成的影響，可以看出法蘭西絲或許是畢卡索的風格之一，但是影片卻顯得那個「之一」的部份有點不重要，或許這和畢卡索的愛情觀有關，對於他而言法蘭西絲真的只能是他的一部份曾經。此外我一直覺得卡蜜兒對羅丹而言似乎比較重要，但是大概就是因為沒辦法讓卡蜜兒成為獨一無二才會導致之後的悲劇吧。

最後算是比較額外想要提到的部份，是和電影有關的部份。其實在看了兩部電影，他們在拍攝手法和著重的部份上有著很大的不同，我覺得這也是會對我們的評論有著些許的影響。《忘情畢卡索》（《狂愛走一回》）在片中把畢卡索拍的很像是個專制又霸道的色老頭，或許這句評論是超過了點，我相信他本人應該也不只是如此（意指畢卡索當然不可能只是個霸道的色老頭，當然同時也是個傑出的藝術家），不過這部片的拍攝方式比較難讓人去了解他關於藝術方面的部份，當然也使法蘭西絲藝術上的部份連帶的讓人比較缺乏認知，不過這部片的分類似乎本來就是愛情片而不是紀錄片。相較之下，《羅丹與卡蜜兒》的方式則比較容易讓人了解到藝術家的創作心境和境遇上的關連性，也較容易產生想法和共鳴。不過要了解藝術家當然不能只有光看電影而已，況且藝術這種東西，其實是很主觀的。

劃破黑夜的曙光 / 楊雅雯

我覺得印象最深刻的部分就是葛里葉和維梅爾兩個人在分享對於美學的感受，例如維梅爾問葛里葉雲是什麼顏色，葛里葉就回答了三種顏色，這樣的心靈的契合，是讓人覺得感動而優美的。 此外，相對於兩人的心靈相通，肉販的兒子彼特跟葛里葉的感情，就比較像是相知相惜，而且依照當時的社會來說，他們兩人的階級與生活背景是比較接近的，所以彼特代表的也是一種安定的生活。其實，維梅爾長期以來是孤獨的，雖然他已有了妻子和看似幸福的家庭，但是對於藝術的層面來說，沒有一個人可以跟他分享與討論藝術的美，所以葛里葉的出現感覺就像是一道劃破黑夜的曙光，帶給維梅爾新的生命跟不同的體驗。而我最有興趣的是女主角葛里葉的內心，她對於感情究竟是怎麼處理的，又是以什麼樣的心情去面對。我覺得她在還沒有遇到維梅爾之前，其實是喜歡彼特還有他那種安全感的，但是在遇到維梅爾之後，因為天生敏銳的藝術氣息，葛里葉開始跟維梅爾互相了解彼此的內心世界，而兩個人也愈來愈被彼此吸引，但是礙於兩人的階級地位相差太懸殊，而且維梅爾又是有家室的人，所以葛里葉才不得不選擇離開。造成兩人分開的原因，維梅爾的妻子、富商以及維梅爾的岳母都扮演著重大的角色，妻子的忌妒與痛苦，富商的醜陋與貪心，還有岳母的背叛與勢利，都造成最後的悲劇發生。劇中還有一個高潮，那就是維梅爾叫葛里葉去穿耳洞並讓她戴上珍珠耳環的時候，這都代表著葛里葉在維梅爾的心中已經超越了他的妻子，雖然最後他們兩人還是沒能在一起，不過維梅爾所留下來的畫就彷彿告訴著我們，他們曾經有過一段美麗的愛情。

在認識巴洛克時期的兩位大師後，我覺得維梅爾是一個很少為藝術市場而畫畫的人，可能是因為大部分的作品均是為特別欣賞他畫作的主顧而作的，所以他的作品數量並不多。他的作品大多是跟家庭生活有關，而且他似乎對女子情有獨鍾，常常畫中只有一、兩個女性在做家務、演奏樂器、寫字或是看信，感覺相當的樸實寧靜。而畫中人物的動作和表情，不論是貴婦人或是女僕，我都感受到她們都流露出自然的思想和心情，表現出一種溫柔婉約的氣質，令人覺得很舒服。而「戴珍珠耳環的少女」，就像是個謎一樣，深色的背景反而突顯了少女明亮的形象，她把頭微微傾向一邊好像在思考什麼，嘴唇微張，眼神凝視前方，好像她想要跟我說什麼，有種下一秒她會從畫中跳出來的感覺。另外，我覺得維梅爾的作品中，光影效果很自然也很漂亮，利用色彩的調和，表現出柔和且寧靜的氣氛，每幅畫總是給人安祥的感覺。

我對林布蘭的感覺就是一個很愛畫自畫像的人。在林布蘭那個時代，大概沒有一位畫家像他那樣繪製了如此多量的自畫像，而他畫自畫像的動機，是由於對人性本質所產生的強烈興趣而產生的，就像是我們一般人也會想要更認識我們自己。他的自畫像中，有近百幅不同質材，忠實地描繪了各個時期中不同的心路歷程。此外，林布蘭的阿姆斯特丹風格初期與成熟期的分界作品就是赫赫有名的「夜警」，畫中的兩位主角，醒目的就像是被舞臺的燈光照射到一樣，加上他們跨大步邁向觀眾的動態效果，使得其色彩融合的很協調，並帶有閃爍的黃金色調，總之整個畫面的色彩變的更豐富，也更有戲劇效果，就像演員真的在我面前表演一樣。

紫荊藝術聯展/5月27日(星期二)開幕茶會

國立中正大學在教育部獎勵大學教學卓越經費贊助之下，舉辦了「2008紫荊師生藝術聯展」，這是本校創校以來首屆聯展的一場藝術宴饗，由通識教育中心及圖書館承辦。本聯展共分為數個主題展區，包括「陶裡掏趣」、「書中有畫，畫中有書」、「花之幻影、繽紛相遇」以及「浮光掠影、數位影像」，作品含蓋陶藝、雕塑、插花、國畫、書法、水彩、油畫、版晝以及數位攝影等類。本聯展謹訂於5月27日(星期二)下午四時於圖書館門口前舉辦開幕茶會，歡迎您共襄盛舉。

展出日期：5月27日至6月5日

展出地點：圖書館二、三樓

開幕茶會：5月27日(星期二)

茶會地點：圖書館大門口外
茶會流程：
15:50~16:00 來賓入場
16:00~16:10 主辦單位致詞
16:10~16:20 來賓致詞
16:20~16:30 頒贈感謝狀
16:30~16:40 合影紀念
16:40~ 茶會開始

瞬間也是永恆 / 蘇郁芬

或許加上了這學期修習的「日劇研究」的啟發，讓我深感欣賞影片並非只是單純的視聽娛樂，它是一種藝術作品，導演留下了許多線索等待著觀眾解開謎題。而在《戴珍珠耳環的少女》片中，我們隨著導演巧妙的鋪排中來到了17世紀的荷蘭，而維梅爾的繪畫技巧、創作泉源、生活條件等等給了我不少意外的衝擊，最初的鏡頭整齊排列了不同顏色的蔬菜，在光線的投射下彷彿也增添了些許安寧純淨。

相較於一般的影片，這種從畫作中勾勒出的樸實感與如夢似幻的寧靜氛圍，可知維梅爾的魅力之大，如果不是深受畫作的吸引，又怎麼會有人為此創作小說，繼而拍成電影？這裡的畫室似乎沾染上神秘的氣息，即使是多麼生活化、不起眼的器具，在光與影的包圍下，瞬間也是永恆。好像不管是什麼性格的人，到了維梅爾的筆下，少了世俗的喧囂，多了內斂昇華的情緒，有時候寧靜是為了聽見更多美好，每每欣賞維梅爾的作品，總讓我不禁屏氣凝神，深怕驚動了畫中的人物，這是以往未曾有過的經驗。

很難想像當時調配顏料是如此繁瑣，相較於現代，我們真的幸福多了，但也或許因此少了對色彩的敏銳度，看著礦石閃耀的光芒，或許就是顏料之珍貴，讓維梅爾在運用中更顯得謹慎。很難想像完成一幅畫需要如此費工的堆疊，雖然有暗箱的輔助，但我想是很傷眼力吧！卻也可以感受到維梅爾的執著、細膩與專注。

比起一開始就大鳴大放的藝術家，我覺得只有經歷過貧窮的磨練，在麵包與創作中掙扎的人，作品來得更有韻味，情感描繪也更為深刻，那種將精神完全奉獻給藝術，對世俗的不公平與現實融入畫中，是我做不到卻深感佩服的，雖然如此投入，卻得不到應有的報酬，一如往常不改其風格，想必心中的煎熬之大，面對眾多的兒女，接受岳母的救濟，或許早逝對他而言也是另一種層面的解脫。

雖然「女性」一直是畫家著墨的題材，但維梅爾筆下的女性深深吸引著我，不需姣好的容貌、青春洋溢的軀體、刻意展露的嬌媚，很多時候五官被簡化了，讓我們將焦點從外形轉移到整體畫面，專屬於女性的氣質如涓涓細流傳到了心田，焦躁不安的心在畫前被撫平了，畫中的女性沒有甜美的微笑，也沒有懾魂的誘惑，即使是年華將盡的女僕，也能擁有美感，或許這就是「認真的女人最美」的最佳代言吧！

在上學期匆匆瀏覽華麗巴洛克，並不是很了解林布蘭的重要性，只記得他曾畫過自己色衰年老的自畫像，但印象最深的反而是維拉斯奎茲的《侍女》，因為畢卡索曾給予另種詮釋。這次令我印象深刻的，反而是他的群像畫《杜爾博士的解剖學課》和《夜巡》（The Nightwatch），印象中的群像畫感覺就像呆板的畢業團體照，很難想像可以用如此另類的方式呈現，除了老師的畫面較完整，學生則是皺眉，或是伸長脖子聆聽，似乎還有放空的學生，雖然屍體一般給人的感覺不是很好，但林布蘭卻將畫面活潑化，一掃群體畫嚴肅莊重的陰影。

而《夜巡》更是像極了舞臺劇，充滿了巴洛克戲劇性、動態的效果，似乎可以感受到歡迎的鼓聲，兩旁的護衛清出空間讓兩位主角行走，似乎可以聽到旁人的交頭私語。或許正如夜巡所名，林布蘭習慣將人物置身於黑暗的夜晚，而人們的五官成了光源的集散地，黑色給人的感覺通常是重的、藏污納垢的，但林布蘭讓黑色多了些輕鬆、驚喜的感覺，誰說黑色只能給人神秘肅穆的感覺，只要善用光影，黑色反而是最佳的背景之選！也難怪後人也為此拍攝了《夜巡林布蘭》的電影，即使是一幅畫，也能讓人無限徜徉幻想。相較於維梅爾，林布蘭似乎幸福多了，曾經意氣風發，名利雙收，但最後卻因為顧客喜好改變掉入了貧窮之中。或許誠如拉婓爾所言，藝術家就像妓女，當你無法取悅顧客時，空有一番好手藝，也只能與貧困相伴。

審美觀 / 張逸翔

多元文化間的衝突，若能導致新藝術的誕生，那麼將是令人感到高興的一件事。但若因此導致藝術作品的死亡，則令人惋惜。談到當今國際文化間的交流，我以為不是全部吸收便是全盤排斥，而這兩者又都是毫無理由的。似乎在這兩個極端之間，就沒有什麼中庸部份。推究如此的原因，其實是非常簡單的。

人無法擺脫自己的經驗文化社會等等去欣賞一個事物。說一個人必定在某個觀點的侷限下欣賞事物，還不如說若是因為人沒有這些觀點也就沒有審美的觀念。而這些觀點又是怎麼形成的？這些觀點就是從我們平時所接觸的環境，我們的歷史文化所有我們能體驗到的種種。而我們為甚麼又會去接受這樣的環境？這卻也是因為我們的觀點所致。

亦即是說，今天我處在一個文化下，我所認為美的事物就是這文化所認為美的事物。而假若我想去追求一些事物，我也會去追求這文化所認為美的東西。比如閱讀推理小說，看慣日系推理小說的人覺得日系推理小說好看的人，那麼以後當他有機會選擇想看的書時，他想選擇好看的書時，他也就很可能選擇日系推理小說。所以以後尋求美的作品，都只會去從這方面尋找。而一旦一個人若總是如此，那麼以他習慣了日系推理小說的觀點，以這個審美觀，他就很難不受影響的去欣賞其他類型的作品。因為他只以為日系推理小說的美，他在看其他作品時的審美觀已受到扭曲。

雖說從一個觀點下得到的是美，但若是能從許多觀點去欣賞，那麼你能體會到很多的美。甚至你原本以為不屑的作品，或許就在某個觀點下你會覺得美好。那麼要如何避免自己的觀點受到侷限呢？簡單也直接，就是有耐心的去欣賞其他觀點下的美。或許一開始你會感到厭煩，那是因為你還無法接受這觀點所帶給你的美，但假若你繼續耐心的欣賞下去，你也能培養在這方面的美感，久之，也就能以另一個觀點來欣賞作品的美了。

盛開的玫瑰 / 高淑雅

畢卡索的一生中，可以切割為很多時期，藍色時期、粉紅時期、戰爭時期……，展現出每段經歷過的環境歲月，甚至是每個戀愛的不同女人，或者換個方式我們也可以這麼說，正是每個女人決定了畢卡索不同的生活方式與創作的風格。

他生命裡每一個女人的出現，都像是一朵盛開的玫瑰一般，那麼的美麗又充滿光和色彩，迅速而燦爛的綻放著，帶給畢卡索不斷躍動的靈感，於是，畢卡索的畫布上出現了美麗繽紛的顏色線條，將他的成就堆到了巔峰，只可惜每段愛情都像是加了保存期限，玫瑰枯萎後，就再也留不住畢卡索的青睞，這也是為什麼比畢卡索的畫風總是這麼多變，有安定，有大膽，有憂鬱也有明亮，像風一樣讓人抓不透他下一步的方向。他的忘情，就是這麼樣的一種殘酷，卻又聰明而天才，女人、朋友、子女孫輩在他面前，也只能俯首稱臣，再平凡的物品和人物，一經他的巧思和畫筆揮灑，就有了不平凡的展露，然而，每個畫中主角對畢卡索而言，都只是繪畫的工具，讓他盡情擠壓出美麗的色彩，盡情毀滅，真正能他去關心的，永遠只有作品與自己，我們卻不能否定這樣的他帶來的成就，以及為後來的博物館，留下多少不朽的曠世佳作。

《亞維濃的少女們》，在平面上展現三度空間的表現，被稱是立體派的開端，我們亦可以由他這個作品裡，看出另一份徵兆---他的創作來源，畢卡索的主題總離不開想像與情慾，這也是他的生活，充斥著一個又一個的女人，如同羅丹的裸體雕刻，刻出的不只是線條和美，也刻出了卡蜜兒的影子。兩位名垂千古的大師都在愛情上找到了靈感，像卡蜜兒之於羅丹，像法蘭西斯之於畢卡索，在女人的滋潤下使藝術更趨完美。卡蜜兒在與羅丹過度的15年裡，扮演著情人、模特兒、亦是成就他成功的得力助手，而法蘭西斯則像是家人或是主人身邊的寵物，默默得伴隨畢卡索左右，讓他的毀滅性的愛火占據了她的全部，是那麼柔情卻又不可或缺的角色，於是，卡蜜兒和法蘭西斯的出走就成了一種難耐的痛苦，在他們的生命中留下抹滅不了的印記，但，他們終究還是站起來了，生命中另一份更重要的部分在呼喚他們---藝術，那是他們從未放棄過的，只是在創傷後換個型式重新出發。就連卡蜜兒和法蘭西斯的離開都成了羅丹和畢卡索畫風改變的催化劑，一直到感情的最後，她們還是為心愛的另一半留下了些什麼。

忘情畢卡索 / 吳純卉

畢卡索在現今藝術史上的地位絕對是無可取代的，對於大部分的人來說，或許不知道許多知名的藝術家，但大家一定都知道畢卡索。在我們的印象中，畢卡索的畫好像常常都是以幾何圖形的形式表現，像是將一個圖型拆開然後又重組在一起，而相對於其它藝術家的白描手法，所以常常會看不懂畢卡索的畫，總不知道他所表達的到底是什麼。但藝術不就是如此，大家各自表現不同的美感，裡面存在著藝術家自己的想像。畢卡索的作品則是在空間比例和色調上取勝，更重要的是，他的畫中總是存在著一種獨特並且自由的想像空間，讓欣賞者能夠自由發揮。

接連看了兩部影片之後，發現“女人”對於“藝術家”似乎扮演著很重要的角色。像法蘭西絲對於畢卡索，卡蜜兒之於羅丹。法蘭西斯與卡蜜兒對於畢卡索與羅丹，都是在他們創作中不可或缺的靈感來源，也許是在於卡蜜兒與法蘭西斯對於羅丹與畢卡索都是有著一大段年紀的差距，而在愛情的滋潤中所誕生的一種更新的創作靈感吧。我覺得，羅丹像是把卡蜜兒當作一種寶物。羅丹與她相處，看著卡蜜兒的種種，然後理解她，欣賞她，都成為羅丹在雕刻創作上源源不斷的新的靈感。也或許是因為如此，羅丹雖然不能給卡蜜兒她所渴望的承諾，卻仍不想卡蜜兒離開他，並且默默的在“保護”她。而畢卡索的一生有了五個不同的女人，影片中的法蘭西斯在認識畢卡索時也是非常年輕的時候，到最後他們結婚也生了小孩，但當法蘭西斯作了媽媽的幾年後，畢卡索又認識了一位新的年輕女孩。對於畢卡索而言，他好像一直不斷在尋找一種年輕的氣息，或許那種年輕、純真、沒有事故想法而且整天笑容滿面像是沒有煩惱的女孩，才是最能激起他創作上留給大眾的驚嘆。故事的最後，卡蜜兒與法蘭西斯都選擇了離開，但卡蜜兒卻因為離開，卻也不自覺的瘋了，而法蘭西斯卻沒有。我覺得，在羅丹眼中的卡蜜兒，雖然仍是那個年輕純真的女孩，但他一定也觀察到，卡蜜兒的內心其實是充滿很多東西很多情緒的，這或許也是卡蜜兒會吸引羅丹的地方。而法蘭西斯對於畢卡索，就是個完全天真的女孩，內心沒有太多東西，只願意待在畢卡索身邊就好了。

不甘寂寞的靈魂 / 徐瑞妏

一個畫家其實除了是藝術家還是傳播專家。

畢卡索，一個眾所皆知的藝術家。以前年幼無知不懂事，看不懂畢卡索的畫作，總覺得他畫的人不像人鬼不像鬼，還暗諷因為自己不懂藝術，所以覺得都不好看。其實藝術是自我設限的枷鎖，自己只是給自己找藉口不去認識了解它。在某一次藝術講座時，聽到原來畢卡索是從很多面向去看一個物體，他的一個人，眼睛可能眼睛是從左邊看到的角度、鼻子是右邊看到的鼻子、臉是正面的…等，這也是稱為立體畫派的原因吧!之後自己開始自我反省，自己非常的自責，因為畢卡索畫作跟我自己的思維摸式不同，自己並沒有去了解他，用「藝術」一詞當作擋箭牌讓自己逃避問題，這真的很不應該。自己也從那時開始，對於藝術開始不逃避，自己開始利用自己高雄人的優勢，經常逛美術館，看看不同畫家用不同方式來呈現自己的感受。

看完忘情畢卡索後，自己對畢卡索有更深入的了解。自己看過畢卡索最早期的畫作，可以堪稱為照片的畫作。但是自己卻沒有看過後來不同時期的作品，從電影裡才了解，原來畢卡索的畫作都是注入感情的，不同時期的感情帶給他不同的衝擊，作品也就呈現出不同的風格，我認為這是一幅畫最有價值的部分。當一幅畫被注入情感，就等同於注入生命，讓他不再只是一幅畫，而是我們生活中的一部分。而這時不免也要質問自己，自己看到了嗎?一幅畫中每一個不同的人像都傳達著不同的意念，這些畫作也都事不同畫家跟我們溝通的橋梁。我發覺，畢卡索即便情感生活多麼多采多姿，他還是非常寂寞的。他總是將自己的情感注入畫中，企圖藉由畫作找到知己，即便畫作可以換很多的金錢，但那只是附加的，他只是想要找到一個懂他的人。

一個畫家除了是藝術家之外，可以說是傳播專家。他們將自己心靈最深刻的感受注入作品之中，企圖藉由作品尋求知己。當我們在觀賞藝術展時，不要只會欣賞好看不好看，其畫家注入的靈魂才是最核心的部分。如果我們用心去看，我們就會發現更多的驚奇。


卡蜜兒與法蘭西斯以及羅丹與畢卡索

卡蜜兒與法蘭西斯兩個人的創作類型不同，生活型態以及背景也不同。若真的要找出他們的共通點，那就是他們都是偉大藝術家背後重要的靈魂。許多藝術家感情世界都是多采多姿的。他們稱那些女人為他們靈感的來源，我不這麼認為，我認為那些女人是他們靈魂的所在。這些靈魂安撫著他們不安的心靈，並注入藝術家的作品當中，羅丹與畢卡索皆是如此。羅丹藉由卡蜜兒而創作出許多創作，畢卡索也藉由法蘭西斯而畫出不同風格的畫作，正所謂成功的男人背後一定會有一位成功的女性，卡蜜兒與法蘭西斯就扮演的這樣的角色吧!

說到卡蜜兒，他的內心也是非常不安定的，藉由感情的投入，讓自己創作加分了不少，當其發現自己感情不順利時，他如同失去方向的船隻，開始失去了自我，不論在其創作或其生活都充滿了不確定感。後來甚至被視為精神病在安養院度過後半輩子。這也是藝術家很可悲的地方，找不到知己，即便已經藉由畫作傳達自己的意念，仍然沒有人願意懂他，只把他視為不正常，這些對藝術家來說非常的殘忍。反觀，法蘭西斯在自己感情失志之後，自己卻能夠定下心來規劃新的方向，毅然決然的出走，開始發覺自己內心最深刻的感受，這時，他也找到最大的知己，那個知己就是自己。他體會到自己了解自己，知道自己要的是什麼，因此毅然決然的離開畢卡索。而他的畫作也因此而開始成熟，真正的開啟自己藝術的大門。

羅丹與畢卡索，皆是藉由感情生活來極為不安定的心靈。即便感情生活在過豐富，他們仍然非常的孤獨，但是他們都沒有發現，他們沉溺於女人世界，以為這些就是解決之道。但是從他們的藝術創作就可以看出來，他們還是極力的想要讓我們了解他們內心的深處，那不甘寂寞的靈魂，這也正是他們作品最有價值的地方。

戴珍珠耳環的少女 / 蕭如芳

看完「戴珍珠耳環的少女」，整個心情被整個灰茫、寒冷的天氣籠罩住，空氣裏似乎能聞到顏料的味道與食物發出的腐臭味，感覺有很多壓抑、不敢顯露的壓抑情緒，藏在胸中難以抒發。

在片中幾個人物間的暗潮洶湧，故事圍繞在荷蘭畫家維梅爾的生活周遭所發生的事情，見到畫家為了生活與勢利粗暴的商人合作，雖然保有作畫的自由卻在某些方面失去了尊嚴，在金錢方面受制於人，畫必須有人買，奢華的生活才能繼續下去。

可見得當時的風氣可能是富人豪奢似乎將畫作能夠呈現熱鬧、色彩鮮明的宴會，就能夠間接的誇耀財富的雄厚，將畫作當成是一種附庸風雅、增加自己排場的財力證明而已，而不是將之視為一種藝術。畫家似乎也把繪畫這種技術、藝術當成勢一種謀生工具，為了使自己的話能夠以好價錢賣出，花了很多的心力、使用昂貴的作畫顏料，來表示自己嘔心瀝血、精心之作，在這樣雙方面各取所需、務求華麗的風氣之下，許多畫家可能除了自己的藝術之外，為了維持上流生活，還必須為他們服務，作這樣的作品。

影片中畫家與僕人Greet之間的曖昧情感在其中流轉，與自己的妻子、岳母、孩子之間的奇妙關係，令人覺得詭譎神秘，種種看不見的情緒藏於其中。當畫家的妻子揭開那幅畫時，鄙惡的叫喊著，喊著Greet必須離開。所有人都為了達成己欲而有著自私的一面，畫家、商人、妻子、岳母，連Greet也是，說著人性的複雜多變，從她身上看到純潔光明的一面，也看到她壓抑自己，就像畫裏描述的，雖秋水剪瞳，彷彿欲言又止，太多的情緒隱藏於其中。

當Greet看到維梅爾的畫時，驚呼一聲：「你看穿我了！」我認為這是很深刻的一個場景。這意味著維梅爾在捕捉她神情之時，也將她的心思攝入其中，畫家用畫筆為畫中人注入生命，讓她鮮活了起來。這也打動了Greet深藏在內不易被人發現的細膩心思，對自己、主人的感情，表露無遺。

看著維梅爾的畫，感覺得出他對光線、色彩的捕捉非常的精妙。影片中他使用暗箱來觀察光暗之間的變化，與Greet對雲的顏色變化觀察的十分細膩，用暗色的顏料打底，再漸層鋪陳、層疊等等便可以道出畫家對光線細微的描寫，使畫面看起來非常的精緻逼真，且畫的布局不大，主題明顯易懂。且去查詢了一下畫家的資料，如片中所說，畫家畫的主題大多以女性為主，鮮少有男性，似乎藉著對女性的描寫使畫作呈現一種寧靜的感受。

反之，另外一位同樣是荷蘭畫家的林布蘭，他的畫整體看起來亮度似乎沒有維梅爾高，背景都是以暗色、黑色為主，但是對於主要人物的處理都打上了高度的光線，使人物都有發光的效果。如他的群像畫〈杜爾博士的解剖學課〉，從高中的歷史課本上就有看過，裏頭人物的各種不同的表情與動作，彷彿隱含著各種隱喻，呈現出一種懸疑性的戲劇效果。另外他為自己畫了非常多的自畫像，並使用不同材質、不同方式作畫，我覺得林布蘭不僅注意到外在世界包括光線、色彩的變化，還注意到人的內心情感的轉換，並且想藉著創作深入地追尋探討，才會以自己為本，為自己畫了一百多幅的自畫像，透過這些畫作忠實的紀錄了自己心境上的變化，而想要凸顯的是人的內心想法。

兩者各有優點與特色，除了對光影的處理、濃厚的色彩風格、戲劇性的效果表現都很傑出之外，維梅爾的畫作表現出的是一種感性的、寧靜安祥的筆觸，巧妙精緻的處理光線，給人柔和、明亮的感覺，較沒有林布蘭所呈現出的戲劇效果。而林布蘭則藉由背景黑底、褐底，而人物彷彿有光線打在身上，呈現的是戲劇效果，對內心的變化觀察細微，透過畫作傳達各種想表達、想說的話，讓人各自解讀，會有更深層的體會，給我一種較於知性的感受，相對於維梅爾的畫作，維的畫想要呈現的可能就很簡單，不似林布蘭有令人更深一層的思考與感受。

參考資料：
許麗雯《你不可不知道的歐洲藝術》，高談文化，2003維基百科http://zh.wikipedia.org/w/index.php?title=%E7%B6%AD%E6%A2%85%E7%88%BE&variant=zh-tw

雲是什麼顏色 / 劉政慶

1.看完”戴珍珠耳環的少女”這部影片之後.覺得女主角真的很美.彷彿從畫裡重現一樣.但同樣也很能深刻了解到當時歐洲身為僕人的命運是多麼的卑微.整部劇情之中.我覺得最深刻的部分就是維梅爾幫葛莉特作畫.穿耳洞的時候了.其實我覺得維梅爾對葛莉特應該是有愛情存在的.只是礙於階級.經濟狀況.現實的妻小等等.兩人註定無法在一起.在偷拿耳環那一幕.足以證明維梅爾在心裡是比起他的老婆更重視葛莉特的.而且我也相信他自己也知道與老婆的關係已不若以往的濃烈.可說是貌合神離.而維梅爾的老婆當然同樣的也了解到.自己已經不再受到老公的寵愛.因此看到自己的老公為一個比他更加年輕貌美的僕人作畫.甚至還不惜偷拿自己最心愛的珍珠耳環.心裡的嫉妒自然全部湧現出來.當然.我想葛莉特最後必然是一個最大的犧牲者吧.他無法控制自己的命運.自己的行為.只能任憑主人的決定.最後離開了維梅爾的宅邸.到這裡的結局的確令人感到無奈…不過.也因為這樣造就了一幅巨作.可以讓身為後世的我們有機會來觀賞.應該也是一種好事吧?其他部分還有像是維梅爾問葛莉特”雲是什麼顏色?”葛莉特起先只說出了白色.但是後來.好像啟發了什麼一樣.他看見了雲因為光的變化.而可以自由自在的呈現多種不同的面貌.可以是各種顏色.這一幕.我覺得從維梅爾的眼神裡.好像透露出只有葛莉特才是一個真正能了解他.欣賞他繪畫風格跟理念的人.應該就是從這裡開始.他們兩個之間的關係才更加密切的.而其他就如小女孩的告密.富有者的強行占有慾.這些幾乎都是再再的凸顯出身為當時的僕人.地位有多麼的低下的鐵證.

2.從網路及影片上.我對於巴洛克時期的荷蘭.大致上了解了一些.約略在17世紀開始荷蘭巴洛克藝術.最重要的當屬繪畫了.其次是雕塑.因為他們擺脫了西班牙的統治而建立國家.繪畫等藝術的創作也不再依靠宗教或王室.回到了平凡的生活上.多了很多人像.風俗或是靜物的作品.

3.對於林布蘭.我看了他的幾幅作品.覺得他非常重視人性的本質.從他很多幅的”自畫像”中.發現每一幅都有很不同的變化.像是材質.樣貌.表情等.也許是想做出代表不同時期的心境.而且感覺情感非常的強烈.另外有一幅我覺得很有意思.就是”杜爾博士的解剖學課”.這幅畫中每個人都好像扮演一個很稱職的角色.表情也都很不一樣.像是實習生的好奇.喜悅.害怕.但是我認為最經典的是醫生的表情.他好像很有自信的下刀.彷彿想藉由這把刀看穿人的內在跟外在一樣.這跟當時荷蘭崇尚理性的價值觀很有關聯.因此我在他的幾個作品裡.對這幅畫印象最深

4.至於維梅爾.說起來真的很剛好.我對於”戴珍珠耳環的少女”這幅畫.從高中就一直很有興趣.覺得這幅畫非常的吸引我的目光.但是都沒有機會認識這名畫家.這次看了這部影片.真的是很高興.這幅畫的感覺.我一直覺得很有異國的風味呢.不是像歐洲的.像是….地中海東岸的國家?那種有著特別民俗氣息的感覺.我之前就有寫到過對於西亞文化的神秘感很有興趣.這幅畫就令我有那種感覺.而且我覺得畫中那名女子的眼神.好像在訴說著什麼一樣.似乎像是想要呼喚著身後的誰.但是又好像只是看著身後的遠方.不發一語…還有在真珠那個部分.光線的感覺我覺得真的是很恰如其分.尤其是畫出反射光的感覺.完全不失真.的確是很令我佩服.而我看到的作品其他還有一幅是”讀信的藍衣少婦”.我覺得這部作品光線控制的很柔和.有種很舒服的感覺.而且少婦讀信的樣子雖然很普通.但是畫出來卻非常真實.好像非常專注的在看著那封信的內容.這點似乎也跟荷蘭巴洛克以平民當題材是有相互呼應的

5.其實這兩位畫家當時都是舉債度日來作畫.而且兩者作品都沒有在生前受到眾人的矚目.林布蘭甚至最後死於貧窮.直到幾個世紀之後他的作品才被大家發現.然後珍藏.維梅爾跟林布蘭相比起來是好多了.但是當時生活環境艱困.維梅爾當然也免不了背債過生活.在電影裡就有看到.甚至連作畫所需要的顏料.都得要拿東西典當或是記帳.而且連他的兒子生病了.都沒有足夠的現金買藥.只能記帳.所以也不難以理解.為什麼他的妻子.及妻子的母親多麼熱切的希望新作品的誕生了.唯有更多的新作品.才能吸引有財富的財主們購買.如此一來他們的生活也可以得到紓解.而那些財大氣粗的金主們.便以此為籌碼.予取予求.身為被動者的他們也只能完全的配合.從另一個角度來說.這也是一種身為藝術家的悲哀吧…

生命的熱情 / 洪晟芳

好幾年前，大概是我國小的時候吧！畢卡索的畫作有來台灣展覽，記得那時候入口還是出口處還有擺著他跟張大千的合照。雖然那時候看展覽的時候我年紀還很小，不認識什麼畫家，更不知道什麼立體派，但是看完那個展覽之後，我感受到的是畢卡索對於生命的熱情。可能是受到他用色的影響，即使是悲傷憂鬱的藍色時期，也可以從藍色調中感受到他對於中下階層情緒上以及情感上的波動。那時候的展覽是依照他畫作的先後順序排列的，有一張圖令我印象深刻，是畢卡索畫的ㄧ個女人，也是他生命中的第一個女人－費爾南德‧奧利維耶。這張畫的風格跟藍色時期的作品有很大的不同，有別於藍色時期的憂鬱，從這張圖之後，可以感受到的是畢卡索對於生命有了新的認識；爾後，不管畢卡索變了多少次心，愛上多少女人，我們都可以從他的作品裡看出端倪，換句話說，女人對於畢卡索的ㄧ生，即使不是紅花，也是最重要的綠葉，因為畢卡索的特異風格是他受當代推崇的原因，而他的特異風格的靈感大多數都來自於身邊的女人。從費爾南德‧奧利維耶、奧爾迦‧柯克洛娃、朵拉‧瑪爾到「忘情畢卡索」裡的重點人物法蘭西絲，以及本片中他最後一個女人賈桂林，每個女人都視畢卡索為他們的神，即使知道畢卡索生性風流還是甘願付出自己的愛，可見畢卡索有ㄧ定的獨特魅力，而不是因為他們攀附著畢卡索的權勢，他生性浪漫多情，行為怪異像個長不大的孩子，或許就是因為他多重的獨特性格所以很惹人吸引吧！？不然有哪個女人喜歡看自己的畫像是ㄧ幅幅被解構又再次組合的畫作？跟之前羅丹與卡蜜兒比較起來，畢卡索跟他的女人似乎都處在一種算是寧靜的狀態，即使有些人最後是病死、得了精神病、甚至自殺，但是他們並沒有實際上的交惡，不像羅丹跟卡蜜兒ㄧ樣永遠有吵不完的架、有無盡的心結；也許畢卡索身邊的女人並沒有像卡蜜兒ㄧ樣直接又有主見，即使法蘭西絲對於繪畫也有很大的熱忱，但是都不及卡蜜兒來的積極。卡蜜兒不甘願他的作品受到羅丹名聲的打壓，也許是世俗的輿論導致他們之間產深裂痕，誰也不願讓步；而畢卡索跟法蘭西絲之間，從電影裡我覺得是法蘭西絲一直再退ㄧ步取得彼此之間的合諧，相較之下，法蘭西絲更懂得拿捏他跟畢卡索的關係。先是看完畢卡索的展覽，過了很多很多年的今天又看了「忘情畢卡索」這部電影，雖然我本身也是個女人，但我不會因為他的風流而對他產生不好的評價，因為從他的作品中我實際感受到了他對生命的體悟、對生命的熱情，他的情感是毫無保留的反應在畫布上面的，看他的作品透過顏色、線條、色塊等等，我很深刻的感受到了一種情感澎派洶湧的表達，這也是為什麼當初課堂上我會說最喜歡的畫家是畢卡索的原因。

內心的安寧 / 林俊孝

十七世紀，一個原處於歐洲邊陲地帶的小國─荷蘭，承繼著西班牙及葡萄牙海權時代而興，擴張著他們全世界的殖民地，其中更包含著今日的紐約及你我腳下的寶土─台灣。不同於伊比利亞的兩大國；本著皇室及貴族的餘威而起，且殖民地的利益往往歸貴族所有，於此人民百姓的生活，可說苦不堪言。於此當時代的作畫，往往根據著貴族的喜好而作，開啟了一個華麗、典雅且繁囂的藝術時期─巴洛克。

此期的荷蘭則不然，他們的海外擴張，本著尼德蘭人民的集體投資，於此創立先進於全世界的股份制及銀行制度.......等，且投資者往往不是貴族，而是打滾於土地上的人民，因此誕生了一批新興「中產階級」；他們不僅帶動著荷蘭的向上，更推動著世界的財金巨輪，僅管當時代戰爭波及著整塊土地最，終於1648年戰勝了歐土的霸權西班牙，建立聯省共和國；為西班牙的日暮及自身的破曉揭開了序幕，一個世界性的大國於此崛起。

藝術發展上也正如同筆者前面所談的，不同於歐土其他各國的皇室、貴族壟斷財金利益，於此荷蘭以集體投資推動著荷蘭的向前，因而藝術得以走向民間，且成為中產階級的興趣及消遣。不單只有中產階級愛畫，一般平民及百姓也拿畫來妝點自己的住家，一時間的推動著荷蘭的藝術發展，且不同於歐土的巴洛克矯飾主義風潮，他們所熱愛的是風俗畫、靜物畫、風景畫和肖像畫；藝術發展之盛，於此便可略知其一二，而本片主角─維梅爾也正是此一時期的畫家。

在藝術史荷蘭藝術家中，維梅爾的名聲僅單單次於林布蘭，但身處17世紀的他，卻為人所不知，甚至也未引起一點點的影響力，直至19世紀才為法國藝術評論家所發掘；維梅爾才得以重新「出土」於世人的眼前。關於他的一切包括:他曾與哪位老師進行學習?他是如何研習繪畫的?甚至連他的技法、創作意圖也不甚清楚。而於此片中的拍攝，應實為後世的想像，但其劇情安排及場景補捉，可說都符合維梅爾作品所給人的感受；一種恬適、乾淨、舒爽、神祕的暢然感。且他作畫總是充滿著謎，生前的他僅留下30幾件作品予後世，且比對他死後早期的拍賣內容，可以推測散失量應該相當的少。然而為什麼留下的作品會如此的少呢?影片中似乎偏向他對作品的堅持及其作畫方式非常耗時費力，除此也有他可能因為經營旅館而少有時間作畫之說。

於《戴珍珠耳環的少女》影片中出現一台相當有趣的機器─描畫鏡(camera obscura)，也正是維梅爾為精確的抓準光線效果而用的。(其他尚有他是為了構圖或設計之說，但應當不是)雖然此片有著種種出於想像，但也因為這份想像讓這一幅有「北方蒙娜麗莎」之稱的作品得以重新以一種故事的面貌耀然於大眾的眼前。除此對於他貧困的生活，我有著特別映像深刻，根據記錄維梅爾與他妻子卡塔利娜的婚姻似乎起初並沒有讓他們的家族所看好；他們分屬著不同宗教的家庭(維:新教、卡塔利娜:天主教)，然而最終歷經總總波折也總算始兩人得以步入紅毯，但貧困的生活卻緊接而來；據記載他們生了很多的孩子，且在維梅爾死去後留下了11個孩子，影片中對於此一事實也有著深刻的描繪，其中對其所面對的經濟問題也有著詳盡的拍攝。影片中令我感動的，莫非就是再完成畫作期間所發生的總總，包括富商的私意及畫者與妻子間的互動，與女孩為了使畫作得以完成所貢獻的總總，這幅畫也在這份渲染下令我為之著迷。

《戴珍珠耳環的少女》

單色的背景中，女孩表情溫婉、光輝，且在珍珠的妝點下，女性的溫柔更顯明白。除此在作者巧妙的畫面安排下，以一道來自左上角的光打於女孩的面頰且背景色黑的手法，予人一種超越時空的感受。再配上女孩微婉的側看，似乎有一種「一別難再相見」的感觸湧上心頭。除此女子頭上有著濃濃東方味的頭巾，予人滿溢的神秘感。其中輪廓線雖滑順，卻故意畫的糢糊，反倒女孩的嘴唇以粉紅色的細微點來強調，且予人少女清純且嬌嫩的感受，於此總總實為一幅令人印像深刻的作品，更不失其「北方蒙娜麗莎」的稱號。

《倒牛奶的女僕》
畫面中以維梅爾所擅長的單向光源來描寫著一位正在倒牛奶的廚婦，且其微妙的光影漸層感由窗邊到牆的另一邊，且掛於牆上的日用品與桌上的東西無不反映著陽光的照耀，其細微的觀查及描繪實為當時代無人所及的！其中的窗子有著濃厚的斑駁感且有一片玻璃還破了；於此似乎暗示著這位廚婦的家庭狀況，再配上後方那沾污的牆面、地上的凌亂……皆描寫的十分細微。他的作品中雖看似僅是靜物的描寫卻也意含無限，其後方那小小的暖爐是否象徵著廚婦內心溫存且細心的執行著他的工作亦或者期待著接下來的早餐時光。此時廚婦正寧靜且專注的倒著手中的牛奶，且牛奶透過光的反射更顯可口、溫暖，於此僅感受到無限的安寧及舒暢，彷彿忘卻了內心的壓力及不愉快。這正是當時代維梅爾的複製畫受歡迎的原因吧！畫中正反映出當時代下不同於其他歐土國家的巴洛克內含；當時代下荷蘭的愛畫者內心世界與今日的資本主義下的人們相近，於當時代中產階級面對著變化多端的金融體系及生活壓力，因而對風景、農村生活、風俗……等主題充滿著嚮往，因此維梅爾的畫作也正體現出這般嚮往，因而300多年後的今天備受現代人所喜愛；於此現象中人性實有其相似之處，且體現出「人總不滿於現況」的意義(農人羨士人，士人亦羨農民的田園生活)。

林布蘭；同於維梅爾為荷蘭的知名畫師，為荷蘭史上巴洛克的寫實大師；寫實主義不管在哪個時代總擁有著廣大的群眾基礎，且無論時代如何變遷，寫實往往成為藝術主流，但值得反省的；過於的寫實，往往將藝術品及人們現實生活拉的太近，因而容易產生「快感」而非藝術本身所產生的「美感」。林布蘭也正是如此，於當時代的他已獲得大眾的支持且名流青史，更是尼德蘭人們的民族驕傲。其中他對光與影的極至表現，直至今日仍是寫實主義系統中的崇高標準。

相較於維梅爾的簡單、明快與溫暖感，林布蘭對燈光的掌控總予人一種刻意的感受(以《夜警》為例)，正因此份刻意，予人一種「戲劇化」的感受。其中他的肖像畫是多且精美的，且往往予人濃厚的豐富感與生動感，亦不同於維梅爾的「小版面作畫」林布蘭的作品往往是「巨幅」且震憾人心的作品，但也許過於的真實、華麗感與濃濃的刻意性。對筆者而言林布蘭的作品，往往是「一時」的衝擊，而難有像維梅爾的作品，一種值得讓人一再品味的感受。也正因其簡單、明快、溫暖及對光影的細微補捉，往往予人深刻的嚮往，且使筆者彷彿脫離了現實世界的繁囂，追尋著內心的安寧。筆者想以上總總是林布蘭難以給我的感受，卻是維梅爾所能給我的，我想這正是以這兩位畫家來說，我獨衷維梅爾的原因吧！

花園裡的孔雀 / 蔡秉志

看完這部片後才稍稍了解畢卡索為什麼像小孩子一樣,女人就像是他的玩具,這些玩具長得漂亮新奇,所以他喜歡,當他玩膩了或是從玩具身上找不到感覺時,他就會換個玩具,且小孩子的心理不太會把玩具借給別人玩,他會想完全的支配它,並把它們放在特定的地方,想玩的時候才可以方便玩,容易找到,當然小孩也不會只有一個玩具,有的玩具放在家裡,有的放在車上,有的需要隨身攜帶。從這片中也看見小孩子般的天真,當畢卡索要出門時,親完愛人後馬上坐上車,雙手揮舞著向前,走！那個表情真的好純真,好像他就要出去找其他的小孩子玩,其他的媽媽交代的事情都可以放在一邊。

當然第一次看這部片時我一直覺得他對女人很不尊重,強烈的道德感讓我覺得愛情裡不可以這樣,我嚮往的是像達利一樣的愛情,非常的愛她的老婆,且常常把她畫在畫中,達力這麼解釋的:『卡拉,她註定是我的格拉蒂娃,”前行不止的人”,我的勝利女神,我的妻子,但為此她必須治療我,她也確實的治療了我。」

不過呢第二次我看時,我覺得我也跟畢卡索很類似,女人只是帶給我快樂還有縱慾,並沒有感情上的交流,跟女人在一起的時候就是玩樂,吃飯,度假,這兩個星期我的心情一直不怎麼好,想著到底我的愛情裡出了什麼問題,看完這部片時,有了不少解答,女人就是帶來快樂的人,時時為我注入精力,豐富我生活的人,至於我之前理想的愛情或許就只是我自以為是的道德感想像出來的,而我事實上卻不是這樣的ㄧ個人。

對於創作的看法,從這部片中我並沒有清楚的看出,我想畢卡索因該算是在花園裡的孔雀吧,身邊有很多的玩具外,還是要一直跑出去交際,喝酒跟朋友玩樂,但!這是很重要的ㄧ點,從這些活動中無疑的又為畢卡索注入另一種力量,這些力量都是他畫中的來源,也像小孩子一樣每天過著精力充沛的日子,他無法太長時間呆在某個地方,無法不與人交際,小孩子的天生好動,再把每天感受到的東西放入作品中。很好奇畢卡索在廢車場拼做東西時的心態,是不是從一大堆的東西裡找出喜歡的形狀,然後隨意的拼放在一起,感受到驚喜,幽默,惠心ㄧ笑的情感。

毫無疑問的,女人對於羅丹和畢卡索都有著重要的影響。女人對於畢卡索而言就是個帶來歡笑的人,吃喝玩樂,沒有憂鬱,複雜,或一個30歲的男人要對另一個人許下承諾的那種情感。而女人對於羅丹呢,我想是ㄧ杯咖啡,一個作家在寫文章時桌上會放著那杯咖啡,文章才是重點,咖啡只是可以提神,解渴,有時會把咖啡拿起細細的品嘗,品嚐著固中滋味,苦的,酸的,會不會澀,有時喝完後味道還會繼續留在口中。

兩個人完全不同的創作心境,畢卡索看見多拉在哭,就在作品中畫出眼淚,哭泣,最單純的感受,不需要在那邊繼續的思考或哲學化。羅丹,感受著咖啡館裡的各種情感,努力的去體會它,然後想要把他化為作品,可是可能情感不能完全的理解出或感受透徹,也或許因為大人們的心中同時有著太多的情感,又非常的複雜無法分開,所以創作出很多糾纏,扭曲,還帶著些原石的部份,說不定那圓石就是無法理解分開的情感,且想要保留著曖昧不清,模模糊糊,世界上最美麗的感覺(我認為的)。,

這兩個人成功偉大的人,都有著成功的商業技巧,賺錢,就像畢卡索時時要抽著香煙,香菸帶來一種愉悅感,一種心靈的依靠,香煙在手做什麼都可以。賺錢也是豐富心靈,繼續創造作品的ㄧ個重要因素,為了賣出作品,迎合買家,畫家會體會到更多的壓力,壓力做出更好的作品,拿到了錢,可以放鬆,可以享樂,可以繼續體會不同的人生。

家中有一本介紹達利的書,塔森出版的,我把他視為我最珍貴的東西,每當心情不好,低潮時就把它 拿出來看看,感覺達力利用誇張的作品讓大家注意他,他需要別人的注目,活像個動物園裡的猴子別人看他,位他拍手他就會繼續表演。畢卡索像個玩具工匠一樣,做出了玩具後還會推銷,希望大家一定要買它的作品,且還會想和馬諦斯作品的價錢比較,可能是想當個世界第一個玩具家吧。羅丹像個美術學者,利用自己的技巧想把藝術作品推崇到極高的境界,想讓世人了解美學存在的價值。

荷蘭繪畫的黃金時代 / 蔡勇志

在這部電影中並沒有讓我印象最深刻的地方，或者該這麼說讓我印象深刻的畫面太多了！無法讓我一一細數。我一回到宿舍上網得知這部電影的導演是彼得韋伯（Peter Webber），唯美如畫的電影鏡頭，是這他最成功的地方。每一個鏡頭的角度，人物的表情、動作，光線的安排，都很漂亮，讓這部電影宛如由無數張維梅爾的畫作製成。果然該影片曾榮獲第76屆奧斯卡最佳攝影、最佳服裝設計、最佳藝術指導提名。後來又得知本片導演彼得·韋伯是英國人，第一次參與電影是在一個哥們兒拍的女同性戀短片中當剪輯，後來導演過幾部電視片，本片是他第一次拍大電影，用瑰麗影像再現三百年前的荷蘭小鎮。不過也由於畫面的絢麗，掩蓋的這部電影的故事性，所以這一整部電影看完，對我只有視覺上的衝擊，沒有撼動內心的感覺。我只能記住一些美麗的定格，並不能很明確的指出＂印象最深刻的部份＂。

『十七世紀為荷蘭繪畫的黃金時代，對整個西方美術的發展，產生意義深遠的影響。由於革命的勝利，使荷蘭的畫家懷著民族的自豪感。他們擺脫了西班牙統治時期對宮廷貴族和天主教會的依附，繪畫不再依附宗教，也不再依附宮廷，而是回到人的生活，並且歌頌生活。畫家們開始為新興的市民階級服務，他們描繪自然風景，描繪市民肖像，也描繪人所擁有的物質。』

林布蘭是十七世紀荷蘭畫派最典型的巴洛克畫家，他最關心的主題是「人」，他曾研究各式各樣的人物，男女老幼，快樂痛苦生病疲勞的形象都有，其中又以自畫像最多。我再網路上找了一些他的畫，杜爾博士的解剖學課、夜巡、河邊洗澡的韓德瑞克、自畫像～等。

維梅爾的繪畫生涯開始得稍晚一些，他沒有經歷過大起大落的生命歷程，也不迷戀於光所能產生的眩目效果與強烈對比。維梅爾的作品有很多是在描繪舒適，安閒的中產階級家庭生活，表現周圍熟悉的婦女，因此他的作品特點是不以情節引人入勝，而是藉由一種抒情情調給人一種美的享受。我看過的有軍人與微笑的女郎、讀信的藍衣少婦、在窗前看信的少婦、手持水瓶的年輕女子、手持笛子的少女～等。

我有點矛盾，首先林布蘭給我的感覺是灰暗的，維梅爾是明亮的，就這一點而言我比較喜歡維梅爾；但林布蘭帶給我的神秘感、故事性，是維梅爾無法給我的。維梅爾的畫作很平凡（只是好看），大概只有像崔西．雪佛里兒，這樣的高手作家，才能去創造出『戴珍珠耳環的少女』；林布蘭的畫則不同，他利用周圍灰暗營，主題明亮造出神秘感彷彿要告訴我們什麼故事一般。

平凡中見偉大 / 陳亭妤

在影片中我印象最深刻的部份是當維梅爾在畫手持水瓶的年輕女子那幅畫時，他一開始事先將最基本的色彩塗上，然後再慢慢加上互補色使畫漸漸呈現出光影的變化，感覺好像變魔術一樣。當片中維梅爾問少女雲是什麼顏色時，少女說出了黃、白、灰、藍等顏色，我體認到任何物體所組成的色彩並不會是單一的，是由各種顏色所組成，並且會因光影的變化使的顏色有了不同的改變，而且透過光影使得整個畫面不會顯得過於單調。

另外片中女主角看到維梅爾的畫時，說”你把我看透了”時，讓我覺得即使只是一個簡單的構圖，常見的題材，透過畫家的描繪感覺上似乎可以隱約感受到少女的心情，且透過影片使的一幅畫的生命更豐富，有豐富的故事性。現在一看到這幅畫時，畫中少女的眼神都不禁會讓我覺得透露著些許對無法實現的愛情的無奈，而畫家也好像透過自己的畫筆將自己的愛意融入其中，即使只是一瞬間的畫面，一瞬間的情感，透過繪畫卻將那一剎那給保存了起來，將霎那變成永恆，即使是一段無法實現的愛戀卻可將那份思念延續至百年後的今天，這份感覺更令人覺得動人。

還有戴珍珠耳環的少女所帶的珍珠耳環就像是畫龍點睛一般使的整幅畫彷彿活了起來，也使畫面生色不少，令人無法想像如果這幅畫少了那副珍珠耳環會變成什麼樣子，那副耳環感覺上好像使得整個畫面都亮了起來，第一眼看到這幅畫時一定會先注意到那幅耳環，然後才以耳環為中心像旁延伸看到整幅作品。而且一個小小的耳環就可以以細膩的筆觸營造出光影變化的感覺真的很厲害。

維梅爾與林布蘭兩位畫家都擅長運用光線和陰影。

維梅爾對色彩有極高的敏感度，他會在慣用色中加入白色製造出顏色微妙的色感，充分補充自然光的明暗變化，這點和林布蘭一樣，而且他有很多作品都是透過窗光所形成的光影變化，精細地描寫一個限定的空間，優美地表現出物體本身的光影效果、人物的真實感與質感，可清楚的感覺到他的方向性。另外維梅爾的話大多是以日常生活為題材，且因其畫風精致所以作品數量極少。也許正因為他所描繪的大多是日常生活的景致，所以更顯得美麗，一個隨時隨處可見的畫面，透過繪畫的模式呈現感覺分外不同，有種平凡中見偉大的感覺，不需要有富麗堂皇、華麗的用色及畫面，這種普通的畫面更讓人覺得感動。比起一些畫面豐富色彩鮮豔的圖畫我更喜歡這種貼近生活的作品，透過他的作品讓我覺得只要留心，生活中的任何一個場景都可以成為一幅藝術，儘管是視為理所當然的生活場景，透過畫作的呈現舊有另一種完全不同的感覺，而且也不會給人一種壓迫感。

林布蘭在畫中巧妙運用光線和陰影，他的畫中透漏著溫暖的情感和對小人物入微的觀察，他畫了許多令人讚嘆的肖像畫，還繪製了很多量的自畫像，他畫自畫像的動機，也是由於對人性本質所產生的強烈興趣而產生。他的自畫像中，忠實地描繪了各個時期中不同的心路歷程。而他涉獵的題材相當廣，其中以具有家庭生活感覺的寫實題材為代表。

林布蘭與維梅爾一樣都以家庭生活為題材，呈現較寫實的一面，這個與文藝復興時期的作品有很大的差別，考試前所看的萬事千秋中米開朗基羅的作品大多是與宗教有關，那個時期強調宗教的神聖性，故作品也大多以宗教為題材，因此給人一種神聖不可侵犯的感覺，難免讓人覺得難以親近。相較之下以家庭生活或者以小人物為題材的畫作反而可以給人一種溫馨親近的感覺。另外關於林布蘭的自畫像，他似乎是所有畫家中化最多自畫像的一個，得知這點時我第一個反應是覺得這個人一定非常喜歡自己，不過另一方面我也覺得或許他是希望透過畫自己的過程尋找自我，了解自己。許多人說透過畫作可以了解畫家眼中的世界，也可了解他所想要傳達的想法，或許他是想透過這種方式來表達自己吧。

戲劇性的美感 / 孫一萱

在「戴珍珠耳環的少女」片中，讓我印象最深刻的部份是維梅爾的岳母對葛麗特說：「你已經是他手中的一隻蒼蠅，我們都是。」在這個時期，藝術家的創作似乎得隨著買主的喜好走，不禁讓我想起文藝復興時期的達文西，達文西堅持只有他自己才能決定作品完成的時間，而不是買主。文藝復興時期的佛羅倫斯對藝術家的尊重與自主，與巴洛克時期的荷蘭一相比較，高低似乎立現。

巴洛克時期的荷蘭正走向資本主義的道路，主客分明的態度也許就是與文藝復興時期愛好藝術風氣不同而造成差異的地方。因為資本主義的商業興盛，思想也活絡，美術早已從神化和宗教解放，畫中的人物也趨向人物、平民。而維梅爾和林布蘭就是在這樣的荷蘭社會史末期畫家生涯的起伏。

我認為維梅爾與林布蘭的共同點在於皆重視光線的變化，由維梅爾在片中曾說；「難道你要我想像珍珠的光澤嗎？」可見一斑，我認為維梅爾的光線是傾向無聲無息的流瀉朔造出寧靜的氛圍；而林布蘭的光線則是巧妙的精心安排，以技巧的純熟添加作品的厚度、力度、神秘感。而在共同點之外，維梅爾似乎致力於營造精緻沉穩的風格，光源緩緩陳窗外透進，畫中主人做著日常瑣事，在平凡中尋找其中令人心安的靜謐感而美化出詩意；而林布蘭則是稍帶戲劇張力，在畫中致力於許多精巧的安排，他的光源似乎無法看出明顯的來源，但卻投射在他所欲注重的人或臉上，然而較為暗處並非不重要，而是以陰影做有寓意的安排。所以如果以影片類型來比喻，我會覺得為梅爾的畫是紀錄片，而林布蘭的畫是戲劇片。當然我並未看過兩位作家所有的作品，只是以我看過的作品來做這樣的比較比喻。

除了上述的想法外，讓我不禁有了一個疑問:林布蘭理所當然是個為原則而堅持的畫家，相較之下我會認為維梅爾比較跟著買主的意思走，我的疑問在於他們畫風的形成，維梅爾是否因為當代的風氣而使的他們畫風寧靜而精緻就如一般的裝飾畫；然而再同一時代的林布蘭，畫風的仳然不同，林布蘭卻也曾被視為一個大師般崇拜，那當時荷蘭的藝術風氣究竟是畫家跟著社會走？還是社會跟著畫家走呢？維梅爾的部份，我會認為他是比較社會風氣趨向，但是林布蘭的先大起在大落又該怎麼解釋呢？這個讓我頗為困惑的問題，後來在圖書館的一本書《畫壇巨擘》找到這樣的解釋以形容十七世紀的荷蘭社會「一種宮廷的、保守的文化也許不可能讓向他這類藝術家出名，但一旦他出了名，也會允許他維持他的地位，比他在荷蘭的中產階級的、自由的社會能做的更好；這個中產階級的社會能讓他自由發展，可是一旦他表示要堅持自己的個性，這個社會就會摧毀它。」。林布蘭跟維梅爾在當代都是知名的畫師。梅維爾擔任畫家公會會長，在資本主義社會銀獲兩訖的交付買主所託付的作品；然而林布蘭則堅持他所謂的原則，終致被冠上黑暗王子的稱號。

雖然影片旨在探討維梅爾，但悲劇性的人物似乎總是容易被冠上戲劇性的美感。兩相比較，雖然維梅爾澄澈柔光易使人沉溺其中，靜態的詩意像冬天午後的暖陽令人感到舒適，但，就像朱光潛先生提到的美感的意識在於直覺，再直覺之下，我比較喜歡林布蘭畫中帶出有光有暗巧妙佈局的構圖，戲劇張力足，人物表情豐富，似乎每個安排都有他的寓意，具有神秘感的吸引力。當然，這也僅止於我個人的感受罷了!

不只看到一個世界 - 維梅爾/林郁敏

我覺得整部片中印象中最深刻的部分是維梅爾受葛麗特看窗外的雲是什麼顏色，拋除了「雲是白的」，這種刻板印象，從中看到了藍色、黃色、灰色，像是調色一般，最後在天空中看起來整體大致上是白色，但美就美在你細致的看並不是白色。

片中也處處提到了葛麗特對光影色彩的敏感度，從一開始切菜時五彩繽紛的顏色交錯，到她問女主人是否要擦拭畫室中的窗戶，她很細膩的想到了會影響作畫時的光線，以及在洗盤子時利用投射在盤子上的反光和孩子們玩耍等等都是。觀賞此片就好像在看一幅幅的畫作呈現在眼前，對於色彩、光影構圖的細緻度我覺得很棒，片中的人物服裝，場景設計的精緻度，就好像把我們帶回到十七世紀的荷蘭社會，賞心悅目又扣人心弦。

巴洛克藝術的特質之一是強調光線的設計，是一種人為而非自然的光線，產生一種戲劇性的氛圍，讓人感受到立體、深度、層次感的空間存在。十七世紀則是荷蘭繪畫的黃金時代，由於革命的勝利，荷蘭的畫家開始擺脫了西班牙統治時期對宮廷貴族和天主教會的依附，在這樣的背景下，繪畫不再依附宗教、宮廷，而是回到人的生活，繪畫逐漸成為市場的商品，種類繁多，除了宗教歷史和肖像畫之外，還包括了風俗、風景、靜物和動物畫。

林布蘭畫作的特色是運用陰影與光亮造成明暗對比的效果，像是《夜巡》這幅畫，畫中主角人物，在深黑之中，就像是被一到光投射一般，顏色在其中的交錯變化，和他們走動的動態效果，畫中的光影、人物的姿態手勢、對比、細節、戲劇張力和構圖的安排，讓整幅畫營造出一種奇特的空間氛圍。

維梅爾的畫作給我的感覺，雖然都在描繪較為家庭生活的的場景，但他很注重用光影的色彩來做細微的變化，他有很多幅畫都是描繪人物在窗戶旁邊所做的動作變化，像是影片中，一幅畫他光是上色就分了好幾層，每次都有很不同的感覺、不同的驚喜。他的畫作總是透著光暈，給了我一種祥和、寧靜的感覺，畫中人物也有一種欲言又止的感覺，感覺動作總靜止在做出的那一刻，讓人有無限的想像空間。普魯斯特在《追憶似水年華》提及到維梅爾的一段文字讓人心有戚戚焉，「多虧有藝術，才使我們不只看到一個世界-我們的世界，才使我們看到世界倍增。而且，有多少敢於標新立異的藝術家，我們就能擁有多少個世界。它們之間的區別比已進入無限的那些世界間的區別更大。不管這個發光源叫林布蘭還是叫維梅爾，它雖然已熄滅了多少個世紀，卻依然在給我們發送它們特有的光芒。」

平凡之中發掘美 - 維梅爾/沈昱彤

著名的畫家維梅爾是荷蘭小畫派的畫家，他只活了四十三歲，去世時留下不足40件的作品，而流傳至今的也僅有廿餘件，但是卻件件都是精品。維梅爾主要是畫風俗畫，也有一些風景畫。這部電影所描繪的就是以維梅爾的名畫《戴珍珠耳環的少女》為背景，維梅爾從女僕的身上得到了作畫的靈感，加上女僕對藝術的靈敏和敏銳的直覺，使維梅爾才思泉湧。

維梅爾善於概括細節、簡化形體，畫中的內容表現得比較單純，但卻是經過畫家嚴格的推敲，使他的作品因而顯得精緻、簡樸和寧靜。他還善於對一兩個人物和簡單器物的精心安排和描繪，將世俗生活詩意化，在平凡中發掘出美的畫面，他的作品就向以人物為素材的靜物畫，總是表現出穩定、安寧、和諧和靜穆的氣氛。

維梅爾在用光方面也別具一格，和林布蘭的及中強光不同，她喜歡灑滿室內的漫射光，這種光線十分柔和，通常來自左上方的窗戶，人物受光部分的倍景色彩較深，背光面背景則較亮，正好把人物的外輪廓清晰的襯托出來，雖然巴洛克所強調的是動態和情緒，但是維梅爾的人物卻看起來像靜物，有很強烈的雕塑感，這是由於暗面接亮面，亮面接暗面所造成的效果，且為了使畫面合理，所以光線會來自左方的窗戶，此和林布蘭的輪廓線隱入背景有很大不同。維梅爾還常使用銀灰色畫對像亮部的冷光，使他畫面顯得更精巧和高雅。

維梅爾不像以往的畫家一樣熱衷表現戲劇性和故事性，他主要是在平凡題材的作品中以畫面的構成、色彩的完美以及形象的質感等繪畫因素取勝，可以說維梅爾的作品帶有更多的純藝術性，且維梅爾所作之畫的畫幅都很小，又顯得精緻和細密，非常的特別和傑出。維梅爾的畫作多在畫室中完成，他有一幅作品《畫室》就是在描繪他的畫室，這幅畫出現了畫家和模特兒的構成關係，前景加上裝飾性的帷幔占據了畫的左邊，畫中背對觀眾坐在畫架前的就是畫家本人，模特兒則裝扮成天使的樣子沐浴在柔和的光線裡，可以顯現出畫家讚美藝術的崇高。

另外，片中的《戴珍珠耳環的少女》這幅畫作讓人感到耐人尋味，畫面中的少女輕輕的回眸，就像在找尋和探索的模樣，維梅爾運用了巧妙的手法使觀者就向是那位被探尋的對象。維梅爾善用鮮明的色彩，尤其是藍色更為大家口中所提及的「維梅爾藍」。其次就是維梅爾對光影的研究，對於光影的微妙變化更是觀察入微，例如《戴珍珠耳環的少女》頭巾上的光影變化和珍珠耳環上光影的變化，非常細微的觀察和刻畫，表現出維梅爾的繪畫技巧。

到牛奶的女僕也是維梅爾著名畫作之一，維梅爾的畫作從不描繪任何重大的場面，喜歡畫身處於一般荷蘭房間的普通人，這位站在桌旁到牛奶的女僕就是這樣的普通人，畫面看起來很簡潔，桌面上放的瓶罐和麵包，左邊有一扇窗戶使得光線由此射入室內，除了靠窗的牆上掛著籃子，背景是一面牆，此外沒有更多的雜物，女僕受光面背景較深，背光面背景則相當明亮，正好把人物形象和外輪廓襯托出來，顯然畫家在此對於光線和背景做了精心的處哩，顯得既精緻又簡潔。

我個人非常喜歡維梅爾的作品，即使現在存有的畫作不多，卻可以展現出個人獨特的特色，尤其是維梅爾善用的藍和土黃的搭配，顯得既亮眼又和諧，片中曾提到他上色的方法，一種東西不只有一個顏色，如果細細的去體會，將發現每一個東西都是由各種不同的顏色組合而成，所以維梅爾在上色的時候細心的層層上色，所以每一次的畫作都是需要非常久的時間才能完成，即使畫幅小，卻很珍貴。

邏輯上的真實 - 畢卡索/姚任庭

畢卡索稱之為二十世紀最負盛名的藝術家一點也不為過 , 早在欣賞忘情畢卡索之前 ,就對於這位藝術大師感到十分的好奇, 大部分的人都是從他在立體派時期時所發表的作品而認識 , 立體派的技法富於變化，打破了古典寫實的侷限,將具有體積感的各個而同時表現出來，畢卡索又將對象解構,利用側面人像與正面同時呈現的手法，進行新的建構 ,展現「 邏輯上的真實」,。從解構到再建構的過程中，畢卡索蛻去原形，將點、線、面作為繪畫元素，建構出獨樹一幟的造形美。

與雕塑大師羅丹類似的是,兩人的創作背景與環境,都跟女性有著很緊密的關聯 ,也能從兩人的作品中發現許多以女性為主角的創作,女性可說是兩人創作的泉源之一,就兩部影片觀賞之後的感覺,我認為羅丹與卡蜜兒之間的情感有別於畢卡索與法蘭西絲,給人一抹似灰似藍 , 淡淡的哀愁。卡蜜兒與法蘭西絲同樣都是在藝術有所造詣,但在我的感覺,卡蜜兒好像對於藝術有更多的堅持與追求,或許是一直被認為是再羅丹的依附而生存,從一開始沉溺在甜蜜的兩人世界到後來痛苦地離開羅丹,卡蜜兒最終還是堅持在雕塑藝術裡走出自己的一片天空,不願被認為是複製品,甚至是沒有血肉的創作,但不置可否,羅丹在卡蜜兒的創作上,的確也給予許多靈感與啟發,但相對於法蘭西絲,卡蜜兒的情感強度上好像更加的濃烈,讓人有如感受到她想訴說的意念與執著。

卡蜜兒和法蘭西絲皆與羅丹和畢卡索的年齡相差甚遠,都有著抵抗眾人異樣眼光的勇氣 ,勇於追求自己所愛。在<忘情畢卡索>裡更可以想見畢卡索令人驚艷的創作題材與吸引人的藝術魅力與氣息 , 片中他告訴法蘭西絲必須走出自己的路 ,不要一味的模仿 ,也帶她開了許多眼界 , 看見藝術裡繽紛的色彩 ,不要她被限制在藝術領域裡同色系的單調 ,相較於羅丹和卡蜜兒好像多了份廣闊 , 因為片中羅丹與卡蜜兒的愛恨糾葛給我一種太過緊密少了空間的窒息感 , 雖然一樣堅持走出自己的世界 , 但畢卡索帶給了法蘭西絲好像多了些自己的空間 ,而卡蜜兒和法蘭西絲,雖然最終也都離開佔了自己生命重要位置的羅丹和畢卡索,但兩人之後的發展與心境卻大大的不同 ,卡蜜兒雖然不斷努力找尋自我的改變,但始終擺脫不了與羅丹分離之後,精神上飽受煎熬的痛苦,而反觀法蘭西絲離開了畢卡索以後 ,反而更能找到在藝術和心靈上自我的突破 , 或許是兩種對愛情的觀點與取捨,抑或是兩種不一樣感情態度,在遇到不同的人就會起了不一樣的化學反應吧!

在兩部影片中,大多是站在女性的角度去評論.看待羅丹與畢卡索,讓我看見他們對感情的不忠心,在許多女子之間產生情感糾葛,令身為女性的我也深感不平,但另一方面又發現了他們對藝術的執著與熱愛,即是這些女性們深深為他們所散發的藝術魅力所著迷的原因之ㄧ吧!但在這一些情感糾葛中 , 這些藝術家們用了自己的顏色與線條的語言,勾勒出自我的感受的形狀,讓人們在這些色彩繽紛的創作裡看見藝術家豐沛情感的流露,而畢卡索的一生就像是一連串的驚嘆號, 尤其那天馬行空的想像力與澎湃不息的生命力更在西方畫史上留下璀璨的一頁,從藍色時期到粉紅色時期,而後的立體派與古典時期等, 因生命每個時期遇到不同女性,而產生了各種變化多端的繪畫風格,可說是用藝術記錄自己人生最佳的寫照,而畢卡索創作了數量驚人的作品,展現了他過人的體力,作品中訴說著他如何利用浪漫絢麗的感情生活,交織成燦爛而豐富的藝術歷程與創作。

散文小品令人人細細品嘗 - 維梅爾/吳庭萱

維梅爾的圖畫，就像是靜物畫，有人物的靜物畫，不是像一般畫家要表現圖畫的生動，也不是紀錄一個場合之類的(像是一場宴會的舉行)，他的圖畫是捕捉一個動作或是「短時間的畫面」而成為永恆，譬如「倒牛奶的廚婦」這個瞬間的動作就像照片一樣被「定格」的感覺，並不會覺得倒牛奶的廚婦動作好像很生動，而是像桌上的靜物一樣是靜止的，但可貴的地方就在於這不是相機所能取代的功能，畫家用筆觸、光影變化所營造出來的感覺有種簡單的滿足感、氣氛很祥和恬靜，就是一種鄉下農村的感覺。

「戴珍珠耳環的少女」給我的感覺就像是她正回眸淺淺的一笑，這個瞬間也被定格的感覺，不用像影片有那麼多因果關係，其實有時只要一個陌生或不熟識的少女也能傳達出這種感覺。背景用深色很能將氣氛處理得很寧靜，又可以讓人專心看到人物本身，少女看起來有種很清澈的感覺，但她的微笑又感覺很神秘。很特殊的美感，第一看到她不會很注意，但是後來發現是很耐看一幅作品。

林布蘭以注重光影變化聞名，而且他的人物看起來很真誠，能讓人從心裡喜歡他的畫。他跟維梅爾不同的底方在於他的人物很生動，感覺很真實，不是只是畫的寫實，而是好像有靈魂的感覺。像是他的自畫像，尤其到了晚年不拘泥於筆觸但人物看起來更真誠。而他的光影變化比維梅爾強烈，維梅爾的光影來自閣樓小窗透進來的，林布蘭的光影好像是自己決定的，不然不可能會有那麼強烈的光影，這也讓人能更注意在光所照射的主題上，像是著名的「夜警」明暗對比非常之強烈，他所要強調的不是警備隊的「每個人」，而是他們一群人在光影下所呈現的畫面。

另外因為林布蘭生前就是個名畫家，他的畫比較偏華麗，像是經典的鉅作，而維梅爾就像是散文小品給人細細品嘗。

藝術之美 - 米開朗基羅/張琇茵

米開朗基羅是文藝復興時期的一位偉大的藝術家，他是義大利的雕刻家、畫家、建築師還有詩人。後世的人可以看到很多米開朗基羅大師的作品，其中「西斯汀教堂的拱頂」上的濕壁畫，是由朱利亞二世命米開朗基羅繪製而成，所有的畫作由米開朗基羅一個人完成。當時的米開朗基羅認為壁畫並不是他所擅長的部份，無奈於朱利亞二世的逼迫下，只好動手繪製西斯汀教堂的濕壁畫，而後，我們才得以看見如此宏偉、壯闊的藝術品。

米開朗基羅是第一位把「諾亞方舟」的形象會畫出來的人，畫中暗灰的色彩，會讓人產生害怕、沉寂的感覺。在「創造亞當」之中，亞當自在的躺著，就像沉睡已久，才剛甦醒的樣子，正要接受上地賦予的新生命，上帝身後的紅，也象徵著生命初出的意涵，其身後的天使，也有祝福的意味。「原罪和逐出樂園」，以樹為軸心，分割出兩個畫面，使一張圖可以表現出兩個故事，左邊的夏娃接受了蛇女的誘惑，右邊則是天使將亞當和夏娃逐出樂園，左右兩邊的亞當和夏娃，其形象很不同，右邊衰老、滄桑許多。在「最後的審判」中，米開朗基羅藉由整幅環狀的構圖，讓人們體會到循環的意涵。

米開朗基羅重視力與美的展現，強調繪畫要如同雕刻一樣，他畫中的女性都是以男性為範本，因其特別強調力的展現，他的用色大膽鮮明，不像達文西用色保守。

對於米開朗基羅的藝術品，欣賞的角度見仁見智，在朱光潛的「談美」中提到，藝術會受不同人的觀感，而有不同的體會，一件物品會因不同人的心態或思想，而有所改變。其中也提到，「凡是藝術都須有一半是詩人，一半是匠人。他要有詩人的妙悟，要有匠人手腕，祇有匠人的手腕而沒有詩人的妙悟，固不能有創作；祇有詩人的妙悟而沒有匠人手腕，即創作亦難盡善盡美。妙悟來自性靈，手則可得於摹仿。匠人雖比詩人身份低，但亦絕不可少。」米開朗基羅不只是詩人，也是匠人，更是一位偉大的藝術家，所以他的作品稱的上是足以撼動人心的藝術，有足夠的力量可以感動人心。「移情作用與美感經驗相關連，它是一種把自己的情感移到外物身上去，彷彿覺得外物也有同樣的感情，就像自己在歡喜的時候，也感覺到大地山河都在揚眉、帶笑。」所以只要心境開朗，任何事物在心中、在眼底，都是美麗的事物。

藝術的動詞 - 創作/蘇郁芬

創作，是一條不歸路，當我們一頭栽進這個世界，藝術又注入了新的元素。雖然拜占庭文化不僅結合了希臘羅馬與基督教，也掺入了中東與波斯文化，多元文化所帶來的衝突雖然不可避免，但百家爭鳴的結果終會有主流出現；在時間的交融中，或許有些分不清誰影響了誰，但在宗教當權的洪流中，藝術仍持續發展，或許在題材中受到相當侷限，只能創作發揚宗教的神性，少了個人情感的流露，卻在裝飾的領域中有了極大的進展。或許裝飾大多只能淪為匠氣之層次，但這卻是當時唯一的選擇。不管是多麼低下的領域，只要我們拋棄成見，尿斗也能成為藝術品，創作不僅是一種創新，它也是一種反動，一種蛻變，只要我們敞開自己的視野。而朱光潛也曾提及一段話足以印證：「凡是藝術都須有一半是詩人，一半是匠人。他要有詩人的妙悟，要有匠人手腕，祇有匠人的手腕而沒有詩人的妙悟，固不能有創作；祇有詩人的妙悟而沒有匠人手腕，即創作亦難盡善盡美。妙悟來自性靈，手則可得於摹仿。匠人雖比詩人身份低，但亦絕不可少。」

創作的魅力之大，除了我們得以因此暫時忘記世俗的紛擾，構築屬於自己的異想世界，也會因為未知的機遇迸出火花，像是米開蘭基羅受教宗之托繪製希斯汀教堂單調的天花板，從雕刻家成了畫家；有時創作是需要靠外界來觸發的，自己有時會太過低估自身能力，就像米開蘭基羅從排斥到沉迷執著，雖然一開始覺得不可理喻、煩躁、迷惘，但創作本來便是無中生有的漫長歷程，目光若過於短淺只想著如何完成反倒扼殺了無限的可能性，當我們遇上瓶頸、迷失了自我時，需要脫離當下的環境、心情，讓自己回歸到最初的立足點；當我們的心回到澄澈，山上的風起雲湧也能成為不朽的鉅作。

人之所以特別的地方在於懂得思考，富有感情，從創作的過程中我們可以了解藝術家是如何處理他的作品，是為了迎合世人，或是忠於自己的信仰。有句話說「江郎才盡」，這是有跡可尋的，大家一開始或許沒有成熟的技巧，卻有勇於揮灑的快樂，但當我們漸漸了解所謂的學派與技法時，為了練習而模仿時，也相對為理論、前人的窠臼所設限。當我們歌頌古人的精神時，卻忘了當初他們的脫軌受到了多少人的輕蔑與諷刺，現在的我們或許覺得印象派、巴洛克、野獸派等名詞很具盛名，卻忽視了背後隱藏了多少鄙視。我們總為了方便大家參考而制定了一套標準，也因此定型、僵化了思想，排除了其他的可能性，使得有些人被迫做著非出於本意的事情，讓我想起日劇《工作狂人》的一句話：「有時候不能捨棄的東西，卻是不得不捨棄的。」或許是為了保住面子、滿足虛榮心或是家人的期望而壓抑了自己。而能流芳百世者，並不是每個人都有著豐功偉績，而是他們掙脫了世俗的眼光，勇於追求、堅持理想進而樂在其中，即使注定路途坎坷，能一生只做出於本意的事，而非他人干涉決定是很不易的。

現今的社會其實可以發現，很多藝術家並非出自於學院派，從零開始學起是熱情最多的時候，身上少了包袱，多了純粹的喜悅，與迫不及待的躍躍欲試。只要我們願意拋下思想的偏見，重新感受周遭的一切，小小的熱情可能是改變世界的原動力，或許忘情的投入未必能有相對的報酬，卻能讓我們深深感受生命的存在！

愛情的偏執 - 畢卡索/賴亦晨

在欣賞＜忘情畢卡索＞之前，我對畢卡索只有粗略的了解，畢卡索之所以奠定了他在藝術史上的地位，是由於他建立立體派，對於他作品的認識，也只知道僅僅的幾幅總是和女人有關的，總是在畫面上看到許多的女人，由各種不同角度的五官、肢體所組成，也覺得欣賞他的畫作需要用一些不一樣的角度來觀賞，他的畫總是變形後再重組，對於他還不甚了解的我，總是陷入了看不懂的問號裡。

在觀賞＜忘情畢卡索＞這部電影時，電影裡的年代已經直接在畢卡索已經認識了朵拉，而法蘭西絲緊接著出現，對於畢卡索怎麼從藍色時期、粉紅色時期進入立體派和他的後期風格，我仍一無所知。配合著我返家找尋和畢卡索相關的資料，再回想觀看這部電影時，我想以－個偉大的藝術家而言，我對於畢卡索是尊敬的，從電影中可以看到當他在創作時，驚人的專注力和認真的工作態度；但在這部電影當中，我看到更多的是他穿梭於他的各個情人之間，和他沒有住在一起的妻子，已經離異的芭蕾舞者，在他作品中總是以哭泣、歇斯底里形象出現的攝影家朵拉，還在唸藝術大學的法蘭西絲，以及最後出現的陶藝家。

那個時候我不停的在想，是不是偉大的藝術家的背後，都是需要一些和常人不一樣的生活，來維持或刺激自己的創作，畢卡索總是以自己生命中的每－個女人，在腦海中構圖繪畫著，愛情是不是他創作的動力。而可以看到的是尚在唸藝術大學的法蘭西絲，臉上對於習畫的堅定，而面對藝術大師畢卡索時，神情所散發出來的光芒，就像是帶著朝聖的意念，一步一步的走向他。

而在電影裡我無法詳細的觀察出，在他們在一起的大約十年間，他們的創作是如何的彼此影響，但有一幕是令我印象深刻的，畢卡索看著法蘭西絲，拿著畫筆，把他所有的五官身體什麼的全部打亂，在慢慢的拼湊在畫布裡，尋找他心中認為的最適，以及法蘭西絲拿起畫筆時的執著。

這部電影和＜羅丹與卡蜜兒＞最不一樣的地方，我認為在這一段戀情裡，羅丹由於無法給卡蜜兒承諾，而又不願放開她，由於他們的在一起，羅丹似乎激發了自己無限的靈感，有些時候，愛情是刺目以至於令人睜不開眼睛。而由於她忘記了卡蜜兒的執著，他無法接受自己無法成為羅丹的唯一，而選擇離開，離開了羅丹之後她等於離開了藝術圈，找尋不到買主，在創作上總是要受到大眾的質疑，在自己孤單創作的這條路上，她漸漸的不得志。我想身為一個女人，尤其是一個才華洋溢的女人，也許你在愛情裡找不到你所想要的，如果連自己的能力都遭到否定時，你會問問自己到底還剩下些什麼吧，也因此我認為這些都會將自己逼上毀滅之路。

對於愛情，我想法蘭西絲就比卡蜜兒聰明的多，相較於兩個女人都無法成為他們的唯一，都選擇了離開，但離開畢卡索之後的生活，法蘭西絲似乎過的好一點。我想每個人對於愛情都有一些偏執的成分，尤其是藝術家，但我想有本書叫＜絕版愛情＞，裡而總共描述了13對藝術界的情侶，關於他們的愛情，我想我可以在完成這篇文字之後找來看看。

而最後我想要說的，在看＜忘情畢卡索＞時，對於以一個女人的角度來看畢卡索，我想我是不欣賞他的，所以我需要更客觀的東西來作評價，但他藝術大師的地位我想是沒有人可以憾動的。

走出自己的路 – 畢卡索/張愔媃

記得小時認識畢卡索這一位藝術家時，大家總會用諧謔的語調說，隨便亂塗亂畫也可以當畢卡索！直至現在小朋友也是如此玩笑著。但是進入畢卡索畫作後，腦海中的印象開始重新排序，以往認識的藝術家在空間和顏色及主角上都相當重視與實物間的相像和逼真，或重視宗教故事，但畢卡索走出一條截然不同的路。他早年也精通學院素描，卻可以從傳統的路解構出來，將他體會到的事物重新組合，在抽象畫作中欲傳達的故事，無法一眼就知道，也因為抽象，所以給了觀賞者更多的想像空間，在欣賞的同時，將自身的經驗和作品交流，而可能有新的火花產生，留下深刻的印象，有別於以往畫作容易過目即忘。在畢卡索的畫作中，有幾幅畫表現誇張，嘴巴張得很大，眼睛在鼻子下面…等，看似哭泣的女人，這是畢卡索從生活中取材，畫的是深愛著他的朵拉。他將對朵拉的情感，和對於朵拉歇斯底里的情緒重新整理後，用畫捕捉了印象中的朵拉，知道了他的創作歷程和想法，再欣賞畫作以後，對他的畫除了讚嘆外，更喜歡看畫之餘也同時在閱讀畢卡索的故事。

在人生現實或心理方面，愛情這一門課題，始終是一個沒有正確答案的玄疑問題，卻也同時激發了內心情感在尋找出口時的最大可能性，在羅丹和畢卡索身上，他們都強調作品要有自己的靈魂。羅丹在感受卡蜜兒用大理石雕塑的腳部時，他把臉貼近大理石，用手感受圓潤的線條，作品彷彿有生命、有溫度一般，活生生的存在著，羅丹才願意在腳上簽名。而在法蘭西絲開始創作後，畢卡索告訴她，要有自己的想法，而不是模仿，模仿沒有生命。在抽象的畫作中，畢卡索仍可以感受出細微的不同，她指出法蘭西絲畫作中的線條，應該再細膩一些。他們願意提攜後輩，但堅持不要一味的模仿，要她們走出自己的路，給她們一個方向，就看她們如何走出屬於自己的路。我們看見羅丹和畢卡索，在不同的女人之間來來去去，在這去留之間也留下了不少的經典作品。也可以理解藝術家源自心底的不甘寂寞，不甘於安分的衝創意志，通通揮灑在作品上，擁有自信無比的驕傲。

自己的一片天 -忘情畢卡索/王俞婷

從歷史文獻上，可以得知畢卡索為藝術史上不可多得的天才畫家。在我的印象中，這位大師畫作的畫風變化多端，他的風格隨著生命中不同的際遇、相遇不同的紅粉知己而改變。因生活貧困、好友自殺，使他的畫作裡充滿陰冷、憂鬱的藍色；隨後因遇見了費南蒂‧歐利維耶，讓他對生命充滿了希望與鼓舞，展開了「粉紅色時期」…；隨著他遇見的人愈多，他的靈感也如泉湧般不停的浮現，他把遇見的紅粉知己，融進自己的畫作之中。在＜忘情畢卡索＞影片中，也透露了此事，當畢卡索遇見另一位新歡時，就會不斷地以那位女性為模特兒，不時出現在他的畫作。我想這就是藝術家的天份，從自己周遭生活去截取題材、獲得靈感。影片中的呈現，這位大師十分有趣，雖然他已年過半百，但卻是一個精力旺盛的人。有一幕，他到鐵工廠去撿拾廢棄零件，然後帶回工作室重新組合創作成另一件藝術品。之後，他以讚賞的眼光看著自己的傑作。那一幕，真的很有趣；那時，很欣賞他能夠秉持著自己的想法，去創作自己所要的一切。

與之前的＜羅丹與卡蜜兒＞相比較，兩位女性似乎有那麼一點相似，但兩者又非全然相同。卡蜜兒成為羅丹的學生後，成為羅丹創作的泉源，她把自身的才華隱藏在羅丹之下，或許是因羅丹創作部分來自卡蜜兒，所以有一段時間他們兩人的作品是如此的相似，以至於卡蜜兒的作品被說是摹仿羅丹，縱使如此，為了愛，卡蜜兒願意犧牲一切。這場戀情中，卡蜜兒失去了創作上的自我，且創作的作品少之又少，令人十分惋惜。直到她離開羅丹後，才擺脫了這些枷鎖，重新創造與羅丹相區別的風格。離開羅丹後的卡蜜兒，看著羅丹的名氣日漸蓬發，而自己雖積極創作，但卻得不到世人的賞識，最後患了精神上的疾病，抑鬱而終；一顆有著極大力量的星星，在未爆發前，就這樣隕落了，令人為之悵然。在電影中法蘭西絲向舉卡索學畫，雖然她為畢卡索的學生，但畢卡索教她的卻是畫畫以外的事。畢卡索不親自教她作畫，卻帶她上拜訪另位藝術家馬諦斯（這個部分我的體悟比較不明瞭），我猜想，畢卡索並不希望法蘭西絲與自己走相同的風格，他要法蘭西絲自己去接觸、自己去體會身邊的東西，用自己真實的感受，去描繪這個世界。雖然這場戀情依然是個不完美的結局，但比較好的一點是，法蘭西絲最終離開了畢卡索，並沒有因此而意志消沉，相反的，她自信地找尋到屬於自己的一片天。

你看穿我了 - 維梅爾/簡夢禪

對於這部影片，我印象最深的是，當維梅爾讓葛里葉看他將要完成的作品時，葛里葉說：「你看穿我了！」當時，我便對這幅畫十分好奇，究竟是什麼樣的一幅畫會讓被繪畫的人說出「你看穿我了！」呢？又看穿了什麼？從哪裡可以看出畫家看穿了自己？直到影片的尾聲，這幅畫終於揭曉了！我對這幅畫的第一印象是：背景好濃黑啊！背景的黑，與畫面中女子色彩的亮麗形成了強烈的對比。記得這部影片中對於畫家擅長處理光影效果有諸多描述，當我仔細的去看這幅畫作時，不禁被畫中少女那一臉嬌嫩、潤澤的雙唇、以及那對水靈的雙眼所吸引。影片中畫家要女孩舔一舔乾燥的嘴唇，一次又一次，無非是在為那短暫的濕潤美感做捕捉，維梅爾利用了明暗對比的效果，不僅在雙唇，光線更是聚集在少女的臉上、碧藍絲巾、以及那顯眼的耳環上！那，究竟從哪裡可以得知被看穿呢？

我想，一個人最誠實的地方，莫過於眼睛與眼神。當我們做了虧心事時，總是不敢直視他人，眼神也會閃爍不定；然而，在這幅圖畫中，少女明亮的凝眸以及那似乎想說些什麼的唇瓣，最是令人難以忘懷。而整幅畫作以黃色、藍色和黑色為主，雖然都是偏寒色系的色彩，卻給人一種平靜安寧的祥和感，讓人覺得，畫家似乎只是將真實世界的人物轉移到畫布上而已！

另外，值得討論的是，維梅爾似乎很喜歡繪畫窗邊的人物。從影片中的畫作靈感來自於葛里葉在擦拭窗戶，以及「倒牛奶的女僕」，都不難發現，維梅爾畫作的光源多半來自於由窗外照射進室內的自然光！雖然我不知道這在畫作上有何種作用，但卻感到這樣的光線相當自然且柔和，對於維梅爾作畫喜好用偏寒系的色彩來說，有一種消融的感覺，讓畫面頓時溫暖了起來。

至於巴洛克時期的藝術風格，大約可分為二種：一是藉由作品來傳達政教統治權威性的作品，這類的作品畫幅尺寸都較為大型，色彩華麗且構圖複雜；二是反對繁複與裝飾，以簡樸為訴求的創作。維梅爾和林布蘭，皆屬於後者的作家。這一類的作家，他們作畫是為了謀生，由於國家體制的改變，所仰賴買畫的贊助者已經由教廷或貴族轉變為中產階級，畫家們為了維持生計，不得不改變風格來迎合顧客，因此繪畫的體裁以反映一般市井小民生活景象的生活畫、靜物畫和風景畫為主，內容也較為多樣性。

無論是維梅爾或林布蘭，在對於光影的表現手法上都受到卡拉瓦喬的影響。相傳維梅爾師承巴倫特‧法布利契亞斯，而法布利契亞斯即是林布蘭的學生，因此，在光影的處理方面，兩人有些相似之處。然而，以維梅爾的光源多半是自然的光線而言，林布蘭的光源則是一種假設性的燈光。另外，林布蘭畫人物時，雖也經常是選擇一片烏黑作為背景，但他的筆觸豪放不羈，又常應用幾近粗糙的厚塗法，因而作品顯得粗曠得多，明暗也形成了強烈的對比，使整幅作品充滿了躍動和戲劇性，令人感到莊嚴、哀淒與沉重，與維梅爾的作品令人感到平和、恬淡、溫馨相較之下，是兩位大師之間最大的差異。

藝術是否是主觀的？/吳宏文

我覺得藝術創作是十分主觀的而且封閉的。每個人創作的作品都先從欣賞，將美的事物映入眼中，經過選擇及除去，在腦中形成屬於自己的畫面，然後再經由手或是其他方式的展現，將腦中的畫面呈現的畫面用自己的方式展現出來。就算大家都是欣賞同一個景色，但是腦中呈現的畫面卻不一定相同。兩個人腦中的畫面相同，但是表現的方式也會有不同，有人用文字，有人用舞蹈，表現方式的不同，也會造成創作上的差異，所以藝術的創作是主觀的。而在欣賞直到創作出作品的過程中，都是在自己的腦中進行，外在的東西頂多只能影響，沒有辦法干涉，於是會說藝術創作是封閉的，自身體內的封閉。在吸收了外在的資源後，要經封閉沉澱一段時間，才能創作出屬於自己的作品。

因為藝術是主觀的，所以當我們欣賞景物的美時，那樣的美不是那個景物單純的美，其中也包含了主觀意識投射其中，會依照自己的喜好來美化那個景物，所以那不是景物單純的美，而是自我內心的美化。雖然我們身旁充滿了美，但是我們往往先入為主的先想起她的實用性，而忘記它的美感。於是現在的藝術家，便把日常所見的設備事物放進展覽會場，便是希望人們可以抽離出它的實用性，單純欣賞它的美。同樣的道理，也可以用於生活道理中，所以得不到的東西總是最好，因為對於他不夠深入的了解，又有距離，才會讓人如此的渴望。

藝術是主觀的，不過在藝術的演進中，都會有一種共同的趨向，同一個時期的藝術家都會有相似的風格，然後就後人歸類為一個畫派。藝術的歷史是不斷的波動，莊嚴過久，便希望可以活潑，活潑過了頭，便想要沉澱，而沉澱的太過壓抑時，又想要來點熱鬧，於是如此的不停的來回修正，希望可以修正到一個最完美的境界。像是巴洛克時期，剛經過合諧平穩的文藝復興，所以會呈現一種歡樂的氣氛，一種熱鬧華貴的感覺。過度的包裝，華麗的色彩，就像是經過精心包裝的糖果，很甜很美，但是又有點膩。

藝術要用客觀的距離來成就 - 忘情畢卡索/郭旻芳

對於畢卡索的印象在看電影前一直是很模糊的，要我說頂多只能想到他那些看起來由許多不相關的物件組合而成的畫。但在看完忘情畢卡索後我才發現，以前那些對我看似無意義的畫許多都是由他生活周遭發生的事物記錄而來，尤其是在他身邊從來沒有一刻停止、不同女人的陪伴更是他創作靈感的來源，他歇斯底里的舞蹈家前妻用鮮豔的紅色來描繪出她的模樣，在抽象中又帶著些許的`真實。除此之外，畢卡索的畫雖然如我前述的是從他本身經歷的一些事情而來的，但卻又在他的畫中讓人感到些許的由旁觀者的角度來描寫這些經過，就像電影裡法蘭西絲跟他瘋狂的前妻爭吵打架那一幕，他僅只在旁邊自顧自的畫畫卻不插手干預兩個女人之間，明明爭吵的大部分原因來自於他，但確在一旁旁觀。這讓我想起了朱光潛曾提到的藝術要用客觀的距離來成就，若不是畢卡索的畫每每都是客觀的去畫出，跳脫了自己該擁有的許多強烈的主觀感受，我想畢卡索的畫必定不會如此的多產，因為當他深深的涉入每一段故事的同時，他必定又會錯過另一個畫畫的好時機。

在羅丹與卡蜜兒和畢卡索與法蘭西絲之間，膚淺的看到的或許只是兩個男人對於自己的感情的沒辦法從一而終，但再深入一點探究，我發現卡蜜兒與法蘭西絲會和羅丹與畢卡索開始有瓜葛一切都是從自己本身對藝術的狂熱進而愛上那男人。但卡蜜兒與羅丹之間感覺到的是彼此間的立場是對等的，因為卡蜜兒本身就有自己的想法、對雕刻也是本來就有那天賦在，因此對於創作這件事，是不太需要羅丹來指導，彼此間相輔相乘造就了中期的許多可以窺見彼此間深刻的愛的作品。但法蘭西絲跟畢卡所之間，感覺的到的是法蘭西絲的創作每每需要畢卡索來指點，缺乏了自己的想法，像是變成了畢卡索的附屬品一般，因此在兩人相處的地位上法蘭西絲也因此而矮了畢卡索一大截，但當法蘭西絲離開畢卡索後有了自己的個性，畢卡索反而對她難以忘懷!在兩個藝術家與他們的女人之間，我看見了因為彼此間才華的差異而造就了不一樣的結局。

談美 <擷取>

藝術活動是「無所為而為」的。我以為無論是講學問或是做事業的人都要抱有一副「無所為而為」的精神,把自己所做的學問事業當作一件藝術品看待,祇求滿足理想和情趣,不斤斤於利害得失,才可以有一番真正的成就。偉大的事業都出於宏遠的眼界和豁達的胸襟。人心之壞,是由於「未能免俗」。什麼叫做「俗」呢?這無非是向蛆鑽糞似的求溫飽,不能以「無所為而為」的精神作為高尚純潔的企求。總之,「俗」無非是一種缺乏美感的修養。