藝術論述之三<文化研究> / 沈昱彤

在當今，文化研究也是重要的課題。不論是女性研究、後殖民主義、新歷史主義甚至是環境的問題都是引人關注的。多元的文化帶給我們真正的影響應該三思，例如路上隨處可見的麥當勞，這就是美國人的文化，從小到大陪伴著我們的麥當勞深植在我們心中，日本料理和泰國菜的普及，伴隨著時代的成長和科技的進步，多元文化漸漸的在不同的國家間相互的融合，產生了多而雜卻讓人喜愛的面貌。但是相對的，我們是否已經漸漸的淡忘本土文化了，我們以應不記得上一次吃稀飯配將瓜是什麼時候，文化的多元卻漸漸的變成了文化工業，這就是多元文化所帶來的負面影響，我們被不同的文化影響，無形中也被他們同化。如同阿多諾說的文化工業，我們被她國文化殖民，後殖民主義的興起，就是要反對此。

除了後殖民主義外，例如女性主義的崛起，讀過拉岡的精神分析理論、傅科的話語權力理論以及德希達的解構主義思想後，了解到過去的女性是在男人的話語與權力下建構出來的。雖然曾經出現過許多另男人聞之色變的「女性主義」的理論或創作，但吊詭的是這套女性主義亦是在男人的話語與權力下建構出的理論和社會所支撐。因此許多女性主義者試圖以站在女權立場上來消解男權中心的『女性寫作』、『女性閱讀』進而發展到『女性美學』與『女性藝術』，這些都是要減弱一種以男性的『男權中心』和『陽具中心』的解構性思想。

新歷史主義方面，傅科的話與權力理論中提到，以往的歷史都是由有權有勢的人所編織的ㄧ套直線合理的歷史觀，但是事實上，歷史是波動的、意外的，往往有許多天外飛來ㄧ筆的小插曲，所以，我們應該重新找尋這些被遺漏或是故意忽略的歷史，真正的歷史面貌應該更龐雜、更豐富。環境問題方面，地景藝術的出現，這和裝置藝術是大大的不同，地景藝術是在原本的大自然上稍加裝式，告訴我們這裡有著大自然，千萬別忘了他們。文化研究都是和我們切身的問題，這是對於過去做反省和繼承，樣貌繁雜卻非常的有趣，也顯示出在多元文化的社會中不斷引發大中思考和督促自我的功能，能對於自己生存的文化進ㄧ步的了解，就像探索自己生命的未來旅程般的刺激，所以在多元文化中，我勇於挑戰，也樂於挑戰(全文完)。

藝術論述之二<美學> / 沈昱彤

在美學方面，看了朱光潛的『談美』，有言：「藝術是情趣的表現,而情趣的根源就在人生，反之，離開藝術，也便無所謂人生，因為凡是創造和欣賞都是藝術活動。」這句話為此書濃縮之精髓，作者認為藝術其實是個人生命的展現，在生活中以小孩般純真不受拘束的遊戲心態，真實地將自己內在直覺以藝術形態表現出，不複製他人的藝術角度，誠實地流露自己內心世界的美感於生活中。

這就如同莊子的美學觀念，在莊子內七篇曾提到他的美學觀，莊子把「自然」當作人生的歸宿。莊子認為宇宙萬物的本體是「道」，「道生萬物」而又「道法自然」，他告訴我們應該心齋坐望、滌除玄鑒，只要我們內心平靜、澄澈透明，抱持著『無質』的心態，一旦什麼掛念和利益都沒有了，我們就可以沉浸在藝術中享受藝術。藝術就如同遊戲一般，可以讓人抒發壓力，並且滿足自己的理想和情趣。因為當人們在欣賞藝術的時候，內心抱持著某個目的，就會使我們離開藝術的情境中。哲學家康德在他的判斷力批判中提到審美的四契機。其中一項是：『藝術是無目的的何目的性。』這就是告訴我們當我們脫利益的去欣賞藝術，我們就可以感受到藝術的感染力，沐浴在藝術的精華中。如此我們就可以得到審美的快感，而欣賞藝術的目的在無形間就達成了。但是，相反的，若我們不是脫利益的去欣賞藝術，我們便會被旁邊的事物或雜念牽引著，例如看畫卻是看名氣、看價錢等等，使藝術落入俗套了。

藝術是讓人自由的發揮自我的理想，藝術就是『想當然耳』，我們不需要有任何功利的心情就可以沉浸在藝術中。在過去的藝術似乎都是服務於皇宮和貴族，是偉大的高藝術，這種高不可攀的感覺不襟使人對藝術產生了壓迫。到了馬諦斯，他的作畫是純色平塗，其目的就是希望簡單明瞭，馬諦斯曾說：「欣賞藝術就是直接的看他表現什麼，不需要深度的透視，也不需要明暗法，看我的畫就像躺在一張舒適的安樂椅上，是不花腦筋的。」所以，藝術在後現代，或者說第二現代的我們，隨著科技和知識的普及，我們可以隨時的體驗到藝術，只要我們『無質』、『脫利益』，就可以解放在藝術的快感中，藝術不是利，也不是為了達成目的的手段，藝術更不是偉大的形而上論述，因為人人都可以是藝術家，而且生活就是藝術。這並不像黑格爾說的藝術最終將走向消亡，而是藝術已經走入人心，藝術是普羅大眾的，只要我們以正確的態度和藝術相處，他就像朋友般的可以帶給我們快樂，並且分擔憂傷。

藝術論述之ㄧ<創作> / 沈昱彤

藝術的領域非常的廣泛，在這次的考試中涵蓋了三個部分：創作、美學和文化研究。首先創作的部分，這學期欣賞的影片『萬世千秋』，是一部關於米開朗基羅的影片，雖然片中主要在描述他繪製西斯汀大教堂頂蓬畫的經過，但是也可以看出他對於雕刻的熱愛與天份。

米開朗基羅不但是一位偉大的雕刻家、畫家和建築家，還是一位偉大的詩人。他比達文西年幼23歲，卻比達文西晚去世45年，度過了成就卓越且漫長的一生。達文西把藝術視為科學，賦予藝術理性；米開朗基羅則把藝術視為同上帝的創造一樣神聖的個人創造，賦予藝術力量和激情。他擁有過人的精力、雄心勃勃的創作、深邃的思想和無所畏懼的性格，使它成為藝術史上具有浪漫氣質的超越時代的藝術大師。在萬事千秋這部電影中，米開朗基羅ㄧ心認為他的專業在於雕刻，並認為是藝術的勁敵存心要讓他出醜，憤怒之下接受了這個委託，並在教皇的促使下激發了米開朗基羅的潛能，因為米開朗基羅傾心於陵墓的工作，所以在四年後完成了西斯汀大教堂的頂蓬畫，面積之廣大，天頂呈現拱型，上面畫著聖經的故事【創世紀】。米開朗基羅必須搭著高高的鷹架仰天而畫，常常不眠不休甚至用壞自己的眼睛，且每一個圖案都是經過打底，而溼壁畫的工程浩大，可見米開朗基羅的不凡與偉大。

米開朗基羅受到新柏拉圖主義思想的影響，認為人的精神與肉體是相對立的，軀體束縛著人的靈魂，它可望把人體和靈魂從頑固的石頭中解放出來，以滿足她精神上的追求。因此他在雕哥這種平靜的動態中，賦予人的內心緊張和騷動，這就是人的靈魂和肉體無法調和的矛盾，也使的他的雕刻存在著悲劇性。
片中開頭介紹作品中，『大衛像』就是他著名的雕刻作品，大衛像體現出古典美和英雄氣慨，這作品完成時你開朗基羅還不到30歲，已經被認為是當時最傑出的大師之ㄧ了。相對於米開朗基羅想法的雕刻家布朗庫西，他不認為石頭中靜固了人類的靈魂和軀體，而認為我們應該因材施雕，不應該不尊敬石頭。如同他著名的作品『吻』，我們可以看出時頭的質感和有的外型，他只是在石頭上稍作雕琢。在中國霍去病的墳墓外的石雕群，也是因材施雕的展現。

另外，在西斯汀大教堂頂蓬畫最富想像力的ㄧ幅是『創造亞當』，這靈感是由日出時的雲朵而得到的，在這幅畫中米開朗基羅表現了上帝用泥土塑造亞當以後又賦予它新生命的場面，在這裡她凸顯了創造的偉大和神奇，亞當躺在地上充滿了男人應有的健壯美，上帝正要伸出手來將生命灌注於亞當，我們也看到亞當正由沉睡中漸漸疏醒的模樣，這就是把靈魂傳遞給人類的動人時刻，這裡的上帝被描繪成身體壯碩和精神煥發的白髮老人，此形象便成為世世代代人們心目中的上帝。

聖化農民的田園大師─米勒 / 林俊孝

19世紀中期的社會秩序正面臨著貴與賤、富與貧的二元階級對立。以歐土上的強權─「法蘭西斯」為例：1830年屬波旁王朝的查理十世悍然解散國會及頒布了四項非常法令：取締報紙的出版自由、解散新眾議院、修改選舉法「只有繳納高額土地稅者才有被選舉權」、大選於九月進行。以此「四項非常法令」是為「七月革命」的導火線；法案頒布後群眾運動亦有擴大之勢，巴黎人民築起了街壘，同政府軍展開了激烈的戰鬥，攻占了市政廳，且升起三色革命旗幟。最後在幾團政府軍的倒戈下，戰事起了急遽的轉變，查理十世出逃英國，波旁復辟王朝為之覆滅，七月革命最終取得了勝利。但由於共和派的軟弱無力，使得大資本家竊取了政權；金融家們組織了臨時政府且擁戴了奧爾良公爵─路易腓力為國王，開始了大資本家的統治時期，史稱「七月王朝」。但共和派的稅收政策引起廣大農民的不滿，因而懷念起1793年的憲法，加上當時代贊同雅各賓派的「土地法」，農民把這些成果和拿破崙連結在一起；以為一個名叫拿破崙的人將會把一切失去的福利送還他們，因而成就了拿破崙的姪子路易‧拿破崙的崛起，一時間於1848啟動了「二月革命」，革命暴發後打碎了於維也納會議（1814-1815年）後建立的梅特涅制度（1814-1848年），戰事隨即在歐土各地發酵，但最終各地的起事終未成功。而米勒也正是此一歷史背景下的印像派畫師。

當代普遍為全球所喜愛的藝術流派，可說非「印像派」莫屬，而米勒作品中的「精神性」往往深刻影響著印象派的眾多名家，其中又以梵谷最為推崇。但米勒的影響也不止於此，甚至影響當今許多共產及社會主義國家中的藝術風格；將不起眼的社會小人物，畫的有如偉人一般，且具尊嚴及高潔的感受，無疑的受到了米勒提升農民、勞動者的深刻啟發。

米勒是一位大器晚成的畫家，早年的他極為貧困，且曾描繪過無數的肖像畫、裸女畫……以維持生計，但卻不如想像中平順，且曾遭顧客以畫像與本人相距甚遠為由，慘遭退件。直至1848年「二月革命」爆發後，米勒的畫風起了急遽的轉變，並於此時逃離戰亂的巴黎前往「巴比松」一地創作，另闢了一塊藝術創作史上獨具特色的自我天地；這些作品與當時代的作品迥然不同，其生命力、原創性獨具，一改原來以神話、歷史、文學為主的創作題材，轉以描繪日常生活中勞動者的形象，於1850年展出的《篩穀者》實為米勒風格的確立，成功的呈現出農民生活真實的一面。但不幸的，米勒的作品於當時代因政治、社會的關係，有著兩極化的評論；即使米勒曾公開澄清他，絕未在作品中加入任何的政治色彩，當時代的評論家往往據其自身「政治立場」妄下斷語；於保守派評論者的眼中，農民是搗亂社會秩序的潛在不定因素，認為米勒的畫粗俗不堪，有製造動亂的危險。另一方面左派評論者則指出，其畫作正傳達出勞動者的偉大與尊嚴。除此一般單就藝術眼光評論的大眾亦有著兩種不同的評論；以《播種者》一畫為例，有人說：「都麼富有詩情畫意的美麗作品呀！」另一派則批評：「這只是一件主題交待不清的隨興之作。」評論差距之大，以此便知一二。此處我們可體會到，藝術配以現實的態度來觀察，實為觀賞者本身的悲哀，因此喪失了一次體驗「美感」的機運。

米勒終其一生，試圖描繪著童年記憶中農村生活的人與事，無疑的正是他創作的主要意圖，可是農村生活的描繪，米勒並非第一人，為何相關於農村生活的描寫，米勒在藝術史上會佔有崇高評價呢？

正因為米勒以其個人情感，配合其堅實的繪畫技巧，使田野中不管是休憩或工作的人們，即使看不清楚他們的面部情感；因為往往是俯向土地，配合其陰影的描繪，使人難以捉摸其真實的情感。配合著他們日常生活中的勞動，卻能單憑的著他們身體的姿勢、節構，散發出一種「宗教性」的崇高。除此「人本主義」可說是他每件作品的創作元素，直到20世紀七零年代後，對於米勒才得以跳脫以往因政治而導起的兩極化評論，而受到當代大眾的全面肯定。

生活美學 / 林俊孝

現實生活是由緊張、壓力、不滿……種種元素建構而成的，面對著生活也許你我充滿絕望，亦或者無所適從。對於眼前的景物，也鮮少有時間細部地品味，但當你我汲汲營營在追求目標、業績或者課業的同時，你我錯過了多少感動？哪怕是一幅畫、一首曲子、一張照片或者一晃而過的美景。「人之所以異於動物的就是於飲食、男女之外還有更高的企求，美就是其中之一」這句截自於朱光淺《談美》中的文字，說得真好；你我急切於現實的同時，若少了「美」的體驗，又與動物有何分別呢？此刻，不如放下你手中的要務，好好地聽一首曲子，觀賞一幅畫作，或在每天必通勤的道路上，同以往不曾注意的事物好好地邂逅一番，以此種種將會使你我的心靈世界更為充實。若你仍汲汲營營於現實，你將必須體認；過往不管發生過如何轟轟烈烈的成功及失敗，但這些終將過去，僅有那人們心靈的結晶─藝術品會留下來；此刻不管現實生活上你獲得了多少，他們終將同你離別，但心靈卻是一輩子的，而美正是心靈無疑的「昇華劑」。

消遣是人暫且脫離現實繁瑣的方式，但人們往往本著「現實」的態度進行消遣，哪怕是看新聞、玩遊戲、吃頓飯……，但這些方式對於提升「心靈」是毫無助益的，以此種種僅能是「實用」的意義；實用的態度起於實用的知覺，實用的知覺起於經驗，在你眼中僅認知到飯是喫的、水是喝的，對於生活，僅有那份實用的認知，且以實用的態度來達成你所想的「快感」，而非心靈的「美感」。

「美是何物?」美相對於現實是有距離的，它是孤立且絕緣的。我們無須以現實的道德、法律、法條……來評斷眼前的事物。除此觀察藝術品時，我們無須過份的聯想；僅須以「點、線、面、形、色、質」來探究眼前的景像，以此我們可認知到「美」是何物？它並非那一瞬而來的「快感」，它起於一個可云其實的「直覺」；這直覺起於那孤立且絕緣的影像，且這影像須以「點、線、面、形、色、質」來探究，而非現實的一切附加。也正因其孤立性，使你我獨立於現實之外，以「無所為而為」的態度來探究生活中的「美」，你我也正是心靈中的主宰。

提升「美學生活」，除了就身旁的事物做起；使你我以美的觀點去探究日常周遭的事物，且享受於那永恆的感動，於此你將會感受到生活將不只是生活，且相較於他人，你將會擁有一顆相較於他人更為充實、感性的心。若你還有餘力，不妨注意周遭的表演或者展覽，以更親近的距離去體驗美的感動，近期內有一項極為重要的「美展」，也正是來自於法國─「驚艷米勒－田園之美畫展」。伴隨著現代社會的發展，都市化及工業化遍佈於周遭，再加上科層制度的極端發展，使人們的生活更為緊張且疏遠。美是有「距離」的，且人總不滿於現況，對於不同於自身生活上的一切事務，總有著一種「理想化」的好感。米勒；一位聖化農民的藝術大師，他的作品也正能滿足此刻心靈失溫的你，他的描繪主題時常是一般生活當中實不起眼的農民，但透過他純熟的藝術技法及構圖能力，總能提起你對田園生活的感動，也使你我將暫時脫離這繁囂的世界，讓心靈更為昇華。

於此筆者將透過其時代背景的分析，使你更認識這一位偉大的藝術家，且透過文字讓你探知他的生平及創作。藝術及文化，不管在世界的各個處於不同文化圈的國家總有其相融的一面，僅管政治上是分離的，文化總有其相互模仿及進化的一面。若論及藝術也正是如此，最後我們將探討米勒對於當今社會亦或者哪一位畫家又有何影響，以此種種將會是我們皆下來所要細細探索的。

藝術文化的多元版圖 / 嚴婉真

文化接觸是人類文明發展所不可避免的現象，就文化融合的正面角度來說，可以使不同地區的文化相互交流，增加對他地文化的認識和了解，彼此之間相互學習與包容，甚至相互影響，進而改變或是形塑該地原有的文化概念與特色，使本身文化更具現代性與活力，例如拜占庭文化與東方文化接觸頻繁，尤其吸收了伊斯蘭文化的特色，使用嵌磁的方式做裝飾，讓教堂在有光線透入時，呈現出崇高的神聖感。

而當然這種碰撞與協調並不只可以表現在藝術作品上，也可以是不同的藝術表現手法相互影響，或是於觀點的不同處摩擦與激發，米開朗基羅起初堅信自己是位雕刻家而非畫家，排斥勉強自己在西斯汀教堂的天花板上作畫，但若非如此，今日我們恐怕無緣得見在創世紀中人在被創造、初生時的善良與純淨，使得宗教的意涵可以再次被詮釋，繪畫風格的另一種典範也得以被確立。

但是藝術其實並不是高高在上、有所隔閡的東西，最重要的是能夠感受到精神凝聚、忘卻利害得失的「無所為而為」的狀態，由欣賞中產生與自己生活經歷的共鳴，使人不同於一般生物求溫飽的需求，發展出更多的探索與追尋，並且盡力嘗試發展與突破，以實現個人的能力與創造力，以人的靈魂為主旨，讓藝術品能夠承載生命歷程中獨特的感受和想法，因此人性的本質與拉鋸才是藝術品永遠的主題，而非徒具美麗的軀殼。

回到文化的面向來說，當政治、經濟強國挾帶著政治手腕或龐大的經濟資本強行進入他國或影響他國的文化認同，特別在今日由於各地之間的時間、空間屏障逐漸削弱，各地之間交流頻繁的情況下，美國文化與回教文化就是一個很好的例子。被進入的文化沒有意識到這種入侵的狀況，就有可能在不知不覺的當下喪失了自己本身文化的獨特性，或是因為對己的文化強烈的捍衛而使雙方產生對立和衝突，不過多元文化在現今文化異質性或文化豐富度很高的環境中，其實更能加強對固有文化的認知，理性地分析之間的差異，對自身的文化加以發揚光大或保存，也可利用文化的因素拉近與其他民族的距離，就像雖然可能不明白基督教的教義或聖經的內容，卻依然可以對米開朗基羅的藝術創作有所感受與啟發，這才是文化異質呈現與交流的目的。

美與藝術創作 / 葉玫麟

「美」其實是很主觀的。由於對與「美」的認知不同，理所當然的會影響到藝術家的創作。如同朱光潛在《談美》一書中所提到的，「美」的主觀是必須放棄「實用」的價值判斷的。易言之，我們在談論一件物品是否是具備「美」時，我們必須要忘記他的實際功用，而單單純純的從欣賞的角度去面對它，方能夠體會「美」。但即便如此，「美」仍然脫離不了主觀的價值判斷，每個人對於「美」的看法和定義其實都是不相同的，而現今我們對於「美」的標準，則其實是以大多數人可以接受的範圍作為它的判斷準則。

上述當然可以既用於一般事物也可以用於對於藝術創作的判斷。我個人認為在藝術的領域裡，其實對於「美」的判斷和要求是更高但也是更微妙的。倒底什麼是美?時至今日，藝術創作（當然也包含視覺創作）中所謂的「像不像」其實已經不是創作品中最重要的核心價值了。這麼說並不是指諸如文藝復興時代的大師們對於真實和正確描繪的追求是沒有價值的，相反的，正是因為對於「形似」的追求已然達到一個相當的高度，才能夠導致今日藝術創作價值的轉變。以今日我們對於不管是視覺創作、音樂創作等創作品中，我們所重視的是創作品能不能夠表達作者想要表達的、表現的意義和情感。要表現出如同真實物體一般的創作其實對於現今的技術而言已經太過容易，以致我們和創作者們轉而去追求更內在的事物，即作品中的精神和作者個人情感裡面的抒發，而技巧的具備則已然變成了基本條件。

每個時代所追求的「美」其實也都是不一樣的。以「巴洛克」為例，它的藝術風格可說是華麗的。相較於古典主義，「巴洛克」在表現上則是更加的繁複並且帶有誇飾的意味在，較喜愛在畫作中強調動感和光影的明暗變化。卡拉瓦喬可以說是巴洛克風格早期的代表，其作品中還留有一些文藝復興的色彩，畫面的構成也較為安祥、和平，主題也仍然以聖經的故事為主，而畫作中出現了不太強烈的動態感，他的另一個特色則是擅長運用光影，使畫面有如五台一般的戲劇效果，而非如文藝復興時期的穩定和靜態。魯本斯的畫作中則處處呈現動感，以互相纏繞的S型構圖以追求情感的抒發和表達，而這種構圖法也改變了文藝復興時期對於穩定構圖的追求。林布蘭則是延續了卡拉瓦喬對於光影的運用，他善用了光影來描繪和提點畫面的重點部份，而其為數眾多的自畫像也是他的另一特色。整體而言，我們所看到的巴洛克的風格是略為繁複和誇張的，正如「巴洛克」的原文的原意所指的是「大而不當的珍珠」，雖然一開始是有貶抑的意味在，但也是可以看出巴洛克這個風格在當時而言，是相當不同於原本以存的藝術風格，是較誇張的一種表現。此外，巴洛克在題材的選擇上已不同於中古世紀也不同於文藝復興時代，而是開始描繪一般的貴族、平民、商人，並且想要藉由描繪更巨大的場景、更加不平衡、慘烈的戰況來求藝術的表達。但是並不能說巴洛克風格就是個完全脫離過去的影響，是一個跳脫出來的風格，巴洛克時期的畫家們依然沿用了古典主義使用褐色打底的習慣，使畫面常常是呈現褐色調。但是他們卻又加上了突出的光影表現，使畫面不再是靜止的、安定的，而是如同舞台一般可以讓觀者看到故事的運行。突破了文藝復興時期過於理性的禁錮，畫家們找到了表現情感的新的方式。

所以在欣賞一件藝術品時，當然是可以「純粹的」只欣賞它，但在欣賞之中，除了要試著去體會作者想要表達的東西之外，對於時代背景、作者甚至是作畫理論的了解，其實都是有助於觀者能夠對於作品有更深一層的體會，為什麼作者要這樣做？為什麼要這樣子表現？其實了解了其他的相關背景之後，對於「美」的欣賞，其實是可以更深入的。

此外，藝術創作和藝術家的心理層面可說是息息相關的。而藝術作品的表達，則和藝術家、創作者所認定的「美」有著密不可分的關係。以《羅丹與卡蜜兒》這部電影為例，一開始卡蜜兒的精神狀態很穩定，於是可以創作出「腳」那樣子安祥、優美的作品。在和羅丹熱戀後，卡蜜兒的作品也改變了雖然在風格上和羅丹略為相近，但是卡蜜兒對於創作上的熱情也充分的反應在作品上。同樣的在卡蜜兒和羅丹的感情開始面臨了問題之後，反映在她作品上和她的情緒上是激動的、是不安定的甚至是混亂的。從這裡可以看出，其實作品是在某些程度上是等同於作者本人的。我覺得其實這個是很微妙的，不要說是畫作，其實音樂也是無論是作曲的音樂家或是演奏出來的音樂家，甚至是一般流行音樂的作詞曲人以及歌手，在他們的呈現中，都是可以感受到有著不同的情緒和不同的故事。回到正題，雖說這部片是以偏向卡蜜兒的立場拍攝的，但卻還是可以從電影中觀察創作者、創作者的心態和作品這三這者關連。上面提到了羅丹對於卡蜜兒的影響，但羅丹其實也是受到卡蜜兒的影響，影片中不斷強調卡蜜兒是羅丹的靈感，或許這視為一種創作力互相的吸引，才能是會互相吸引的。或許這種吸引力造就了卡蜜兒但是同時也是毀了她的主因，因為在她對於羅丹開始產生了不信任之後，她的作品呈現出了她內心的痛苦，她不願意接受羅丹的幫助，卻也把自己侷限在自己的世界中。

我一直認為，藝術家（或說創作者）都是在追求他們自己所認定的「美」，嘗試著用各種不同的方式去表達他們想要表達的。有人說，藝術家如果越是痛苦卻越能夠有好的作品，我想這句話其實是一些事實的表面。歷史上有太多的例子可以看到，許許多多在生活上、事業上不得志的藝術家，往往將他們對於人生的不滿、愿對、希望以及期待，再投射回他們的作品上，以致於他們的作品中有著濃烈的情感和表現，或許無法見容於當時，但是「美」卻總是不會被埋沒。每個時代所欣賞的「美」式不同的，每個人所能夠欣賞的「美」也是不同的，那是因為我們對於作品所能夠引起的共鳴和投射的情感的不同所造成的。所以在欣賞藝術創作的同時，對於那些無法在第一眼引起共鳴的作品，不妨多去試著體會一些，或許可以欣賞到不同的美感，或許可以得到更多。

唯美的火花 / 沈汶樺

在「戴珍珠耳環的少女」這部電影裡，最讓我印象深刻的部分大概是他和女僕間的互動，維梅爾從一直找不到更好題材，因而停擺了許久，到無意間發現女僕拿著抹布擦窗戶時的畫面，讓他再度作畫，他和女僕間的曖昧情愫為這部電影增添了神秘色彩，看似若有似無，但是女僕的藝術天份被他挖掘，這部分填補了他妻子對他繪畫方面的不了解和不支持，也就是說他好不容易找到了懂他的人，難怪這位藝術家對這位女僕的情感也特別也不一樣，和她在一起的快樂讓他填補了心靈上的缺陷，因此他們談了一場精神上的戀愛，他們彼此是那麼互相吸引，但因為家世背景和地位，也斷送了一段剛萌芽的愛情。

到最後，維梅爾畫了這幅帶珍珠耳環的少女，可說是他和女僕的最唯美的火花，裡頭的少女，漂亮、清秀，戴著頭巾讓她的五官被看得更清楚，她的嘴巴微微地張著，讓我感覺到增添了一股性感和神秘，我甚至也被這幅畫裡的女生給迷住了，她的眼神很單純，她似乎也很信任幫她作畫的畫家，加上他們原本就有的曖昧情愫，女孩的眼神中讓我感覺到那股看著喜歡的人的淡淡電流，她冒著被女主人發現的危險，最後還是答應了維梅爾，她大可不必犧牲這麼多，但使或許是因為發自內心的情感讓這幅畫作得以流傳。

巴洛克時的荷蘭，正因為大航海時期讓荷蘭人荷包滿滿，很多暴發戶開始注重生活品質，享受著上流社會的奢侈，電影裡，有一幕是住在維梅爾家附近的一戶人家，因為宣告破產而所有的東西被搬走，這也象徵著奢侈背後的不穩定及危險，這兩位大師自己也身經其歷或看著這大起大落的時代背景在不斷地上演。

說到林布蘭與維梅爾兩人的畫作，我本人比較喜歡後者的筆調，雖然說兩位大師都純熟地運用了光線和色彩間的變化，也都喜歡拿一片柔和的黑當背景，經常拿帶著頭巾的女生當模特兒，但是維梅爾的筆法卻比較細膩，細水長流的感覺，他所利用的暗箱作畫也是相當罕見的技術，使畫中的光線和色彩是如此的逼真，畫中的少女眼神是如此的水汪汪，嘴唇是如此紅潤！相對於林布蘭，他的畫法比較粗糙，筆法比較放蕩不羈，雖然說他的畢生的畫作數量遠遠超過了維梅爾，但是維梅爾光是一幅戴珍珠耳環的少女便令人如此沉醉、如此眷戀；或許兩個畫家互比較下，維梅爾的人物情感沒那麼濃厚，情緒也比較淡，雖然說比較誇張的手法也未必不好，但是看久了卻是前者比較吸引人，足以讓人細細品味！

美感的聖與俗 / 黃馨慧

美感是由生命的經驗所交疊累積而成，並非出自於偶然。

依此類推，藝術活動雖然和日常生活的樣貌不同，卻是由人的生活發想而來，最後漸漸推擴，才變成一門專門學科或事業，「美」也就成為人的一種進步，追求形體以外的精神力量，它的本質來自人的渴望，以及企求生活中出現賞心悅目的事物，於是漸漸形成藝術的流變。藝術的神性，是由生活中的「俗」脫胎而來，聖和俗畢竟是不可分割的一體兩面。

吃飯的藝術是由吃飯的動作而來，吃飯絕對是一件「俗」的事情，目的是求取慾望的滿足，但吃飯的藝術卻是由於慾望追求昇華和心理滿足所衍生，人人都必須吃飯，但有人要求擺盤精美、用料高級，甚至連餐具都不可以馬虎；有人隨性食用，不求時間和地點，前者看似較具藝術美感，後者看似粗野，卻各具不同情態之美，本質也都是同樣建立在「吃」上。

把自己的生活看成一件藝術品對待是正確的，因為生命必須要有精神依託，才會有美感的存在，但亦不可免俗，「俗」並非是缺乏美感的修養，而是美感的素材。但看米開朗基羅，他創造的天篷壁畫，畫的都是神，或是宗教故事，但神的具體形象，則是他日常生活中所觀察到的人，每幅畫裡都充滿了人的完美肌肉線條，線條強勁有力，帶有力道的躍動感，似乎因著力量的開展而找到了美的平衡，是人身的極限之美，具有野性和自然奔放的氣息。畫面上雖都是一些神聖的神，但卻用俗氣的人當做作畫標準，用其中人物的肌肉力量迸發賁張的旺盛生命，並且暗示生命的潛能是極高的，凝聚是可以衝破界限的，神性的崇高，是由人物表現對神的崇敬而得來的地位，米開朗基羅藝術的產生，都是由生活的俗而來。

現今的國際文化，以西方霸權凌駕了總體，滿足慾望如同追逐日月星辰，永遠不會有得到與滿足的一天，因此西方的慾念開始重視東方的美德，希望東方的美感經驗，尤其是哲學和思想可以幫助他們度過資本主義的心理危機。看看拜占庭文化的發展，融合了東西的特長，把東西方的聖與俗融合成一種藝術性的存在，使它變成全球化的理性風格，使它發光發熱，以往受到西方貶抑的東方文化，現在用來平衡西方的冷酷特質，帶來形上的和諧之美，所以只發展慾念沒有其他的精神支柱，再多也是白談，而藝術的延續，則也需要靠資金的挹注才有辦法完成，兩者缺一不可，特別貶低俗而只重視美，是短淺的眼光。

在慾望中偶然地創作出一件美的事物，是由無數生命的「俗」經驗累積而來，藝術之美是心靈層次美，俗的美是生活之美，不可以因為追求藝術而否定「俗」的幫助使藝術美好，動作的產生多數是因為慾望，但無數的慾念只是代表粗魯俗氣？那可不盡然，飲食男女亦有其美感，只是人追求了形上之美，卻遺忘那是需要形下堆積的。

不完美之美 / 林筱倩

觀賞完<羅丹與卡蜜兒>之後，也曾經尋找關於羅丹的藝術創造以及生平。羅丹由於師承的問題，直至40歲才能算是真正的成名，之後接受政府的委託創作開啟了羅丹創作的黃金時期。羅丹算是一個全新的藝術創作者，他從米開朗基羅後期的作品得到些靈感─利用作品的不完美展現作品特殊得意義，羅丹在創作中，通常是軀幹，部分精雕細琢，部分卻讓它留於石塊之中。羅丹也常會利用文學的內容和象徵的手法表達作品的意念，但這樣的表達方式其實與當時20世紀講求純粹藝術的藝術家背道而馳。卡蜜兒經由老師的介紹認識羅丹，當年卡蜜兒十九歲，羅丹四十三歲，此後的十五年卡蜜兒成為羅丹第一位的女助手、情婦和模特兒。卡蜜兒其實早在認識羅丹前以小負盛名，卡蜜兒才華洋溢，美麗且獨立。在影片當中，曾經有一片段，卡蜜兒為獲得羅丹的認同自己，曾經雕刻一座弟弟腳的作品，當羅丹同意卡蜜兒成為羅丹的女助手後，羅丹於那隻腳上課上自己的名字。在卡蜜兒的時代裡，藝術界裡似乎常有類似的狀況，學生必須為老師創作，這樣的事情後來也導致卡蜜兒的失敗。當卡蜜兒發覺自己無法羅丹為一的愛，卡蜜兒選擇離開，初期她也曾經努力創作。卡蜜兒的離開，對於卡蜜兒來說，等同離開了社交界，不僅作品沒有買主，卡蜜兒的創作也常被批評為模仿羅丹作品或者羅丹在後捉刀的評論。其實卡蜜兒在積極創作得時期，作品風格也極力的尋求改變，創作風格與羅丹已經有明顯不同。卡蜜兒的作品展現肢體的柔美，與羅丹的作品相比，卡蜜兒的風格細膩充分展現女性的巧思，而羅丹的卻是粗獷。卡蜜兒以一個女性創作者在當時的藝術界努力，電影裡的卡蜜兒處於比較悲苦的一勢，沒有經濟來源，對羅丹的愛也由愛轉恨，不願意受到羅丹的幫助，最後使得她放棄藝術，後半生在被害妄想症中度過。電影裡，當後期卡蜜兒的弟弟成功但曾經被譽為擁有豐沛天賦的卡蜜兒卻失敗了，發瘋了，弟弟在卡蜜耳的作品發表會中說著姊姊作品與那個人多麼的不同，卡蜜兒在台下的附和，多麼令人感傷的畫面。羅丹於卡蜜兒，兩個藝術天才之間的故事，一個成功了，一個失敗了，對於卡蜜兒的失敗，我感到相當得惋惜。

另外是關於<談美>這本書中談到藝術與實際生活需要「有適當的距離」，這裡我同意作者的看法。舉出老師上課曾經說過的例子：一個裝了水的寶特瓶。什麼時候我們會覺得一個裝了水的寶特瓶好美？平常口渴的時候嗎？回收的時候嗎？在飲料櫃裡的時候嗎？都不是！但今天假使一個寶特瓶裝了一些水，被擺放在藝術中心的展示台上，每一個經過展示台前的人都得驚呼：「哇~好有藝術感，好美。」搞不好恰巧那是一個空的展示台，但昨天有一個小孩調皮的放了那個寶特瓶上去，無心插柳，卻讓今日經過的人都誤以為是某位大師之作。寶特瓶在我們口渴的時候或者回收的時候，它對我們的距離有種利益的關係，太近，使你感覺不到它的美感，若擺放在看台上，給你適當的距離，讓你擺脫寶特瓶對於生活的利益關係，我們才能從中領會出美的感受。再說一則，人家常說：「看不懂的就是藝術」，這句話雖不完全正確，但卻可以領略出某些道理出來。看不懂的，為什麼會看不懂？因為距離太過遙遠，我們無法體會做這想傳達給我們的意境，因此看不懂，不懂自然就不知道美不美，不知道美不美而畫是出於大師所做，因此才有了看不懂就是藝術這樣的說法。今天，我們一般人擁有相當程度的審美觀，對於美的領略程度，自然也不會差太多，別人覺得美的你可能也能欣賞，也會同時發出讚嘆。由上面兩個例子，我認為「適當的距離」非常重要的，這關鍵了你的感官，你的知覺，我們常常因為外物的某些部分而忽略某些部分，因為這樣，造成不同的時候，我們對美的感覺不同。

至善至美的境界 / 葉姿君

若說朱利亞二世是神性、掌權者的代表，那麼米開朗基羅代表的即是率性、藝術家的身分。米開朗基羅擁有藝術家桀驁不馴的叛逆因子，當與一心榮耀上帝、重視現世俗名的朱利亞二世共事，自然痛苦；但是追求完美藝術的本心仍然帶給他充實的心靈上的快樂。記憶很深刻米開朗基羅曾對他的前女友說過一句話：「世間男女的情愛是短暫的，只有藝術的美才是永恆。」就是這樣的信念，即使歷經理念不和的朱利亞二世的刁難甚至因戰亂經費見絀而一度停工的艱難都默默承受，並強忍身體病痛，一步一步完成希斯汀教堂的曠世壁畫。這令我想到雷諾瓦大師曾說過的一句話可以和米開朗基羅的理念相呼應：「痛苦會過去，美會留下。」在這兩幅壁畫中，身處文藝復興時期的米開朗基羅在《創世紀》這幅鉅作中已不再以神為唯一指標，多了富有人性的手法，也為後世畫家另闢蹊徑。至於《最後的審判》帶給我的震撼卻遠超過《創世紀》，浩大的畫作，扭曲的人類與歪斜的空間彷彿在破壞中世紀以來嚴謹的神學畫風，昭告著巴洛克隨性恣意風格的時代已經來臨了。若是仔細觀察，可以發現米開朗基羅賜與每個人多變化的表情，而不在是見著了耶穌恭敬肅穆般的無神，既是文藝復興人文主義的抬頭，更是理性、寫實主義的興起。

就我看來，我很認同朱光潛這句：「藝術活動是無所為而為的。」前幾天在圖書館好不容易借來《談美》這本書，約略的翻了前面幾章，我發現朱光潛所談的「美」幾乎全是自小處著眼，在他心中雄偉壯麗不一定是美的全部，數大也不一定就是美。只要能與內心深處相互契合，喚起了小小的共鳴，那就是美。朱光潛更曾在前言敘到，要是讀了這本《談美》後，當你在喫茶、望月、禪坐甚至發呆之時都能讓你心有戚戚焉，讓你有所感，那麼他的心願也就達到了。沒錯，正是先有「無所為」，然後的「而為」才更有意義。汲汲營營反倒是失去了那份「有所感」，怦然的悸動往往最珍貴。生命是如此，藝術也是如此，並不是為了流傳後世或是立足當代，拋開這些枷鎖，真正放鬆的去描、去繪、去畫，只為滿足情趣，只爲純潔崇尚精神，哪怕成品有人懂否，藝術是自己的事，開心就好，甚至也不必說「藝術」這麼沉重，「塗鴉」、「即興」…這些字眼不都可以，重要的是當下那份「無所為而為」的心情哪！越是自由、坦然，生命就個別的有了意義，而不是鑽營著共同的相似品，也就昇華到了至善至美的境界而不落俗。

拜占庭不僅在政治上對於東、西歐是個重要的標記，在文化上也是個重要的分水嶺，人文主義接替著神學繼續發展，甚至以東吸收亞洲文化，以西保有希臘羅馬的特色。然而這樣的文化融合卻沒有發生任何突兀，奇蹟似般相安無事的繼續繁榮了一千多年，不僅僅是在位者能力強大，也和富有內涵的文化相關。

放在當代近世來看，多元種族就有多元的文化，不同的文化自然有其排外基本心態，但是自人類有意識以來，戰爭無論是大是小，一直存在在人類史中，「和平」已漸漸成為人們內心依歸。只是，文化總是有其值得驕傲的地方存在，不是簡單說「敞開心胸接納外來文化」，就真能那麼輕易做到。缺的是時間、教育和耐心，一代一代的灌輸人人平等的概念，自然不會有種族歧視這問題發生，白人、黃人、黑人相處久了，自然不會覺得有什麼怪異。一代一代的教育各個文化的優美，學會以愉快的心對待不同文化，暴戾之氣不在，和平自然不遠。

看到全球衝突時有，不管是落後的國家如非洲、先進的國家如美國，更別提中亞小國間的頻繁暴動了。但是我相信人心是本善的，有時候只是因為大環境的落差，使得人們心裡不平衡，或是政治、外交的策略運用，這些都是不得已…除了希望在位者能不短視近利的為國家選出正確的路，也賴教育家琢磨下一代，世界大同的和平願望自然不遠。

美的追求.使生命意義開始豐富 / 謝冠華

在萬世千秋一片，主要是對於米開朗基羅於希斯汀禮拜堂所做的天蓬壁畫「創世紀」的創造過程為主的影片。在藝術創作的部分，如以今日之鼓勵自由多元、激發創作力的一種藝術創作背景來看，當時的藝術家可說是受到多方限制的。

第一，如片中所述，藝術家是我們今日對於當時的創作家的想法，但對當時代而言，所謂藝術家不過僅是工匠而已，並不如今日我們所推崇的地位，有許多時候必須要迎合雇主，也就是貴族或中產階級等，創作有時候更形同一種壓迫或是曲意逢迎。在本片中亦可看出米氏其實對繪畫並不感興趣，但由於教宗的要求，他便必須為希斯汀禮拜堂作後來舉世聞名的創世紀壁畫。

第二，不論當代藝術亦或是文藝復興時期，藝術的創作有時需要資金作為一種基礎，但創作本身的美與資源的豐富沒有直接關聯，好比在片中教宗為了興建聖保羅大教堂而有破產之虞，這可能是他沒有支付米氏應有報酬的一種可能性，但雖如此，米氏仍然堅持於創世紀的完成，雖然從片中可看出他對此頗有微詞。

雖然以上都是在藝術創作時米氏所遇之限制，但因這些限制，反而使得創世紀這樣的作品現世。耐人尋味的是，首先教宗對於米開朗基羅的要求，究竟是一種強迫的壓制，還是一種伯樂識千里馬的心態？本來從開始之時，對於教宗，令人有種上位者對於下位者予取予求的想法，米氏自己也表示他所擅長者在於雕刻，不在繪畫。教宗雖知此點，卻仍要求他在天蓬作畫，致使之後米氏對於壁畫興趣缺缺而逃出城，教宗更下令追捕，後米氏終於尋求到靈感又返城，而後又因創作壁畫而導致身體長期疲勞，終不堪倒下。當他病臥在床時，教宗仍然要求他將壁畫完成。在這一連串的事實下來，教宗看似是為自己的私益在要求米氏，但於其後他與梅迪奇家族的小姐談話之中，才發覺其實他是明白米氏有完成此事的才能，在他的想法之中，這可說是上帝賦予給米氏的使命。

從此看出有時藝術家在創作時，在他身旁的推手其實佔有相當重要的地位，如同千里馬為千里馬，是因伯樂。對於藝術家的才能加以賞識並使其發揮，這樣的人物對於藝術創作扮演了非常重要的角色，梅迪奇家族的小姐也扮演著開導米氏的角色，這些都對創世紀的現世具有居功厥偉的地位。

再者是米氏自己對藝術創作的堅持，從一開始的反抗到後來的不眠不休、不吃不喝，令人有所感觸，藝術家之所以為藝術家是因對美的堅持，更甚或是一種純粹的執著，一種與世隔絕、排除萬難的執著，這也是整個藝術創作中我認為最重要的一環，藝術家之所以比普世之人更接近美，就是因為這份無所畏懼的執著，是這樣的美流傳千古的最大原因。

那麼何謂美呢？在談美中，朱光潛先生認為所謂的美既不是一種實用的追求，亦不是一種科學的思考，而是一種形相的直覺，與實質用途無關。與實質的利害關係牽涉時，美就不再是美，故而這裡說俗，也是指在生活中我們所追求的物質上的需求，這是受環境影響而所致，而非我們心中想如此做。環境並沒有影響我們去做，此方為對於美的一種感受。確實在很多時候，美的追求對人類的生存沒有太大意義，這是一般人皆可理解的事實。但失去對於美的追求，人的生活所存在的，僅僅亦只剩下生活這件事，而失去對於生命的尋找。我認為人自出生於世開始，自然而然就會尋找存在的目的，為生活汲汲營營是存活於世具備的事實，並無否認之虞。但是除此之外，是否有什麼是在生命終結前值得尋找的，我認為這也是一種生存的目的，這樣的一種追尋就近似於對美的追尋了。科學家追求自然的真理，文學家追求詩詞文義中情感的呈現與生活經驗交織的完美，然後再把這份尋求到的美，以各種方式保留下來，人雖然會腐朽死亡，但對於美的追求、美的保存最後成為一種對於永恆的尋求，一個未盡百年的生命因此而流傳千古，這應該也是對於原始的生存目的中人所漸漸演變出來的一種生命的意義，是我們對於生存於世，主觀上可任意由我們自己決定賦予給自己的定義。在這之中，我們找尋到了實質意義的自由，並非外在的限制或是利益的追求，只是因為想，所以有如此行為的存在，故而活動越自由，生命之意義亦隨之豐富。

美的追求，使得人類的生命意義開始豐富，文化的胎動便因此而生，不久便萌生枝椏，開枝散葉，如無數星辰在蒼穹下閃爍。在存於世上的無數文明中，拜占庭文化可說是一顆璀璨的寶石，從中映出的複數光芒，絢爛了中古世紀的黑夜。從拜占庭文化中可看到許多回教世界的色彩，例如伊斯蘭教的幾何圖形和在建築上常有的新月形以及圓拱型的造型。拜占庭由於是在歐洲中部和北部的緩衝區，吸收了伊斯蘭文化的精髓，所以處處可見伊斯蘭教的色彩。此與拜占庭帝國本身的歷史背景和地理環境自然有很大的關係。在現代這樣的國際化時代，其實隨處可見其他國家文化的融合，好比台灣因為經過荷蘭、西班牙殖民，又經過日據時期，再加上台灣多是中國漳、泉之移民，故而在台灣就可見多種文化的衝突與融合。從以上兩個例子都可以看出，國家的地理位置是否介於一個文化的過渡區，會是多種文化融合的主因，台灣因為海島位置再加上殖民期的歷史背景，故而亦造就多元之文化，日本亦是如此，其平安時期仿唐之街道、服裝，明治時期則承襲歐美文化。從以上之例以及拜占庭文化，都可以看出一個文化能夠淵遠流長是因為它能有容納其他文化的度量，如拜占庭就是很好的例子，吸收外國文化而沒有排斥任一文化，故其能存續百年以上，倘若故步自封，孤立自己的文化，文化缺乏新的刺激，最後也會老去，甚至死亡。吸收他人的文化兼容並蓄才能使一個文化成長而興久不衰，人不能獨立自己之心靈而不存與他人之交流，文化亦是如此，在不同的文化中相互交流，文化本身也因此獲得了一種新生，故能不朽而完整。

打開你的抽屜 / 張愔媃

請打開你的抽屜，並帶著二十一世紀的審美觀，乘著時間機穿過時間長廊，和十九世紀的羅丹及巴洛克風格撞擊出新的火花。

觀賞過《羅丹與卡蜜兒》後，從羅丹及卡蜜兒對藝術的態度，重新品嚐對藝術的滋味，突破以往單就雕刻品的外在形象所傳達的感官經驗，而能更進一步去體會雕刻者投注於其作品的情感和故事。

影片中有幾幕帶來深刻的印象，羅丹在設計〈地獄門〉時，因為卡蜜兒的一個小動作而靈感乍現，讓我認識到藝術家的作品何以可貴，何以流傳後事而仍能被歌頌、欣賞，因為藝術家別於常人的敏銳觀察力和感受力，所以能夠捕捉到瞬間的感動，而鑄造了永恆。還有，卡蜜兒的努力不懈，拋開女性身分的包袱，堅持自己的夢想勇往直前。我想，藝術家除了天份，也還需要一些不服輸，帶著一股我就是要創作的傻勁吧！而卡蜜兒在歷經感情的甜蜜及創傷時期，一度暫停了創作，但在迷失自我的這期間，終究回到雕刻這一條路來，在雕刻裡重拾自我。很多的挫折困難，也只有回到自己，不逃避、正視它、面對它，和自己對話後，繼續與自我和平相處。

認識羅丹，認識對美的感受，用手、用臉，用最敏感的肌膚，傳達溫度到創作裡，賦予它生命，這份視如己出的珍惜也同時傳遞到觀賞者的心裡。美是主觀的，美是視覺的，雖說美並非客觀的感受，但是美的感受必定要有心靈的交流，用心去感受。就像不同的三人來看古松，商人重視的是商業利益，植物學家重視的是根莖葉等生物現象，而畫家重視的可能是空間，松的姿態。一樣的一株古松，卻有截然不同的感受，都是取決於觀看者的心境、立場和態度。莊子：「無用之大用。」事物的本身就是最美的存在，不需要外在的定義。其實一切事物都無關美醜好壞，這些都是人的主觀意識用語言所建構而來。所以要體會美，就要先打破主觀、先入為主的成見，需要一些客觀的態度去感受別於講求現實應用社會的的美，暫時將自己抽離，再用心去碰撞和作者的頻率。距離的美感，藉由距離所形成的時空，跳脫出平時的成見去欣賞萬事萬物的美，就如同文學創作一般，古詩、現代詩的隱晦、暗喻，不在字面上說清楚講明白，而以它物觸類旁通，都是要為藝術創作帶來一些距離。在幾分客觀下，因某些相同的時空背景，與作品產生了連結與感動。所以距離是要有的，卻不能天馬行空、天外飛來一筆，畢竟藝術和現實是一體兩面，在現實生活裡，藝術幫我們找了一個出口。

十九世紀的壓軸，華麗的舞台戲劇性－巴洛克風格，巴洛克給人的印象莫過華麗、誇張和戲劇性的舞台效果。藉由畫作和雕刻品的介紹，而有更具體的感受。大衛的雕刻作品，扭動的身軀，姿態多變，都不同於早期羅馬式的創作。這個時期對於光的捕捉，運用的更加廣泛，用人造光塑造出舞台感和生動的戲劇效果，例如林布蘭〈夜巡〉，將光源聚焦在夜巡者的臉上，整幅畫作更顯深刻。另外，巴洛克亦強調律動感和華麗的裝飾，貝尼尼的雕刻更令人讚嘆，衣服的皺褶處理，彷彿風一吹又是另一種面貌，而其造型也多呈現螺旋型的設計。巴洛克時期的創作，華麗的舞台效果在視覺上的確是一大享受，卻也因此遭人詬病，其誇大有餘而內涵不足，但我想在此時代氛圍下，藝術風格的突破仍是不可抹滅的。

畢卡索在想什麼 / 葉玫麟

首先我必須承認我對於畢卡索的作品，真的只能說是一知半解。我對於畢卡索的了解在歷史的方面是比在藝術的方面是較有把握的。有些藝術家的作品對我而言，是我比較容易找到和他的共鳴點，而有些藝術家則較不易，畢卡索對我而言顯然是後者，不過這可能也是源於我對於他的藝術理論不夠深入的了解。對於畢卡索年輕時期的作品我較容易理解，但是對於後期的作品則是讓我感到比較吃力和困惑的部分。我看著畢卡索的作品，尤其是後期他開始往「解析」的方向發展的那部份作品時，我總是不斷的問著自己，「畢卡索在想什麼？」「畢卡索想要表達些什麼？」大家較為熟知的作品多半是畢卡索後期的作品，我看著這些作品，我感覺到畫面是靜止的，但是卻也感覺到畫面是吵鬧的、是混亂的。但是我看到一些對於這類作品的評論，卻都是「穩定的」則是我較無法體會的部份。

當然，看畢卡索的作品雖然有點挫折，但是卻不可說不有趣。畢竟在沒有得到解答前，自己的答案則都是備選答案之一。不過我的樂趣還是在研究那些為什麼他要把鼻子放這裡不放那裡，為什麼要放側面不放正面之類的這些議題上面。此外，我對於畢卡索比較感到興趣的部份，則是他的心態，畢竟畢卡索的地位無庸置疑，但是他為甚麼會這樣做，為什麼想這樣做，是從哪個念頭開始了他在風格上的改變或是嘗試，都是我比較好奇的一些層面。

卡蜜兒和法蘭西絲這兩位女主角其實在某些方面是相似的，例如他們的藝術才華或者是他們對於羅丹和畢卡索在創作靈感上的啟發都有一定程度的相似，我個人認為真正決定了她們的命運的其實是她們的個性。

個性的不同造成了兩位女主角不同的結局，或許談的廣泛一點可以從他們家庭方面開始談起。卡蜜兒是被家裡所期待的，在她得到家裡支持的同時卻也是有壓力的，或許她感覺到她是「必須」成功的，她的作品是「必須」要出眾的。我認為法蘭西絲則沒有在這方面的壓力，她的家庭裡存在著正反兩方的力量，她祖母對她的支持至少在片中沒有明顯的表達出來是在創作上，反而比較像是單純支持她想要的。不過在這個方面純屬於推論的成分較多，畢竟在片中能獲得這方面的資料也較少。

卡蜜兒的個性在我看來，其實是比較激烈的、比較獨占的。這除了表現在她和羅丹的感情問題上，同時也表現在她的作品中。卡蜜兒在前期的作品，總是比較穩定安靜的、甚至有些部份而言是祥和的，但是到了後期的作品，她無法忍受羅丹對於他們之間的關係的不承認，也無法忍受作為羅丹的女人之一，她的作品開始出現了掙扎，動作的掙扎和表情的掙扎，反映出了她內心所想要表達的不滿。卡蜜兒情緒激烈，她可以激烈的和羅丹爭吵，也可以把自己的作品全部打碎，甚至是不顧一切的。其實她內心的不安是很重的。

至於法蘭西絲，在片中對於她在藝術上的著墨並不多，但是從能夠略窺中的創作上看不太到像是卡蜜兒那種激烈的情緒表現。她不問名分的和畢卡索同住，雖然在畢卡索有新歡後法蘭西絲也表達她的不滿，但是她最後的選擇不是如同卡蜜兒般激烈的爭吵，反而是離開。在片中的最後雖然她回來了但是從髮型和神情上都可以看出，法蘭西絲或許是下定決心要接受一切，或許是下定決心要放掉一切，她是平靜而甚至有點淘氣的。相較於卡蜜兒我覺得法蘭西絲在情感的控制上較為冷靜而且理性，也或許導致了她們有不同結局的原因。

卡蜜兒和法蘭西絲的相似之處則是她們在作品的風格上相似於羅丹及畢卡索，相似的原因或者是因為彼此是情侶關係，在某些程度上總是會有一定的共通點，但是卡蜜兒和法蘭西絲對於這些相似之處的態度也是不相同的。前面提過，我認為卡蜜兒個性較為激烈，於是當旁人提到她和羅丹在作品上的相似的這件事情上，在她和羅丹感情穩定時她或許是在意的，但是卻沒看出她把這種情緒發洩在別的地方而是在作品上尋求一些突破，以證明她和羅丹的不同。只是到了卡蜜兒對羅丹開始由愛生恨的情緒後，可以看到她是如何激烈的在言語行為上、作品上去強調她的不滿，使她的作品中充滿了情緒。在電影中羅丹想要盡力的把卡蜜兒推往更多人的面前，但是卡蜜兒除了不信任羅丹之外並把一切的不滿歸咎於羅丹，導致她最後陷在自己的世界中痛苦。而法蘭西絲則似乎沒有那麼大的反應，即使畢卡索也當著她的面對她說如果她離開了畢卡索則什麼都不是，感覺上法蘭西絲倒是比較像是接受了這件事情的感覺，她還是繼續她的創作而看不出有什麼比較大的改變。我相信關於風格雷同或者是像是卡蜜兒所耿耿於懷的「抄襲」這類的事情，身為藝術家不會不在意的，但是在這兩個人的身上卻有著不同的反映和結果。

至於卡蜜兒和法蘭西絲對於羅丹和畢卡索的重要性，除了兩片中都有提到同樣是靈感的來源之外，同時也扮演了伴侶的角色。但是我不知道是不是因為拍攝手法的關係，我一直覺得她們的重要性好像有點不太相同。在另外找到的資料上顯示畢卡索的作品風格的多變是因為他的境遇和身旁的人的不同而造成的影響，可以看出法蘭西絲或許是畢卡索的風格之一，但是影片卻顯得那個「之一」的部份有點不重要，或許這和畢卡索的愛情觀有關，對於他而言法蘭西絲真的只能是他的一部份曾經。此外我一直覺得卡蜜兒對羅丹而言似乎比較重要，但是大概就是因為沒辦法讓卡蜜兒成為獨一無二才會導致之後的悲劇吧。

最後算是比較額外想要提到的部份，是和電影有關的部份。其實在看了兩部電影，他們在拍攝手法和著重的部份上有著很大的不同，我覺得這也是會對我們的評論有著些許的影響。《忘情畢卡索》（《狂愛走一回》）在片中把畢卡索拍的很像是個專制又霸道的色老頭，或許這句評論是超過了點，我相信他本人應該也不只是如此（意指畢卡索當然不可能只是個霸道的色老頭，當然同時也是個傑出的藝術家），不過這部片的拍攝方式比較難讓人去了解他關於藝術方面的部份，當然也使法蘭西絲藝術上的部份連帶的讓人比較缺乏認知，不過這部片的分類似乎本來就是愛情片而不是紀錄片。相較之下，《羅丹與卡蜜兒》的方式則比較容易讓人了解到藝術家的創作心境和境遇上的關連性，也較容易產生想法和共鳴。不過要了解藝術家當然不能只有光看電影而已，況且藝術這種東西，其實是很主觀的。

劃破黑夜的曙光 / 楊雅雯

我覺得印象最深刻的部分就是葛里葉和維梅爾兩個人在分享對於美學的感受，例如維梅爾問葛里葉雲是什麼顏色，葛里葉就回答了三種顏色，這樣的心靈的契合，是讓人覺得感動而優美的。 此外，相對於兩人的心靈相通，肉販的兒子彼特跟葛里葉的感情，就比較像是相知相惜，而且依照當時的社會來說，他們兩人的階級與生活背景是比較接近的，所以彼特代表的也是一種安定的生活。其實，維梅爾長期以來是孤獨的，雖然他已有了妻子和看似幸福的家庭，但是對於藝術的層面來說，沒有一個人可以跟他分享與討論藝術的美，所以葛里葉的出現感覺就像是一道劃破黑夜的曙光，帶給維梅爾新的生命跟不同的體驗。而我最有興趣的是女主角葛里葉的內心，她對於感情究竟是怎麼處理的，又是以什麼樣的心情去面對。我覺得她在還沒有遇到維梅爾之前，其實是喜歡彼特還有他那種安全感的，但是在遇到維梅爾之後，因為天生敏銳的藝術氣息，葛里葉開始跟維梅爾互相了解彼此的內心世界，而兩個人也愈來愈被彼此吸引，但是礙於兩人的階級地位相差太懸殊，而且維梅爾又是有家室的人，所以葛里葉才不得不選擇離開。造成兩人分開的原因，維梅爾的妻子、富商以及維梅爾的岳母都扮演著重大的角色，妻子的忌妒與痛苦，富商的醜陋與貪心，還有岳母的背叛與勢利，都造成最後的悲劇發生。劇中還有一個高潮，那就是維梅爾叫葛里葉去穿耳洞並讓她戴上珍珠耳環的時候，這都代表著葛里葉在維梅爾的心中已經超越了他的妻子，雖然最後他們兩人還是沒能在一起，不過維梅爾所留下來的畫就彷彿告訴著我們，他們曾經有過一段美麗的愛情。

在認識巴洛克時期的兩位大師後，我覺得維梅爾是一個很少為藝術市場而畫畫的人，可能是因為大部分的作品均是為特別欣賞他畫作的主顧而作的，所以他的作品數量並不多。他的作品大多是跟家庭生活有關，而且他似乎對女子情有獨鍾，常常畫中只有一、兩個女性在做家務、演奏樂器、寫字或是看信，感覺相當的樸實寧靜。而畫中人物的動作和表情，不論是貴婦人或是女僕，我都感受到她們都流露出自然的思想和心情，表現出一種溫柔婉約的氣質，令人覺得很舒服。而「戴珍珠耳環的少女」，就像是個謎一樣，深色的背景反而突顯了少女明亮的形象，她把頭微微傾向一邊好像在思考什麼，嘴唇微張，眼神凝視前方，好像她想要跟我說什麼，有種下一秒她會從畫中跳出來的感覺。另外，我覺得維梅爾的作品中，光影效果很自然也很漂亮，利用色彩的調和，表現出柔和且寧靜的氣氛，每幅畫總是給人安祥的感覺。

我對林布蘭的感覺就是一個很愛畫自畫像的人。在林布蘭那個時代，大概沒有一位畫家像他那樣繪製了如此多量的自畫像，而他畫自畫像的動機，是由於對人性本質所產生的強烈興趣而產生的，就像是我們一般人也會想要更認識我們自己。他的自畫像中，有近百幅不同質材，忠實地描繪了各個時期中不同的心路歷程。此外，林布蘭的阿姆斯特丹風格初期與成熟期的分界作品就是赫赫有名的「夜警」，畫中的兩位主角，醒目的就像是被舞臺的燈光照射到一樣，加上他們跨大步邁向觀眾的動態效果，使得其色彩融合的很協調，並帶有閃爍的黃金色調，總之整個畫面的色彩變的更豐富，也更有戲劇效果，就像演員真的在我面前表演一樣。

審美觀 / 張逸翔

多元文化間的衝突，若能導致新藝術的誕生，那麼將是令人感到高興的一件事。但若因此導致藝術作品的死亡，則令人惋惜。談到當今國際文化間的交流，我以為不是全部吸收便是全盤排斥，而這兩者又都是毫無理由的。似乎在這兩個極端之間，就沒有什麼中庸部份。推究如此的原因，其實是非常簡單的。

人無法擺脫自己的經驗文化社會等等去欣賞一個事物。說一個人必定在某個觀點的侷限下欣賞事物，還不如說若是因為人沒有這些觀點也就沒有審美的觀念。而這些觀點又是怎麼形成的？這些觀點就是從我們平時所接觸的環境，我們的歷史文化所有我們能體驗到的種種。而我們為甚麼又會去接受這樣的環境？這卻也是因為我們的觀點所致。

亦即是說，今天我處在一個文化下，我所認為美的事物就是這文化所認為美的事物。而假若我想去追求一些事物，我也會去追求這文化所認為美的東西。比如閱讀推理小說，看慣日系推理小說的人覺得日系推理小說好看的人，那麼以後當他有機會選擇想看的書時，他想選擇好看的書時，他也就很可能選擇日系推理小說。所以以後尋求美的作品，都只會去從這方面尋找。而一旦一個人若總是如此，那麼以他習慣了日系推理小說的觀點，以這個審美觀，他就很難不受影響的去欣賞其他類型的作品。因為他只以為日系推理小說的美，他在看其他作品時的審美觀已受到扭曲。

雖說從一個觀點下得到的是美，但若是能從許多觀點去欣賞，那麼你能體會到很多的美。甚至你原本以為不屑的作品，或許就在某個觀點下你會覺得美好。那麼要如何避免自己的觀點受到侷限呢？簡單也直接，就是有耐心的去欣賞其他觀點下的美。或許一開始你會感到厭煩，那是因為你還無法接受這觀點所帶給你的美，但假若你繼續耐心的欣賞下去，你也能培養在這方面的美感，久之，也就能以另一個觀點來欣賞作品的美了。

盛開的玫瑰 / 高淑雅

畢卡索的一生中，可以切割為很多時期，藍色時期、粉紅時期、戰爭時期……，展現出每段經歷過的環境歲月，甚至是每個戀愛的不同女人，或者換個方式我們也可以這麼說，正是每個女人決定了畢卡索不同的生活方式與創作的風格。

他生命裡每一個女人的出現，都像是一朵盛開的玫瑰一般，那麼的美麗又充滿光和色彩，迅速而燦爛的綻放著，帶給畢卡索不斷躍動的靈感，於是，畢卡索的畫布上出現了美麗繽紛的顏色線條，將他的成就堆到了巔峰，只可惜每段愛情都像是加了保存期限，玫瑰枯萎後，就再也留不住畢卡索的青睞，這也是為什麼比畢卡索的畫風總是這麼多變，有安定，有大膽，有憂鬱也有明亮，像風一樣讓人抓不透他下一步的方向。他的忘情，就是這麼樣的一種殘酷，卻又聰明而天才，女人、朋友、子女孫輩在他面前，也只能俯首稱臣，再平凡的物品和人物，一經他的巧思和畫筆揮灑，就有了不平凡的展露，然而，每個畫中主角對畢卡索而言，都只是繪畫的工具，讓他盡情擠壓出美麗的色彩，盡情毀滅，真正能他去關心的，永遠只有作品與自己，我們卻不能否定這樣的他帶來的成就，以及為後來的博物館，留下多少不朽的曠世佳作。

《亞維濃的少女們》，在平面上展現三度空間的表現，被稱是立體派的開端，我們亦可以由他這個作品裡，看出另一份徵兆---他的創作來源，畢卡索的主題總離不開想像與情慾，這也是他的生活，充斥著一個又一個的女人，如同羅丹的裸體雕刻，刻出的不只是線條和美，也刻出了卡蜜兒的影子。兩位名垂千古的大師都在愛情上找到了靈感，像卡蜜兒之於羅丹，像法蘭西斯之於畢卡索，在女人的滋潤下使藝術更趨完美。卡蜜兒在與羅丹過度的15年裡，扮演著情人、模特兒、亦是成就他成功的得力助手，而法蘭西斯則像是家人或是主人身邊的寵物，默默得伴隨畢卡索左右，讓他的毀滅性的愛火占據了她的全部，是那麼柔情卻又不可或缺的角色，於是，卡蜜兒和法蘭西斯的出走就成了一種難耐的痛苦，在他們的生命中留下抹滅不了的印記，但，他們終究還是站起來了，生命中另一份更重要的部分在呼喚他們---藝術，那是他們從未放棄過的，只是在創傷後換個型式重新出發。就連卡蜜兒和法蘭西斯的離開都成了羅丹和畢卡索畫風改變的催化劑，一直到感情的最後，她們還是為心愛的另一半留下了些什麼。

忘情畢卡索 / 吳純卉

畢卡索在現今藝術史上的地位絕對是無可取代的，對於大部分的人來說，或許不知道許多知名的藝術家，但大家一定都知道畢卡索。在我們的印象中，畢卡索的畫好像常常都是以幾何圖形的形式表現，像是將一個圖型拆開然後又重組在一起，而相對於其它藝術家的白描手法，所以常常會看不懂畢卡索的畫，總不知道他所表達的到底是什麼。但藝術不就是如此，大家各自表現不同的美感，裡面存在著藝術家自己的想像。畢卡索的作品則是在空間比例和色調上取勝，更重要的是，他的畫中總是存在著一種獨特並且自由的想像空間，讓欣賞者能夠自由發揮。

接連看了兩部影片之後，發現“女人”對於“藝術家”似乎扮演著很重要的角色。像法蘭西絲對於畢卡索，卡蜜兒之於羅丹。法蘭西斯與卡蜜兒對於畢卡索與羅丹，都是在他們創作中不可或缺的靈感來源，也許是在於卡蜜兒與法蘭西斯對於羅丹與畢卡索都是有著一大段年紀的差距，而在愛情的滋潤中所誕生的一種更新的創作靈感吧。我覺得，羅丹像是把卡蜜兒當作一種寶物。羅丹與她相處，看著卡蜜兒的種種，然後理解她，欣賞她，都成為羅丹在雕刻創作上源源不斷的新的靈感。也或許是因為如此，羅丹雖然不能給卡蜜兒她所渴望的承諾，卻仍不想卡蜜兒離開他，並且默默的在“保護”她。而畢卡索的一生有了五個不同的女人，影片中的法蘭西斯在認識畢卡索時也是非常年輕的時候，到最後他們結婚也生了小孩，但當法蘭西斯作了媽媽的幾年後，畢卡索又認識了一位新的年輕女孩。對於畢卡索而言，他好像一直不斷在尋找一種年輕的氣息，或許那種年輕、純真、沒有事故想法而且整天笑容滿面像是沒有煩惱的女孩，才是最能激起他創作上留給大眾的驚嘆。故事的最後，卡蜜兒與法蘭西斯都選擇了離開，但卡蜜兒卻因為離開，卻也不自覺的瘋了，而法蘭西斯卻沒有。我覺得，在羅丹眼中的卡蜜兒，雖然仍是那個年輕純真的女孩，但他一定也觀察到，卡蜜兒的內心其實是充滿很多東西很多情緒的，這或許也是卡蜜兒會吸引羅丹的地方。而法蘭西斯對於畢卡索，就是個完全天真的女孩，內心沒有太多東西，只願意待在畢卡索身邊就好了。

不甘寂寞的靈魂 / 徐瑞妏

一個畫家其實除了是藝術家還是傳播專家。

畢卡索，一個眾所皆知的藝術家。以前年幼無知不懂事，看不懂畢卡索的畫作，總覺得他畫的人不像人鬼不像鬼，還暗諷因為自己不懂藝術，所以覺得都不好看。其實藝術是自我設限的枷鎖，自己只是給自己找藉口不去認識了解它。在某一次藝術講座時，聽到原來畢卡索是從很多面向去看一個物體，他的一個人，眼睛可能眼睛是從左邊看到的角度、鼻子是右邊看到的鼻子、臉是正面的…等，這也是稱為立體畫派的原因吧!之後自己開始自我反省，自己非常的自責，因為畢卡索畫作跟我自己的思維摸式不同，自己並沒有去了解他，用「藝術」一詞當作擋箭牌讓自己逃避問題，這真的很不應該。自己也從那時開始，對於藝術開始不逃避，自己開始利用自己高雄人的優勢，經常逛美術館，看看不同畫家用不同方式來呈現自己的感受。

看完忘情畢卡索後，自己對畢卡索有更深入的了解。自己看過畢卡索最早期的畫作，可以堪稱為照片的畫作。但是自己卻沒有看過後來不同時期的作品，從電影裡才了解，原來畢卡索的畫作都是注入感情的，不同時期的感情帶給他不同的衝擊，作品也就呈現出不同的風格，我認為這是一幅畫最有價值的部分。當一幅畫被注入情感，就等同於注入生命，讓他不再只是一幅畫，而是我們生活中的一部分。而這時不免也要質問自己，自己看到了嗎?一幅畫中每一個不同的人像都傳達著不同的意念，這些畫作也都事不同畫家跟我們溝通的橋梁。我發覺，畢卡索即便情感生活多麼多采多姿，他還是非常寂寞的。他總是將自己的情感注入畫中，企圖藉由畫作找到知己，即便畫作可以換很多的金錢，但那只是附加的，他只是想要找到一個懂他的人。

一個畫家除了是藝術家之外，可以說是傳播專家。他們將自己心靈最深刻的感受注入作品之中，企圖藉由作品尋求知己。當我們在觀賞藝術展時，不要只會欣賞好看不好看，其畫家注入的靈魂才是最核心的部分。如果我們用心去看，我們就會發現更多的驚奇。


卡蜜兒與法蘭西斯以及羅丹與畢卡索

卡蜜兒與法蘭西斯兩個人的創作類型不同，生活型態以及背景也不同。若真的要找出他們的共通點，那就是他們都是偉大藝術家背後重要的靈魂。許多藝術家感情世界都是多采多姿的。他們稱那些女人為他們靈感的來源，我不這麼認為，我認為那些女人是他們靈魂的所在。這些靈魂安撫著他們不安的心靈，並注入藝術家的作品當中，羅丹與畢卡索皆是如此。羅丹藉由卡蜜兒而創作出許多創作，畢卡索也藉由法蘭西斯而畫出不同風格的畫作，正所謂成功的男人背後一定會有一位成功的女性，卡蜜兒與法蘭西斯就扮演的這樣的角色吧!

說到卡蜜兒，他的內心也是非常不安定的，藉由感情的投入，讓自己創作加分了不少，當其發現自己感情不順利時，他如同失去方向的船隻，開始失去了自我，不論在其創作或其生活都充滿了不確定感。後來甚至被視為精神病在安養院度過後半輩子。這也是藝術家很可悲的地方，找不到知己，即便已經藉由畫作傳達自己的意念，仍然沒有人願意懂他，只把他視為不正常，這些對藝術家來說非常的殘忍。反觀，法蘭西斯在自己感情失志之後，自己卻能夠定下心來規劃新的方向，毅然決然的出走，開始發覺自己內心最深刻的感受，這時，他也找到最大的知己，那個知己就是自己。他體會到自己了解自己，知道自己要的是什麼，因此毅然決然的離開畢卡索。而他的畫作也因此而開始成熟，真正的開啟自己藝術的大門。

羅丹與畢卡索，皆是藉由感情生活來極為不安定的心靈。即便感情生活在過豐富，他們仍然非常的孤獨，但是他們都沒有發現，他們沉溺於女人世界，以為這些就是解決之道。但是從他們的藝術創作就可以看出來，他們還是極力的想要讓我們了解他們內心的深處，那不甘寂寞的靈魂，這也正是他們作品最有價值的地方。

戴珍珠耳環的少女 / 蕭如芳

看完「戴珍珠耳環的少女」，整個心情被整個灰茫、寒冷的天氣籠罩住，空氣裏似乎能聞到顏料的味道與食物發出的腐臭味，感覺有很多壓抑、不敢顯露的壓抑情緒，藏在胸中難以抒發。

在片中幾個人物間的暗潮洶湧，故事圍繞在荷蘭畫家維梅爾的生活周遭所發生的事情，見到畫家為了生活與勢利粗暴的商人合作，雖然保有作畫的自由卻在某些方面失去了尊嚴，在金錢方面受制於人，畫必須有人買，奢華的生活才能繼續下去。

可見得當時的風氣可能是富人豪奢似乎將畫作能夠呈現熱鬧、色彩鮮明的宴會，就能夠間接的誇耀財富的雄厚，將畫作當成是一種附庸風雅、增加自己排場的財力證明而已，而不是將之視為一種藝術。畫家似乎也把繪畫這種技術、藝術當成勢一種謀生工具，為了使自己的話能夠以好價錢賣出，花了很多的心力、使用昂貴的作畫顏料，來表示自己嘔心瀝血、精心之作，在這樣雙方面各取所需、務求華麗的風氣之下，許多畫家可能除了自己的藝術之外，為了維持上流生活，還必須為他們服務，作這樣的作品。

影片中畫家與僕人Greet之間的曖昧情感在其中流轉，與自己的妻子、岳母、孩子之間的奇妙關係，令人覺得詭譎神秘，種種看不見的情緒藏於其中。當畫家的妻子揭開那幅畫時，鄙惡的叫喊著，喊著Greet必須離開。所有人都為了達成己欲而有著自私的一面，畫家、商人、妻子、岳母，連Greet也是，說著人性的複雜多變，從她身上看到純潔光明的一面，也看到她壓抑自己，就像畫裏描述的，雖秋水剪瞳，彷彿欲言又止，太多的情緒隱藏於其中。

當Greet看到維梅爾的畫時，驚呼一聲：「你看穿我了！」我認為這是很深刻的一個場景。這意味著維梅爾在捕捉她神情之時，也將她的心思攝入其中，畫家用畫筆為畫中人注入生命，讓她鮮活了起來。這也打動了Greet深藏在內不易被人發現的細膩心思，對自己、主人的感情，表露無遺。

看著維梅爾的畫，感覺得出他對光線、色彩的捕捉非常的精妙。影片中他使用暗箱來觀察光暗之間的變化，與Greet對雲的顏色變化觀察的十分細膩，用暗色的顏料打底，再漸層鋪陳、層疊等等便可以道出畫家對光線細微的描寫，使畫面看起來非常的精緻逼真，且畫的布局不大，主題明顯易懂。且去查詢了一下畫家的資料，如片中所說，畫家畫的主題大多以女性為主，鮮少有男性，似乎藉著對女性的描寫使畫作呈現一種寧靜的感受。

反之，另外一位同樣是荷蘭畫家的林布蘭，他的畫整體看起來亮度似乎沒有維梅爾高，背景都是以暗色、黑色為主，但是對於主要人物的處理都打上了高度的光線，使人物都有發光的效果。如他的群像畫〈杜爾博士的解剖學課〉，從高中的歷史課本上就有看過，裏頭人物的各種不同的表情與動作，彷彿隱含著各種隱喻，呈現出一種懸疑性的戲劇效果。另外他為自己畫了非常多的自畫像，並使用不同材質、不同方式作畫，我覺得林布蘭不僅注意到外在世界包括光線、色彩的變化，還注意到人的內心情感的轉換，並且想藉著創作深入地追尋探討，才會以自己為本，為自己畫了一百多幅的自畫像，透過這些畫作忠實的紀錄了自己心境上的變化，而想要凸顯的是人的內心想法。

兩者各有優點與特色，除了對光影的處理、濃厚的色彩風格、戲劇性的效果表現都很傑出之外，維梅爾的畫作表現出的是一種感性的、寧靜安祥的筆觸，巧妙精緻的處理光線，給人柔和、明亮的感覺，較沒有林布蘭所呈現出的戲劇效果。而林布蘭則藉由背景黑底、褐底，而人物彷彿有光線打在身上，呈現的是戲劇效果，對內心的變化觀察細微，透過畫作傳達各種想表達、想說的話，讓人各自解讀，會有更深層的體會，給我一種較於知性的感受，相對於維梅爾的畫作，維的畫想要呈現的可能就很簡單，不似林布蘭有令人更深一層的思考與感受。

參考資料：
許麗雯《你不可不知道的歐洲藝術》，高談文化，2003維基百科http://zh.wikipedia.org/w/index.php?title=%E7%B6%AD%E6%A2%85%E7%88%BE&variant=zh-tw